我最喜歡的是張澤端的《清明上河圖》，全卷以全景式構圖，嚴謹精細的筆法，展現出北宋都城汴梁郊外汴河沿岸及東角門裡市區清明時節的風貌。畫的內容結構大致分為三個段落：開首為郊區農村風光；中斷是以虹橋為中心的汴河及其兩岸船車.，手工業和商業貿易活動；後段為城門內外，街道縱橫，車水馬龍的繁華熱鬧景象。此畫再現了宋代城市社會生活的各個方面，具有高度的歷史文獻價值。

畫家在創作繪畫中，採用的是散點透視，長卷構圖中充滿了戲劇性的情節和引人入勝的細節描寫。整幅畫有鋪墊，有起伏，有高潮。船過虹橋的緊張場面安排在全卷近中央部分，形成有藝術效果的最精彩部分。

回答：讓·米歇爾·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）（1960-1988）是二戰後美國塗鴉藝術家，新藝術的代表人物之一。也是我最喜歡的藝術家。

巴斯奎特的塗鴉作品中包含有詩意的象徵，哲學化的內涵和諷刺性的寓意，還有各類符號，如王冠或《SAMO©》，這些以後都成為了他的標誌性象徵。

除了塗鴉，他也是位非常優秀的說唱歌手，有自己的樂隊，但最為津津樂道的其實是他與麥當娜的感情部分。可惜，天妒英才，最終因毒品離世。

我最喜歡的是他的骷髏畫作，第一眼看到其實是看不懂的，當我加入自己的想法，並把它們畫到衣服上時，呈現出來的居然是自己熟悉的部分，這個太不可思議了。。。

你最喜歡的藝術家的一幅畫。

我喜歡它有以下兩點原因：

原因1:整體畫風色彩豔麗，顏色跳脫，畫風活躍。在這幅畫中，梵·高用誇張的手法，生動地描繪了充滿運動和變化的星空。夜晚的天空高又遠，大星、小星迴旋於夜空，金黃的滿月形成巨大的漩渦，星雲的短線條糾結、盤旋，彷彿讓人們看見時光的流逝。暗綠褐色的柏樹像巨大的火焰，是星夜狂歡的響應者。天空下，安睡的村莊那麼寧靜、安詳。淡藍的色調，動感的線條，給人自由的時空感。讓人看過後心馳神往，久久回味。

原因2:在我手裡我畫過三幅《星月夜》，尺寸大小各不相同，不管是對於初學者還是有很多繪畫經驗的藝術家來說這幅畫還是非常好臨摹的，易上手，色彩漸變也有規律，點彩也方便。這幅畫，畫好了掛在家裡也很上檔次。不得不說梵高的成功不是偶然，是必然的。讓我深深的感受到，畫的就是他的思想，是他的內心世界。他把這些複雜的情緒都放在了畫裡進行創作，同時讓我們後人也看到了震撼的作品。

最後我想說，梵高的《星月夜》雖然每個人理解不同，看法不一，不理解他的創作意圖，但我還是喜愛。就是因為他讓我看到了對藝術的忠誠和執著，他是在用心靈繪畫，也給我們

留下了珍貴的藝術寶藏，值得讓我們尊敬他喜愛他。

我最喜歡的畫家的一幅畫是：約翰.威廉姆，沃特豪斯的《潘多拉的盒子》，人物刻畫細膩柔和，浪漫中不失率真。把潘多拉的形象刻畫的柔美動人，內心豐富。

而梵高先生的向日葵像一個個含苞待放的花姑娘，也想一個充滿希望的少年。或許內心深處，梵高先生是如此的熱情和充滿希望。然而生活總是充滿無數的考驗。

如果生活欺騙了你，你也要勇敢，像他筆下的向日葵，雖然低頭，卻已經是碩果累累。雖然看上去像不爭的彎腰，實則是已經心裡有了結果。我們的人生就該這樣，沒有遠慮，必有近憂！要像它的太陽花一樣對未來有希望，有期待，才不會苦悶。

