古典寫實和超寫實都屬於油畫藝術在發展過程中產生的一種繪畫風格和藝術流派，它們都屬於典型的學院派風格，具有很多共同點。

共同點是：以科學而紮實的造型手段，用精細、嚴謹的筆觸來描繪客觀物象，再現真實生活的面貌為主，在創作中提倡理性，排斥主觀性。在設色上追求藝術色彩與自然色彩的和諧統一。

古典寫實包含的繪畫流派其實很多，從14世紀到19世紀這500多年裡，誕生了許多以寫實為主的畫派，像文藝復興時期著名的佛羅倫薩畫派、威尼斯畫派，17世紀的巴洛克風格，18世紀的古典主義，19世紀的新古典主義，都屬於具有代表性的古典寫實畫風。這些畫風從不同則重點發展壯大了油畫藝術的基本畫法，提供了一系列造經驗，是油畫學習者進入油畫大門，訓練個人基本功的必經之路。

古典寫實油畫發展到19世紀末期，由於照相技術迅猛發展起來，擠壓了古典寫實的生存空間，人們使用照相機就能得到高畫質晰度的影象資料，不再需要寫實油畫來完成這個使命，並且，創作一幅寫實油畫所需的時間要比同樣的照片高出很多，因此，從20世紀初期以來，古典寫實迅速衰落下來，從寫實的另一個極端發展下去，很快出現了抽象派、立體派等畫風。

超寫實油畫是在20世紀60年代發展起來的新興油畫流派。此時，抽象油畫和寫意油畫是主流，一些具有古典主義情結的油畫家，從攝影藝術中得到啟發，認為照片可以這麼逼真，油畫為什麼就不能？於是，這些油畫家誕生了創作一種比肩高畫質照片質感的油畫作品，並在一些細節上精益求精，用一絲不苟的創作態度，用毫髮畢現的藝術趣味來體現一種匠人精神。所以，我們就看到了在視覺張力上堪比照片的超寫實油畫。

在當下藝術環境下，古典寫實和超寫實都有很高的支持者，畢竟，這兩種畫風貼近人們對油畫一貫以來的直觀印象，觀者完全能看懂畫面內容，在欣賞層面上不存在隔閡。

對油畫學習者來說，學習油畫的造型技巧，色彩搭配，光影明暗比較法，都是從這兩種畫風開始的，因為這兩種畫風代表了油畫最基本的創作方法。

1.古典寫實

古典油畫的整體色調和構圖都是非常沉穩、含蓄，沒有太大的反差，非常重視色彩飽和度、透明度的協調變化，以及對光影、形體、色彩的應用。古典寫實很注重整體的思想表達。

2.超寫實

表現在與極其真實，且常畫作大於參照物數倍，猶如放大多倍的照片，清晰可見極小的汗毛髮絲，皺紋，面板的顆粒，技法上也有古典寫實的技法出現。

總:各具特色，都有其特有藝術價值和藝術表現。

（瞭解不詳，望校正）

古典油畫注重儘可能的寫實，合理的應用光線、色彩，力求表現出繪畫物件最本真的一面。

寫實主義有兩個含義：①指藝術的 創作方法。②指藝術的寫實手法。法國19世紀寫實主義美術兩者兼而有之。庫貝爾等人的作品在表現手法上是寫實的，在內容上有強烈的 現實主義精神。

古典油畫 整體色調和構圖都非常沉穩、含蓄的，沒有太大的反差，非常重視對於色彩飽和度與透明度的協調變化，以及對光影、形體和色彩的應用。古典油畫非常重視繪畫的技法，這直接影響到整個畫面的呈現。

古典寫實油畫：

在達·芬奇“無界漸變著色法”的筆法下，蒙娜麗莎的微笑散發著夢幻而神秘的氣息。

古典寫實油畫是人類繪畫史上的最高峰，所有的畫風都是從古典繪畫中派生出來的，那種精深唯美的樣式，具象的外表下升騰出的靈性之美，是我們在作品中一直追求的。透過對古典寫實油畫材料、技法和製作步驟的熟悉和掌握，以在今後的油畫創作實踐中培養學生較強的寫實能力和畫面控制能力。

