個人感覺，非常重要，不管是速寫還是色彩，不管西式繪畫還是國畫，注重寫生的人士大都能成就大業。

掌握了去繁就簡，移形換位，取捨有度，有的放矢，借屍還魂等等絕技再加上最大限度採天地之靈氣，取日月之精華，很快就可以擺脫某些外行人說的那種畫的像就好的觀念，無需太久，一個月足矣讓你脫胎換骨！！！

藝術源於生活，高於生活，寫生對於藝術創作是至關重要的。在寫生過程中，你不但可以把課堂教學學到的理論運用於實踐，更能在實踐中得到靈感，加以發揮。對於藝術創作，人的一雙眼睛很重要，不但需要敏銳，更需要捕捉到閃光點。在倫敦國家肖像館、大英博物館，在法國凡爾賽宮，你都會看到成群的寫生的學生。

寫生能鍛鍊觀察能力、處理分析能力、理解能力、快速記錄與表達能力、立體思維能力、創造能力等。寫生是指直接以實物或風景為物件進行描繪的作畫方式。

把生活的真實轉變成藝術形式就是從寫生開始的。在寫生時就進入創作的構思構圖階段，不只抓取形象結構，要抓審美點，抓意境，找情趣。強調啟發和聯想、發現生活中的閃光點，上升到立意和圖式。

最重要的是用現代人的審美情趣去發現、捕捉自然界中所蘊藏著的美，去運用自己創造的物態結構引起欣賞者的共鳴。

引導寫生者從繁茂的自然生態中去尋找有機的組合美，花、草、苔、水、樹、石、藤，他們有機的組合在一起，有一種生命的自然美感，這是隻有在大自然中才能尋找到的，多種植物在一起有一種群落關係，他們競生存，和諧相處，是一種有鮮活生命力的美的組合。從中就會發現許多新鮮的意境，美好的形象和藝術形式。

從中世紀的油畫到文藝復興時期的古典寫實主義，藝術家們越來越重視寫生創作。但是，最強調寫生的油畫還是印象派和後印象派。諸如莫奈、梵高、塞尚、高更等等繪畫大師，無一不是寫生高手。

大家最為熟知的應該還是梵高，不顧生活的窮困潦倒，也不管是烈日炎炎還是寒風凜冽，梵高的身影時常出現在荷蘭的美麗鄉村，每天創作十數張寫生作品，包括經典作品《向日葵》等等。

印象派寫生跟古典寫實主義是不一樣的，最大的變化就是從印象派開始，特別強調光的變化。不過也有不少人認為，印象主義的光色是有了，但是質量感沒有了，體量感沒有了。持這種觀點的最有代表性的畫家就是馬蒂斯，他甚至公開寫文章反印象派，認為印象派寫生繪畫在光、色彩方面發展了，但是把藝術裡面另外一些基本元素拋棄了。

印象派對於油畫藝術的影響是深遠的，尤其是創作中的那種很主觀的東西。如果說之前的油畫寫生更多的是為了蒐集素材或打草稿的話，到了印象派之後，寫生就完全變成一種創作了。

古典藝術很強調技藝，現在的繪畫藝術似乎更強調形式和觀念。令人擔憂的是，現在學校裡不強調繪畫技法這個東西。包括幾大美院的教學體系，也大多缺乏基礎性的東西。現在的藝術領域受到商業氣息的侵擾太多，急功近利的思想氾濫成災。

包括靳尚誼等老藝術家都明確表示過，現在的美術教學和創作領域，很嚴重的一個問題就是不重視寫生。這樣造成的後果，其實就是拋棄了繪畫技藝。失去了寫生，也就逐漸失去了繪畫藝術本應具備的很多根本的東西。

現在還經常出去寫生的畫家其實是越來越少了，就算走出去了，也都習慣於用用手機和數碼相機一拍，回來根據拍攝的畫面來創作。也就是說，他們不領會為什麼要寫生，寫生的意義在哪裡，寫生的作用在什麼地方。如此發展下去，繪畫藝術的前景實在堪憂。

‘‘‘美術創作，"創作"就是不是他人的而是自已的，做出來的活計，是直接以實物或風景做繪畫內容，當臨摹了n張的素描，掌握了色彩的運用，美術的繪畫水平達到一定的程度才能有創作之說，那就要収集素材，素材從何而來，要走出去，到戶外，山野，農村，建築物，城市，人群中觀察靜態與動態的事物(這就是採風)，捕捉不一樣的景觀，不一樣的人物，做速寫，直接的說就是打草稿做筆記(這就是寫生)，採風和寫生是相輔相成的，當然也可以理解成到離家較遠的地方叫採風，離家近的可稱為戶外寫生。有了寫生的樣本就有創作的素材，這素材就來自你的速寫。當然你有過硬的繪畫基礎，面對景物，人物直接繪畫出來也是美術創造，也是寫生。自古以來偉大的畫家都是體驗於生活，來源於生活，高源於生活作為美術創作的源泉，創作出千古不杇的優秀畫作。