儘管，梵高先生的一生太苦，最後沒有好的結果，但他不到最後不放棄，堅持畫畫的毅力讓我佩服。

第二幅喜歡他的這幅星夜。雖然看上去似乎很簡單，但是這代表著梵高內心的一種嚮往。看到天空雲間雲舒，星空泛濫，一層層沉在翻滾。

星空下面有一座非常美麗的城堡，城堡旁邊有很多很多房子，這意味著梵高嚮往一個家，一個溫暖的像城堡一樣的家，翻滾的星空可以是多彩的。

這五彩斑斕的星夜在梵高心裡像一個夢，它在夢裡編制著所有的美好。這樣美的夢，我們總希望他不要醒來，而這樣的美的夢只有在畫家的筆下才可以如此完美，這就是梵高內心，他的內心其實非常純潔。只有內心純潔的人才可以畫出如此純潔而美好的畫。

我非常喜歡的還有《簪花仕女圖》

喜歡唐朝以胖為美，可以吃遍世上所有的美食，而最主要的是喜歡她們的閒情雅緻可以如此爛漫。那時候人們的內心比較恬靜，可以專心致志的做自己喜歡的事情。

仕女們可以養各種寵物，和他們逗趣遛彎，而且手拿扇子不失去優雅。就是古代的女性的美，她們矜持內斂，即使閒情雅緻時刻，不是女兒家的柔情和綽姿。

美好的東西總是讓人嚮往，美好的畫也是如此，它可以畫出人的內心世界，也可以畫出一個時代的現狀，也可以畫出一個歷史人物的特點，也可以畫出人的一種思想，也可以畫出一種身份，也可以畫出一種希望，會畫畫真的是非常美好的事情，其實我還有很多很多畫是喜歡的，今天只選了三幅作為代表，他們也是象徵著我的內心一種渴望，一種浪漫，一種美好，一種求而不得的奢求，人生就是如此，很多人在忙忙碌碌迷失自己。

因為喜歡向日葵像我自己也畫了一副！這就是我熱愛的太陽花，溫暖而Sunny！

我不知道有多少人在夜深人靜的時候會問自己，自己曾經的熱愛還在嗎，自己曾經的夢想還在嗎？是否在忙碌中迷失了自己，忘記了自己曾經想做的那個自己，如果你還有熱愛還有夢，請不要丟下，儘管生活會有坎坷會遇到不順，但我相信一切都會過去的，一切都會好起來的。所以不要放下你手中的畫筆，不要放棄你是你心裡的夢想，只要去努力總是會實現的。

讀大學時期在雜誌上看到的一幅畫當時並沒有記住作者名姓，只是很觸動，這樣深沉厚重而且很現代的當代藝術家作品是很少見的。後來在貼吧時興的時候，在一個網友那裡又看一次，從此記下了這位畫家

——安塞姆基弗

很高興回答這個問題，我個人比較喜歡韓美林的畫，韓美林老先生的畫比較多元化，領域比較廣泛，繪畫，雕塑、陶瓷、書法、設計，乃至寫作等藝術領域，最喜歡韓美林手繪動物，把每個動物都表現的那麼可愛，簡單、大氣、渾然天成，藝術風格獨到，個性特徵鮮明，尤其致力於汲取中國倆漢以前文化和民間藝術精髓，並體現為具有現代審美理念，是一位孜孜不倦的藝術實踐者和開括者。

我最喜歡油畫家羅中立先生的代表作《父親》。畫幅巨大，內容樸實，著重詳細刻畫了一位四五十年代農民生活的形象，被太陽常年曬的黑黑面板，與頭上纏的白布形成鮮明的對比，滿臉的皺紋，深遂的目光，指甲蓋裡黑色的泥土，碗底沉澱下的泥等細節描繪，筆筆感人，樸實，勤勞，善良的內含躍然畫上，背景是金色的Sunny照耀了整個大地，顯示了對生活充滿了美好的希望。這幅畫當年一經展出，便引起了大眾的強烈關注和情感共鳴，是當代一件偉大的藝術品之一。