古典寫實作品展示：

超寫實油畫是誕生於近現代。有人認為攝影的誕生終結了油畫藝術的生命，超寫實油畫是繪畫藝術家對繪畫之死的抗爭。他們利用放大鏡等現代科技手段加上古典繪畫技法注重對繪畫物件細節的極致描繪，展現出攝影照相技術所不能表現的細節之美。

超寫實油畫是基於當前先進的攝影技巧，注重對細節的極致刻畫，讓攝影器材都難以達到的一種透過藝術的加工提煉之後精緻刻畫。

超寫實油畫技法對於畫布製作、畫筆、媒介、底料以及何種光油和作畫顏料的製作都是非常嚴格的。在作畫過程中，繪畫工具在整體繪畫中的作用是相當多的。

超寫實油畫：

“天下第一白菜”的忻東旺，憑藉畫超寫實白菜，讓冷軍自嘆不如。

藝術是無價的，可是走到金字塔頂端的冷軍的超寫實油畫目前在國內外也沒有幾個人可以做得到。

超寫實繪畫是對古典油畫的延伸和發展，這些畫種都是屬於西方繪畫，西方繪畫更多的是一種科學方法或者科學流程。

古典油畫從製作畫框到打底造型，再到去大色調，然後深入刻畫，然後上光油等等，都是有一套方法和技巧。

古典油畫主要是充當照相機的作用，更多的皇家定製或者貴族專屬，還有教堂壁畫，畫關於聖經的故事題材。他們是宗教文化，繪畫要儘量寫實才能發揮宗教的作用。類似倫勃朗戈雅這樣的畫家都非常有錢，都是按照金幣支付。

文藝復興主要是古典油畫，復興復的是希臘和羅馬，希臘時期的雕塑已經非常寫實，歐洲文明屬於海洋海盜文明，主要是靠搶資源，文藝復興是再給他們找理論支援，這樣他們會感覺自己有文化。

慢慢的資本主義發展，大眾審美水平提高，照相機發明，反應現實相機可以做到，暫時不需要古典繪畫。

雖然安格爾門採爾想復興古典油畫，但是擋不住大的趨勢，印象派登上舞臺。被壓抑多年的情緒得到發洩，繪畫可以放飛自我了，不用受客觀現實的制約。

然後抽象，超現實，野獸派等等，大家都在尋找個性，個性是王道。

由於審美是多種多樣的，不管怎麼樣還是有人喜歡寫實繪畫，寫實繪畫可以直接證明自己的繪畫水平和實力。

由於人類在不斷的發展和進步，技巧材料都在進步，超寫實繪畫也是越畫越好，我們國家有冷軍。

冷軍是中國超寫實油畫的巔峰。

現在大眾的審美又得到了提升，百花齊放 百家爭鳴，各種風格的繪畫都有受眾群體。

超寫實繪畫也有不斷的發展，因為人類天生喜歡寫實的東西和事物，我們天生喜歡探索世界，認識真實的世界，我們也想反應真實的世界，超寫實繪畫可以很好的反應真實的世界。

您好，很高興回答您的問題。西方的油畫從文藝復興開始就是強調寫實和再現，所以幾百年都是以還原和表現物件的三維空間和體積為目的。古典寫實源於文藝復興，追求穩定的構圖，和諧的色調，結實的造型等。畫古典寫實需要紮實的基礎，對繪畫基本原理和觀察方法的透徹理解、對造型和色彩的理解等等。所謂超寫實是近現代產生的，由於相機的發明，能拍攝出超清晰的圖片，甚至能放大到毛孔。但確切的說這種超寫實應該叫“照相寫實”，是以照片為基礎的畫出極致細節的作品。古典寫實和超寫實兩個領域都有非常優秀的作品。比如冷軍老師的超寫實作品，是在正確觀察方法和寫生下得來的結果，不僅僅是抄照片。但是有些“照相寫實”則完全依賴照片，缺乏藝術上的處理和審美高度的支援，只是按照方法一步一步進行描摹，畫出的作品肯定不能同日而語。

古典寫實與超寫實油畫作品

油畫藝術注重“寫實”，無論是古典寫實還是超寫實油畫作品都是這樣，“古典寫實”我們可以理解為古典主義和寫實主義，也可以單獨的理解為古典主義，因為它也是注重寫實。問題來了：當下藝術大環境下，您是怎樣看待古典寫實與超寫實油畫作品的呢？