速寫作品

畫家古街寫生

畫家速寫

畫家寫生

重要，非常重要。

無論中西方哪種美術創作，都是以寫生為創作基礎的，西方繪畫教學把寫生的地位看的非常高，中國傳統繪畫更是強調“外師造化，中得心源”“搜盡奇峰打草稿”，外師造化簡單的說就是寫生。

別看有些人畫畫透過臨摹也能畫的有模有樣的，但是臨摹的東西永遠是別人，作品中不會有自己的風格和思想，只有走進自然、走進生活，透過寫生等體驗來逐漸形成自己的見解從而在作品中表達出來，這樣的創作作品才有生命力。

當有了一定的繪畫基礎，進入創作階段，就需要寫生來收集素材，古人曰：”搜盡奇峰打草稿“，從寫生中採擷、揣摩四季變化，捕捉不一樣的景觀，從中掌握繁和簡，做到取捨有度，把在寫生中收集到的素材和感受、靈感，用到創作中，成為自已創作的源泉，最後形成有自己獨具特色的表現形式和藝術語言，所以在美術創作中，寫生還是很重要的一環。

寫生，畫陌生的人物或景象，透過寫生，訓練個人的觀察能力、畫面組織能力，寫生中，獲得教科書裡未曾有過的技藝經驗，形成個人的畫面效果。

有人說寫生就是為美術創作收集素材，沒錯，但我還贊同：高階的寫生就是創作。

我接受臨摹、寫生、創作三位一體的美術教學思想，深入傳統，深入生活，為的是創造。搞美術創作，寫生真的很重要！

這段時間我正在到處寫生，在當今這個快節奏的社會，能安下心好好的到大自然中寫寫生，真的是感到非常快樂。雖然也很辛苦，但對每一天都充滿憧憬，希望自己每天都能有所進步。寫生路上遇到的風景、人和事，都對作品有所幫助。因為，它可以左右你的心，心情好的時候，再普通的風景，你也可能發現別人發現不了的美好，心情不好時，風景再美你可能也懶得動筆。藝術源於生活，寫生不正是讓你在路途生活中發現創作靈感。寫生固然重要，但重要的是你要有一顆對藝術創造的心。附上幾張西斯萊的寫生油畫作品。

是的，美術創作，寫生非常重要。因為寫生貫穿著畫家的整個藝術生涯。從早期的素描石膏、素描靜物、人物頭像、色彩、速寫等，這些基本的寫生是能夠準確快速提升自身的美術基本功。到後期的寫生創作，則更是要透過感受大自然或者人物的特有氣息，激發自己的靈感，用屬於自己的繪畫語言表現出來，形成獨特的風格，具體請看我影片分享，謝謝。

當然有必要。劉小東說：“藝術家要行動，要克服知識分子的矯情，真的像勞動人民一樣，去流汗、去現場體驗。他並不過分在意作品最終的呈現結果，因為現場創作的痕跡不可替代。”

寫生對於美術創作，非常重要！一、國畫歷來強調師古人，師造化，師造化就是向自然學習，‘

這國畫歷總結的真知灼見。二、美術創作是審美活動的最高階段，即審美創造，其前提是理解美，發現美，欣賞和鑑賞美，而後才能創造美，其中發現美是一種能力和素養，它需要在師造化中培養和形成，這就得仰仗寫生。三、美無所不在，人們缺少的美的發現，寫生能促進美術創作者敏感地發現自然界中形形色色的美，進而思考想象，為創作提供源源不斷的靈感。（插圖是本人上網課時畫的山水畫小品，用時29分鐘）。

有必要，素材，自然界的景物是活的是要人在紙上表現出現，而書是技能階段培養，景物描寫是死的。兩體結合，用學會技能和手段不斷練習，在結實景，才能出好的作品。

美術創作和寫生？在專業大專院校都要學習幾個學年，所以說這話題不是一兩句話就能講清的，簡單的說:美術創作說的是藝術創新，寫生說的是在生活中在大自然裡發現藝術，兩者間前者是發展，後者是挖掘。但都是與藝術為連線，所以要搞美術創作？寫生必不可少。還有在美術創作裡寫生是專業的基礎也是美術資料的採集，透過對生活的觀察，對大自然的瞭解，才能更好的搞好美術創作。