我最喜歡趙國柱的《青年人要走正路子》。我的父親趙國柱，曾擔任中國民間文藝家協會理事、烏魯木齊市文聯副主席等職務，他的寫意人物畫，既有人文歷史的寫照，又有現實生活的趣味，寓情於理，別有一番風味。《青年人要走正路子》將生活題材巧妙入畫，展示世間永珍，畫說人間百態。他的畫貼近生活，貼近現實，每一幅作品都是一個鮮活的故事。更為有趣的是，他在現場書畫作品前，演唱展示作品，宣傳非遺文化，弘揚民間藝術，讓觀眾們感悟現實生活，品味歡聲與笑語。共同享受書畫藝術和說唱藝術的韻味和快樂。能把書畫和說唱結合在一起，現場展演，這是趙國柱獨具的藝術特長，一般的藝術家無法展現。

林風眠是國立藝術院也就是現在的中國美術學院的首任院長，早年曾經赴法學習，是中國美術教育的開闢者和先驅。林風眠的繪畫格在繼承中國傳統繪畫尤其是漢唐風采和民間藝術的基礎上結合西方的現代藝術，形成了一套“調和中西”的風格。尤其是他的仕女畫，獨具特色，極負盛名。這幅畫名字叫做《端坐》，是林風眠仕女畫中的代表性作品，創作於二十世紀五十年代。林風眠於1951年被迫離開杭州，前往上海舊居，這幅畫就是他在上海時期創作的。

畫面的中央盤膝靜坐著一位仕女，神態平靜、凝神沉思，用簡潔的圖案裝飾背景，在仕女的後方有一盤花卉做點綴。橢圓形的鵝蛋臉，一雙細眉從瘦硬的鼻樑上方向兩額擴充套件，直達雙鬢。眉毛下方，柳葉似的眼睛只有黑色的外形，很少畫出眼珠，再伴隨著小小的嘴唇，亮麗的黑髮和修長的手指。

仕女位於方形構圖的中間，裝滿花的花盤置於畫面左側，並且將背景分成幾個大小不同的空間，從而使畫面的縱深的空間感更加突出。描繪仕女的線條流暢柔美，粗細均勻，並且以曲線為主，充分的表現出了生動的體態。在色彩上，用墨色勾勒頭髮、面部、手等部位，用白粉勾勒衣紋，採用了平塗的方法，設色濃重沉著。

如果將《端坐》與敦煌石窟第456窟的菩薩作比較，就會發現其中有很多相似性。畫面中兩個人物形象都被置於畫面中央，盤膝而坐，整體造型呈現三角形。在菩薩周側陪襯著蓮花，背後也有若隱若現的花卉圖案，菩薩莊嚴肅穆。在《端坐》中，人物右側有一盤花卉。內後裝飾著金色圖案，使人物顯得更加莊嚴肅穆。可以看出這幅畫在一定程度上借鑑了佛教壁畫。

很高興回答您的問題，我最喜歡的是王希孟的《千里江山圖》，1《千里江山圖》是中國十大傳世名畫之一，是北宋王希孟傳世的唯一作品，縱約五十二釐米，橫約十二米，比著名的清明上河圖還要長。《國家寶藏》中對這幅畫的評價是：“此畫氣象磅礴，吞吐山河，簡直就是宋代的國家紀錄片，堪稱宋朝版《航拍中國》。”

2《千里江山圖》畫面細緻入微，景物集南北山水於一體，包括煙波浩渺的江河、層巒起伏的群山，畫中細節體現的淋漓盡致，漁村野市、水榭亭臺、茅庵草舍、水磨長橋等環境穿插捕魚、駛船、遊玩、趕集的人們，描繪了祖國錦繡河山，是中國青綠山水畫巔峰之作。

3？此畫以礦物質為主要原料作畫， 畫作是用礦物質粉末一層一層敷染上去的。第一層用水墨作粉本，第二層用赭石上色給後邊的綠色作鋪墊，形成冷暖對比，使其更加鮮亮，第三層用石綠上色，石綠一般用珍貴的綠松石或孔雀石製成，它在畫藝界有著很重要的地位，正是石綠成就了青綠山水的層次分明和璀璨奪目，第四層主要還是綠色，但又用其他顏色在其上疊加，呈現出來極豐富的色彩，第五層用藍銅礦上青色。這五層疊加才完成了這幅畫作。其中漁夫身上的白色是千年不變黃的硨磲。九百多年過去了，整幅畫作除了絹色稍微有些變暗，整體仍保持著鮮亮的顏色。它在整個中國青綠山水畫史上是一個具有里程碑意義的作品。