古典主義油畫一般趨向於靜態的構圖，注重素描而色彩趨於冷調，題材多半取自古代歷史，肩負起教育人們的功用，比如，19世紀大衛的作品在共和時期是要激起市民的愛國心，拿破崙稱帝時，又用來歌頌他的豐功偉業；古典主義是崇尚古典文化的創作傾向，特別是對古希臘羅馬時期的藝術或設計風格的崇尚，

古典主義油畫興起於18世紀末19世紀初，是歐洲文藝復興風格的延續，也就是說文藝復興時期的油畫也是屬於古典主義，所以古典主義油畫也表現理想與美化自然，然而對寫實主義畫家而言，古典主義是不科學、不現實，會阻礙人類的思想進步，因為古典主義含有太多憑空想象的理想化的元素，不切合實際生活，

超寫實油畫是以“照相”為標準，客觀的表現生活，沒有強烈、激進的視覺情緒效果，也不能深刻的反映現實社會和人們的思想精神，所以說超寫實油畫是侷限於物象表面的寫實，並未達到深層次的寫實效果，體現油畫“寫實”的藝術文化價值。但是在當下藝術大環境下，超寫實油畫也成了潮流，當代畫家對寫實主義油畫的認知和藝術技法明顯是落後的；古典主義油畫可以說是已退出畫壇了。

古典寫實屬於18世紀以前的藝術，這在那個時代已經全部解決了。超寫實屬於19世紀末20世紀初的現代藝術。這些學學可以，要是作為高階創作在當代毫無意義。這個時代需要屬於這個時代的文藝精品，要有時代烙印。

藝術跟時代當今環境沒有什麼影響，也沒有什麼關係，古典藝術也好，現代藝術也好，都是代表藝術家個人的一種心理氛圍，藝術家畫的好壞是看他是否能表現自己的心聲，從而對大眾廣大大眾產生一種美，產生一種共鳴，這才是藝術家應該做的

古典寫實繪畫已經發展了近千年，在14世紀文藝復興時期已經發展到了頂峰，美術三傑現在依然是美術界名垂青史的人物。18世紀從法國興起新古典主義，意在恢復古希臘的美術傳統。

古典寫實以真實和理性、浪漫、唯美，吸引著大多數的美術愛好者，對比現代繪畫，沒有那麼多的藝術邏輯和觀念，顯得更直接，人物等畫面因素完全按作者的表達意圖，具象、直觀，有更大的市場接受度。

作為美術傳統，寫實是每個美術學院的基礎課，會寫實也是美術類大學生的基本功，雖然效果差強人意，但這是大多數國家美術學院的教學大綱，除去歐洲極少數國家以現代觀念繪畫為教育核心。

寫實不會消失，如果消失，這是對美術傳統的拋棄。只不過面對現在的環境，還沒有出現表現寫實更好的形式。還是以寫實的水平論高低。冷軍的畫寫實程度高，技巧成熟，依然可以成為全國美術學習者的偶像，即使與千年之前的文藝復興畫家無法媲美。

當然，現在的畫壇絕對不是以水平論高低，有平臺、有地位、有審美，即使沒那麼高的水平也會有影響力，這是綜合的一個東西，尤其是現在。

無任何種表現形式，我們都允許存在和發展。目前，我個人認為國畫是詩、書、畫、印融為一體，是非常有魅力的完整繪畫藝術體糸。詩立意，畫點睛，書助雅，印顯彰高妙至極是世界最輝煌的藝木，應該引領世界畫壇。

為什麼有些油畫作品與現實格格不入？

油畫是一種藝術作品，那藝術是什麼？藝術是用形象來反映現實但比現實更具有典型性的社會意識形態，藝術是一個人對自身精神與情感的抒發與表達。油畫作品中有現實主義和超現實主義的表現。