搞美術創作，寫生真的很重要。

老子曰“人法地、地法天、天法道、道法自然”，人要遵循自然規律，順其自然。對於一個藝術家來說，想成為一名藝術家沒有捷徑可走，腳踏實地一步一個腳印去努力。藝術創作是需要靈感，靈感源於生活中的大自然，春有百花秋有月，夏有涼風冬有雪。一年四季每個季節都有美的景色。日出而作，日落而息，對於每個人來說，生命的存在很短暫，珍惜時光，珍愛生命尤為重要。搞美朮創作一定要重視寫生，只有走出去，才能汲取更多的繪畫資源。沒有寫生的積累和沉澱，繪畫的作品沒有生命力，所以深入到生話實踐中獲得萬物變化的規律，寫生中不斷觀察，認識，感悟。為創作積累素材以及審美視角，才能豐富自己藝朮創作的表現力和繪畫技巧。雖然寫生的道路非常艱辛，唯有付出，才能創造出讓人喜歡或流傳於世的好作品，只爭朝夕，不負韶華。

先說觀點，在當代的藝術創中我認為寫生對於藝術創作並不重要，寫生準確地說對技法訓練有幫助。這裡面有兩個概括要分清楚，藝術創作不等於技法。我們先說說藝術創作的目的是什麼？我個人覺得藝術創作的目的傳遞你的觀念。這個觀念可以是你對藝術、對社會的看法或者自己的情感、審美觀的呈現等。任何技法都為表達出這些觀念服務。我們今天的藝術形式非常多元化，繪畫方式只是其中的一種表達形式，我們除了架上繪畫還有如裝置，影像，行為等藝術種類，如果你是從事這類藝術，寫生訓練對你來說並不重要，重要的是你怎樣傳遞你的思想。比如我們回到杜尚的《泉》，他直接選擇了一個生活用品小便器做為他思想觀念的傳遞，以此來表達對什麼是藝術的質疑。這個小便器甚至都不是他做的，但這件作品卻成為藝術史上最為經典，最為成功的藝術作品。除了杜尚，這類藝術家還有博伊斯、白南準、瑪麗娜·阿布拉莫維奇、還有大家熟悉的蔡國強。可能大家會說，架上繪畫可能需要寫生訓練了吧？這個也得分情況，中國畫在古代是很少強調寫生的，但仍然出了不少大師，比如梁楷、牧溪、徐渭、朱耷等，近代的齊白石也不是寫生訓練出來的作品，現代國畫的寫生也是從徐悲鴻從西畫引入過來的，在南朝謝赫提出的六法論關於訓練的方式也就是傳模移寫，沒有寫生的概念。在國外的藝術家比如安迪·沃霍，他的速寫確實不錯，但他成名的作品反而是他的絲網版畫，如他的《瑪麗蓮夢露》、《金寶湯罐頭》，這些都不需要寫生訓練，就可以創作的作品。像這樣類藝術家還有很多，德庫寧、勞申伯格、基弗、羅斯科等。從這些大師的創作都不是寫生系統可以訓練出來的。總的來說，我覺得寫生對於寫實技法訓練是重要的，但是對於有的藝術創作，是沒有太大的影響。當然如果你的創作需要寫實的方式去表達，那麼這種訓練是可以的，比如像劉小東，石衝這類藝術作品。面對藝術創作我們要首先弄清一個問題，藝術不是對於技巧的呈現，而是表達，我們寫生的目的是為了更好地為我們表達服務，不僅僅是對於技巧的迷戀。個人之言，僅供參考，錯誤之處，望指正。

美術創作，寫生的重要性

在繪畫藝術中，“寫生”就是直接對真實物象進行描繪，將物象在作品中“寫活”，美術中的國畫、油畫、攝影，都非常注重寫生，寫生的重要性，不言而喻，會寫生、懂寫生的藝術家才是真正的藝術家，有所成就的藝術家必定是會寫生、懂寫生的，他們將“寫生”直接當作藝術。

國畫注重“寫意”，畫家喜歡走進大自然觀察萬物的形態特徵，而且還是從多個角度進行觀察，追求一種“橫看成嶺側成峰，遠近高低各不同”的意境效果；簡單理解，國畫的“寫意”好比一個人的精氣神，畫家描繪的就是精氣神，並不是人的外表，而精氣神是最難刻畫出來的，國畫的寫意強調“氣韻生動”的效果，

油畫注重“寫實”，寫實的含義很深奧，不只是把物象描繪的清清楚楚，更主要是將物象的內在情感體現出來，這和國畫的“精氣神”又不一樣，精氣神是一種狀態，而“內在情感”包含了生動的故事情節，資訊量很大，油畫的“寫實”就是這樣子，作為畫家，在現實社會生活中寫生，就是為了體驗自身沒有經歷過的事情，

國畫創作強調“意在筆先”，油畫創作強調“真情實感”，這都是“寫生”的表現，寫生就是為藝術創作做鋪墊工作，熟悉瞭解表現物象的形態特徵以及習性，藝術家只有事先提前讓自己進入到創作狀態，在創作時才能聚精會神，達到感同身受的體驗感。簡單的說，寫生是為了讓藝術和現實的關係更加密切，和現實關係密切的作品才有意義價值。