這一絕世畫作的背後更有著傳奇的生命軌跡。

我也是畫畫的，我很喜歡

油畫作品《父親》它的尺寸是216cm*152cm

是當代畫家羅中立先生，他也是中國第二批接觸西方繪畫的畫家，經四次精心創作改稿，於1980年創作完成的大幅布面油畫。現收藏於中國美術館。

羅中立先生是根據在大巴山生活的體驗，以及與農民結下的深情，創作的該作品。作品運用濃厚的油彩藝術形式，精微而細膩的筆觸，塑造了一幅感情純樸憨厚的農民形象。畫面中沒有斑斕奪目的色彩，也沒有的宏大場景，但作者表達得嚴謹樸實，豐滿潤澤。背景運用土地呈現出的金黃來加強畫面的空間感，體現了畫面形象的外在質樸之美和內在之美。

形象塑造方面十分精到

畫中人物頭裹白色汗巾布、一雙經歷無數農活工具的手端著舊碗，且在Sunny照射下映出滿臉黝黑，似歲月的刀刻出的皺紋，眉弓上欲滴的汗珠，還有凹陷的眼睛，高挺的鼻樑、寬厚的鼻翼，半張乾裂的嘴唇，眼光凝視。

作品創作背景

20世紀70—80年代，中國社會正處於發展變革時期，人們的世界觀，價值觀發生變化，藝術家的表現意識不斷深化，這就形成了一個良好的客觀的環境。反映在藝術創作上，藝術家開始對自己身邊的物像產生濃厚的興趣，《父親》就是在這樣一個良好的氛圍下孕育而生的。

作品鑑賞方面

《父親》被視為傷痕畫派的一個重要代表作品，是一幅典型的鄉土寫實主義作品，表現了畫家的鄉土主義情懷，也是作者關注那樸質的美與勤勞的品格。作品身上彙集著中華民族的優秀傳統的百折不屈的創造力，這種強烈的視覺效果在觀眾的心中產生的是一股平凡而又偉大的情感，是憾人心魄的，正是畫家毫不遮掩的把農民的“醜”真實的表現出來，才使得“父親”的形象更加真實、讓作品變得有血有肉。

繪畫表現手法

該畫採用對稱式構圖十分莊重，簡約質樸，飽滿的構圖使色彩更加深沉富有內涵，人物容貌描繪細膩、筆法運用含蓄、主體形象沒有被細節的刻畫所影響，利用小面積背景來加強畫面的空間感，體現了人物形象外在的艱苦工作環境包裹內在的心靈之美。

羅中立的《父親》在不同的刊物上有不同的見解，但這幅作品在我學畫的路上不同階段都有不同的意義，它是變化的，小學的課本中學到的是“苦”，幸福來之不易，高中學畫對觀察方式的啟發，到了作者畫這幅作品的年齡體會到的是不忘初心，對美好未來的堅持，文字可能很簡單，但影響一個人的作品，也許自己才會有深刻的感受。

最喜歡的一幅畫

繪畫藝術中的國畫和油畫，兩者之間，我還是傾向於喜歡油畫更多一點，在幾百年的油畫藝術史中，誕生了許多偉大的畫家，留下了許多經典的曠世傑作，喜歡的藝術家實在太多了，幾乎每一個都是“最”喜歡，這裡就簡單例舉一個吧，

19世紀的荷蘭畫家梵高，是我最喜歡的藝術家之一，他筆下的油畫《有烏鴉的麥田》是我最喜歡的一幅畫，這是梵高藝術生涯中最後的畫作，1890年7月在歐韋繪製，不久後梵高就自雜了。關於《有烏雅的麥田》這幅畫，梵高有個簡單的註解，

他說：“我回到這裡工作，筆幾乎從我的手裡跌落……悲傷和極端的孤獨毫無困難地從我這裡表達出來。”梵高絕望的回聲在這幅畫中表現得很明顯。畫作中，熟得過分的穀物沒有輕輕低垂，而是像憤怒的火那樣悸動，此外，天空暗下來，巨大的黑色烏雅，被簡單的顏料戳上，它們向觀眾湧來，就像潛在的死亡那樣，