超現實主義是20世紀上半葉興起的一個重要藝術流派，取自於達達主義的部分觀念。

達達主義：達達主義運動是1916年至1923年間出現於法國、德國和瑞士的一種繪畫風格。它試圖透過廢除傳統的文化和美學形式發現真正的現實。

20世紀20年代初，在巴黎興起了超現實主義先鋒文化運動，倡導者是法國青年思想家安德烈·布勒東。他認為：藝術作品不能用清晰不活的理智來創造——理智只有利於科學，非理智才有利於藝術。他們目睹戰爭的荒謬與破壞，對以理性為核心的傳統思想、文化、道德產生懷疑。舊的信念失去了魅力，需要有一種新的理想來代替。超現實主義就是他們在探索道路上的嘗試。

此後，超現實主義在文學和藝術方面都產生了深遠影響，而繪畫在超現實主義的影響更大。

下面我們來了解一下一些有名的超現實主義作品

《人類之子》勒內·馬格利特

《人類之子》是馬格利特的自畫像，繪製的是一個戴著圓頂硬禮帽、穿著長大衣的男子形象，背景是雲和大海。男子的臉被一個懸空的青蘋果擋住了，但他仍從蘋果的邊緣上窺視著觀眾。男子的左臂詭異地向後彎折。

用馬格利特的話說：“我們看到的東西總是互相遮蔽，而我們又總想知道被擋住的是什麼…這不是一個簡單的什麼被擋住了什麼沒被擋住的問題…而是一個被擋住的和沒被擋住的之間可見性差異的問題。”

《記憶的永恆》薩爾瓦多·達利

畫面展現的是一片空曠的海灘，海灘上躺著一隻似馬非馬的怪物，它的前部又像是一個只有眼睫毛、鼻子和舌頭荒誕地組合在一起的人頭殘部；怪物的一旁有一個平臺，平臺上長著一顆枯死的樹；而最令人驚奇的是出現在這幅畫中的好幾只鐘錶都變成了柔軟的有延展性的東西，他們顯得軟塌塌的，或掛在樹枝上，或搭在平臺上，或披在怪物的背上，好像這些用金屬、玻璃等堅硬物質製成的鐘表在太久的時間中已經疲憊不堪了，於是都鬆垮下來。

這幅畫是達利最著名的作品之一，對流行文化中有很多借鑑之處。很多人猜測那些融化的柔軟的表是達利對相對論的闡述。達利自己說他們的靈感來自於卡門貝爾乳酪在太陽之下融化的狀態。這些融化的鐘表是達利自己做的一個夢，畫面中間的物體是畫家本人的面孔。

大家對這幅畫的解釋是，那些融化的鐘表是對於時間的確定性和不流動性的拒絕。這個標誌性和被多次複製的作品描繪了時間，被一群螞蟻所團團包圍的鐘邊，暗示了達利對於破碎的衰敗的過程有著不可被動搖的迷戀。

達利承認自己在這幅畫中表現了一種由弗洛伊德所揭示的個人夢境與幻覺。達利運用他那熟練的技巧精心刻畫那些離奇的形象與細節，創造了一種引起幻覺的真實感，令觀眾看到一個在現實生活中根本看不到的離奇而有趣的景象，體驗一下精神病人式的對現實世界秩序的解脫。

《小丑的狂歡節》胡安·米羅

《天堂的耶路撒冷的準備》讓·戴維

《走到托萊多》艾梅勒·內馬松

《陽臺》巴勃羅·畢加索

超現實主義最重要的哲學依據是潛意識學說。潛意識常表現為雜亂無章的反常規的幻境，正是這種不確定性決定了超現實主義的反邏輯及非理性的“反常”特徵，超現實主義就是要“化解向來存在於夢境與現實之間的衝突，而達於一種絕對的真實，一種超越的真實”。

古典寫實和超寫實主義是繪畫藝術的巔峰，也是當時沒有相機，錄影等現代科技藝術發展的必然結果，其實用性和藝術性達到了完美結合。

當下藝術發展在經過寫實主義後必然走上抽象主義，然而抽象也是在有堅實的寫實功底上而誇張，不是隨意或任何塗抹都可稱之為抽象主義，因為抽象也是美的，是有思想的，有美術基本要素的。

在照相技術並不發達，照相機還沒有普及的年代，那個時候的寫實、超寫實，都是可取的。而當下的寫實、多數是臨摹照片，所以不可取，他無非就是把照片變成了油畫顏料的複製品。是不可能有長久發展的。