曾經由於陳丹青的一句話“一切從素描開始,毀了國畫。”，對於中國畫的素描問題引起過很大的爭論。

超寫實畫家冷軍就反問“中國畫毀了嗎？”冷軍認為“畫面有構圖、有造型、有筆墨就構成了‘盡精微、致廣大’的道的特徵，文以載道的追求即完成。”他強調素描根本不會阻礙中國畫發展。

中國畫畫家史國良甚至說，陳丹青的素描理論是混亂和不負責任的，片面的，對於人物畫,素描訓練是必須的。

說素描好像與寫生關係不大，實則不然，就寫生的定義來說，寫生就是是指從大自然取景、物、元素的素描。

再者就他們的爭論來看，其實也更好的證明寫生對於美術創作的重要性，比如陳丹青也同時強調，不廢除石膏像寫生，中國畫不會有前途。

冷軍也強調事並沒有多少人拿毛筆直接去畫素描，傳統師法自然是要提煉物件，毛筆寫生可能更多的是概括物件，有不同之處！

他們在對素描進行爭論的時候，其實也都對寫生更多的強調，只是可能對於寫生的方式有不同的認識，寫生的方法有誤會。

據說潘天壽先生到雁蕩山寫生，並不是馬上動手去畫，而是摘下山花進行解剖。並且注意到了花卉的“神態”，把花卉當作有生命的東西來對待。

石濤的“搜盡奇峰打草稿”的藝術主張，更是每個國畫愛好者盡人皆知的，李可染也極其重視山水畫寫生，在1950年，43歲的他發表了《談中國畫的改造》一文，系統闡述如何創新和改造中國畫。其中，最重要的觀點是“深入生活”，這是改造中國畫的基本條件，甚至因為寫生曾經挽救過中國畫。

建國初期，中央美院曾經取消了國畫系，正是因為1954年，李可染邁出了試探性的一步，師造化，到大自然中進行中國畫改革的探索，他和張仃、羅銘三人到江南寫生。

1954年9月，李可染、張仃、羅銘三人山水寫生畫展在北海公園悅心殿舉辦，展出畫作40幅。這次展覽是中國美術史上的著名事件，畫家深入大自然寫生創作，開中國山水畫一代新風，對當時的國畫界震動很大。1956年，中央美院恢復了山水人物花鳥中國畫系。

寫生真的好有必要！不然你就沒有題材，閉門造車那就沒辦法表現大自然的神奇和魅力，只有身臨其境才能獲得更好效果，必須與實際結合才好！

搞美術創作，寫生真的有那麼重要嗎？

達芬奇說過，繪畫是自然界一切可見事物的模仿者。在那個只把繪畫當成一門手藝的年代，達芬奇將繪畫和音樂、詩歌放在一起比較，得出了繪畫絕不止只是一門手藝，而是大自然合法的兒子。

這就是達芬奇的格局，達芬奇是直接把自然作為自己的老師和研究和物件，所以他才是站在繪畫藝術最高殿堂的那幾個人。

把自然當作老師，就是寫生，所以說寫生對於繪畫來說，真的很重要。

學習繪畫無非就是臨摹和寫生兩種手段，象達芬奇這樣，又能臨摹誰的作品？他的前面沒有路，沒有路，那就開闢出一條路！

向自然學習，他研究明暗和光線，他研究形狀和體積，他研究色彩和透視，他研究遠和近，靜和動。所有的一切，都是建立在寫生的基礎上。

學院派大師安格爾對文藝復興時期的作品非常欽佩，他不僅自己多次去義大利臨摹拉斐爾的繪畫，而且經常讓自己的學生臨摹前人的作品，他指著牆上的畫對學生們說，我不是你們的老師，那些畫才是你們的老師！學院派畫家太注重臨摹，以至於沒有多長時間，就被主張戶外寫生的印象派取代了。

我們知道寫生可以收集素材，還可以體驗場景和氛圍。我認為最重要的是，寫生可以讓作者和大自然之間進行溝通。

英國畫家米萊斯在創作《奧菲麗婭》時，跑遍了整個英國的鄉村，希望找到一個符合莎士比亞原作的場景。為了畫出絕對的真實性，畫家一連幾個月觀察這個無名的小溪，甚至親自躺在水裡，體驗一種瀕臨溺亡的感覺。

米萊斯是在和自然進行溝通，如果靈魂可以出竅，我相信米萊斯已經把他的意識佈滿整個小溪，他最終體驗到了奧菲麗婭希望破滅後絕望的心情。

水草舒展，綠水漂萍，斯人己去，空留餘痕。

這幅畫是那麼的美麗而哀婉，淒涼而動人。

這就是《奧菲麗婭》憾人心靈的魔力。

所有這一切，唯有寫生。