如果是暫時的還可以，如果一直對照片畫油畫會慢慢失去生動化的東西，照片的視角，細節，很多資訊是不完整的，固定的，而寫生在視角，構圖，光線，細節等等問題上都可以做出最好的選擇；畫照片在構圖，光線，空間，細節等方面會很受限制。

畫照片是可以的，但是你一定要明確的告訴自己，最終是要擺脫照片，進入可以自由創作的狀態。

畫照片是一種積累，在這個過程中積累了對工具，材料的熟悉。對視覺規律的總結和提煉，如構圖，結構，主次，對比，調和等等。

（圖中是畢加索早年時期對寫實的視覺規律的研究和積累時所作的作品）

當你在畫照片的過程中積累了以上所說的內容後，加上你的人生經驗和各種感悟，最終會達到運用之前練習的積累來表現一些自己想表達的內容。

（本圖是畢加索熟練運用早期的積累來表現內容，核心是表現，而不是再現）

總的來說，畫照片也好，寫生也罷，是繪畫的一種原始積累，不可不做，也不可過度沉迷，固步自封。

（畢加索在繪畫的道路上不斷前行，對繪畫因素的不斷推敲和提煉，所以說藝無止境，保持總夠的好奇心和求知慾，才能走的更遠。）

對著照片畫油畫

雖說油畫注重“寫實”，但是依然有很多油畫作品缺乏寫實，或者很多畫者對“寫實”的含義模糊不清；雖然油畫創作離不開“寫生”，寫生是一門獨立的藝術，但是還是有很多畫家忽視“寫生”的，而是直接對著照片畫油畫，那麼對著照片畫油畫是種什麼體驗呢？

對著照片畫油畫，畫著畫著就枯燥無味了，然後就“機械化”的描繪了。我們舉個簡單的例子，比如，A畫家是以真人模特進行創作，B畫家是以模特的照片進行創作，哪個畫家更容易享受到創作過程中的樂趣呢？很明顯，肯定是以真人模特進行創作的A畫家，

因為真人模特的形態特徵會或多或少的和畫家進行眼神交流、情感交流、氣氛交流、畫家和模特兩者都是在真實空間內真實存在的，畫家在創作時就會有情緒變化，線條筆觸就會有輕重緩急的變化；然而，對著照片裡的模特進行創作的話，由於模特的美貌，剛開始可能有點感覺，

但是照片畢竟是照片，照片裡的模特即使再美，她也無法和畫家進行眼神交流，產生情感共鳴，那樣的話，畫家畫著畫著就覺得沒什麼意思了，手中的畫筆就變的機械了，線條筆觸也顯得機械化，沒有起伏感，那麼這樣的作品就缺乏情感，也沒有靈魂可言，即便是這樣子，依然有很多畫家對著照片畫油畫。

因為照片上很平面的，整體呈現比較單一，比如我們常常說某一個人臉色紅潤或者蠟黃，這其實一種感覺，看照片的話，我們感覺都差不多，已經沒有體積和空間感的感官感受。當然了，創作之中參考照片也是很多畫家常用的手段，所以同一物、景多幾個照片角度會給我們更多選擇。多去寫生吧，寫生對於繪畫來說說一件很莊嚴的事情，也是畫好畫的必然途徑！

油畫是攝影從一開始就持續性地蠶食和熱情地剽竊，並仍在火烈敵對中與攝影共存的藝術，攝影更加還原真實但是取代不了油畫。

一、自照片出現以來，畫家就利用它來捕捉光影，更真實地描摹自然，維米爾、委拉斯凱茲、卡納萊託等藝術大師都使用過暗箱來輔助作畫。20世紀初的藝術浪潮中，攝影接管了被繪畫壟斷的描繪現實的任務，把繪畫解放出來，讓繪畫轉而肩負其偉大的現實主義使命——抽象。

二、之後復興的“照片寫實主義”，不滿足於僅僅模仿照片，而是要證明繪畫能夠達到一種甚至更大的逼真的幻覺。如今面對照片來繪製油畫已是很普遍的現象，然而這樣的做法仍然存在很多爭議，歸根結底，或許是因為攝影與繪畫的關係太過複雜，有時極為親密，有時又呈對抗，太多糾纏，難以釐清。關於是否應該對著照片畫畫一直爭論不休。

三、但是我們畢竟不是專職攝影家，所以後來大量拍照片畫。他是和攝影家有共性，底片和照片都呈現出來，對職業藝術家來說，其實畫照片沒什麼，現在的情況下再也不可能花幾個月去寫生採風。但問題是需要有一個寫生的能力。現在聯考試都畫照片，甚至四年藝術系讀下來，沒有出去寫生過。

最後對油畫家來說，藝術基礎十分堪憂。那時候一張照片真的只是起到一種資料性的作用，只是一個繪畫的藉口而已，而現在，卻真的依賴照片畫照片了。可悲呀。

我️話說：如果不對已有的照片進行主導性的干預與重構，將自己的想法溶入到照片裡，不加選擇地用油彩畫照片的方式，畫者的體驗就如同噴墨印表機一樣的在油畫布上機械地運動。因為他的行為是被照片綁架了的隨照片起舞，一個沒有靈魂的畫匠而已！