從表面看梵高的這幅《有烏雅的麥田》，看似一種充滿Sunny希望的表現，因為畫中有大量的向日葵的色彩；然而仔細欣賞 會發現畫面的結構不穩定，構圖不是指向地平線，而是透過大致三條路徑拉向前景，給人一種狂熱的視覺衝擊，畫中顏料非常濃烈，表面粗糙，有一種熾熱感和活躍的能量，但是那種孤獨又絕望的能量。

梵高作品《有烏雅的麥田》

我給大家推薦莫奈的《睡蓮》，我認為這副畫色彩非常漂亮，遠景到近景，手法感覺比較乾淨利落，飄逸，整副畫面的藍色基調，讓人彷彿置身其中。

我最喜歡的藝術家的一幅畫：

“拉斐爾前派”代表畫家米萊斯的成名作《奧菲莉婭》，再現了《哈姆雷特》中的情節，具有美感的畫面和嚴謹細膩體現了“拉斐爾前派”的主要特徵，成為一直影響至今的畫作。

她的衣服四散展開，使她暫時像人魚一樣漂浮水上；她嘴裡還斷斷續續唱著古老的謠曲，好像一點不感覺到她處境的險惡，又好像她本來就生長在水中一般。

——莎士比亞《哈姆雷特》

年輕的希爾達渾身散發著罌粟般的美感，她的美貌流露著哀愁，雙唇卻又透露出無動於衷的冷漠。

因為患有肺病，希爾達臉上常常浮現出異常的紅暈。加上一頭栗色的長髮和纖細的身材，更讓她充滿纖弱卻致命的誘惑。

雖患肺病，可對於熱愛文學和藝術的希爾達而言，能夠扮演英國作家威廉·莎士比亞劇作《哈姆雷特》中的人物，這有著致命的吸引力。

米萊斯體貼地在浴盆底下加了煤油燈，在溫暖的水中，希爾達擺出奧菲莉婭死在溪水中的姿勢，讓米萊斯可以描繪她死亡後的安詳。

作品最終順利完成，而浴盆裡的水變得冰冷，沉迷於藝術與美的米萊斯和希爾達全然不知煤油燈早已熄滅。毫無疑問，希爾達的肺病驟然加重。

正是希爾達脆弱的身體，讓米萊斯的《奧菲莉婭》活了起來。

畫中，奧菲莉婭靜靜地漂浮在水草茂密的水面上，四周綠樹成蔭，花草芬芳。

她穿著華麗的裙袍，嘴裡唱著古老的歌謠。她雙眼無神，一臉木衲地望著天空，她將慢慢地沉入水底，最終與她凋零的生命奇妙的融合在一起，彷彿在述說，死亡便是這世間最極致的美。

在描述風景時，米萊斯遵循拉斐爾前派宗旨，以科學的態度精確地描繪了每一花朵。

他特意去到薩利州的河岸近距離觀察自然，把原劇作中提到的花朵都細緻描繪出來，並且這些花朵都具有特殊的象徵意義。

除了原著中所提到的花，米萊斯還加入了一些表達自我情感，具有象徵意義的花，比如出現在花環中代表死亡與長眠的罌粟，象徵著緬懷和絕望的勿忘我，還有畫面前景象象徵奧菲莉婭內心的掙扎和痛苦的蕁麻。

《奧菲莉婭》一問世，就震驚了當時的英國畫壇和觀眾。

作品甚至影響了其後的梵高等畫家，他在1873年給弟弟寫的信中提到：“一開始，英國畫家對我沒有吸引力，但是其中有些還不錯，比如畫了《胡格諾派教徒》、《奧菲莉婭》等的米萊斯。”。

關於《奧菲莉婭》

“拉斐爾前派”代表作家米萊斯的成名作；

畫面再現了《哈姆雷特》中的情節；

具有美感的畫面和嚴謹細膩體現了“拉斐爾前派”的主要特徵；

畫作的模特也成為讓畫作津津樂道的看點之一；

該作不僅影響了其後的繪畫史，也影響了直到今天的影視界和時尚圈。

我喜歡張大千中期時代繪畫作品！

雷諾阿的《康達維斯小姐的畫像》

梵高的向日葵

希望，溫暖

我喜歡的是古典主義的安格爾

我比較喜歡黃建南的油畫、郭子卬的山水畫。都充滿了活躍性