鉛中毒的水平，梵高喜歡舔畫筆，所以吃進去很多顏料。尤其是他喜歡的黃色，導致他看東西會有光圈。發生幻覺、性格改變和具有暴力傾向。

第一，梵高的畫水平很抽象，不是一般人能理解的。

第二，梵高的畫表達的方式，思想的境界，也都是需要有切和點才能理解。

第三，梵高的畫所闡述的意境也是很高的。

梵高是以絢爛的色彩、奔放的筆觸表達狂熱的感情而為人們熟知的。但他不同於印象派。印象派捕捉物件外表的美，梵高愛的是物件的本質，猶如物件的情人，他力圖滲入物件的內部而佔有其全部。印象派愛光，梵高愛的不是光，而是發光的太陽。

但他在自己《夜咖啡店》一畫的自述中反對單純做色彩的音樂師，他追求用色彩的獨特效果表現獨特的內心感情，用白熱化的明亮色彩表現引人墮落的夜咖啡店的黑暗景象。

形式美和意境美在梵高作品裡得到了自然的、自由的和高度的結合，在人像中如此，在風景、靜物中也如此。古今中外有千千萬萬畫家，當他們的心靈已枯竭時，他們的手仍在繼續作畫，言之無情的乏味的圖畫汗牛充棟，但梵高的作品幾乎每一幅都透露了作者的心臟在跳動。

梵高對農民、對田野生活、對鄉村田野風光有著很高的熱情，他喜愛農民的一切，尤其是向日葵、麥田、鶯尾花、豌豆花等。

他經常選取這些散發著泥土清香的物象作為自己的繪畫題材，在他短暫的藝術生涯中，梵高憑藉著自己敏銳的藝術感知力深情地、細緻地描繪著這些質樸、自然的風景、靜物及人物，他也因此被稱為“畫家中最純粹的畫家”。

與那些華麗璀璨的繪畫相比，梵高的畫更多的是樸實和雋永，他將自己無限的激情傾注於這些樸素的花朵和田野生活中，使畫作產生了一種無法超越、無法模仿的藝術魔力。

梵高曾經畫過許多有關向日葵的畫，雖然每次繪製的向日葵數目不一樣，花朵的姿態也都不一樣，但是它們都體現出了一種飽滿和勁頭。

梵高的話處在什麼水平？這個已有定論，是一個偉大的畫家的水平。現在我們要弄清的，是為什麼說他偉大。

第一是要看他的作品本身。從技術的、藝術的、美學的層面來研究。

首先讓我們先來看看他的作品在我們的生活中的廣泛使用。今天大多數人都知道他的一些畫。他的向日葵，空椅子，柏樹和一些肖像畫用彩色版複製出來，到處流傳，在許多簡樸的房屋裡都能見到。這正是梵高所希望的結果。

從他的繪畫作品本身來說，他想讓他的畫具有直接而強烈的效果。他渴望創造一種純真的藝術，不僅要吸引富有的鑑賞家，還要能給予所有的人快樂和安慰。其實，我們看到的複製品使梵高的畫看起來比原畫要粗糙。人們有時可能看不到其真正的動人的東西。如果到梵高的原作前面去，看看即使是在使用最強烈的效果時，他畫的仍是多麼微妙，多麼深思熟慮，就會有全然意外的感覺。

他喜歡用純色點劃的繪畫技術。他使用一道一道的筆觸，不僅使色彩化整為零，而且傳達了他自己的激情。

在整個藝術史上，梵高的畫是革命性的。在他之前雖然也有有大膽粗放的筆法，但是在那些作品中，它是表現藝術家的絕妙的記憶，它的敏捷的知覺和它呈現出的一個景象的魔力。而在梵高的作品中，他是表現藝術家的振奮的心情。在畫家中，梵高第一個發現了株斷竹殘茌、灌木樹和莊稼地之美。發現了多節的橄欖樹枝和深色的火焰般的柏樹的形狀之美。

梵高還去畫簡陋、平靜、家常所見的東西，在他之前，沒有一個人認為那些東西值得藝術家注意。可以說，他極大在拓寬了繪畫的題材，賦予日常之物以藝術之美，創造之美。

梵高的革命性還表現在，他的重點不是關心正確的表現方法。他用色彩和形狀來表達出自己對所畫的東西的感覺和希望別人產生的感覺。他不大注意那種大自然的照相式的精確圖畫。梵高想使他的畫表現他的感受，如果改變形狀能夠幫助他達到目的，他就改變形狀。

他畫是因為他受激情驅使，不能不畫，他幾乎都已不再指望別人注意他的畫。這正是一個真正的藝術家才有的表現。參考文獻貢布里希《藝術發展史》

梵高，一位偉大的藝術家，但也是一個落魄的天才，他的一生充滿坎坷與艱辛，唯一能夠給予他溫暖的人是他的弟弟提奧。作為一位畫家，自己作品不能夠被世人理解是最痛苦的，但是一生卻有如提奧一樣的知己已經是莫大的幸運了。關於梵高的故事，總少不掉他的這位知己弟弟提奧。

梵高在當時被人們看作是一個行為怪異的人，甚至很多人認為他是精神病。但是隻有梵高自己知道，自己的世界別人根本不懂。梵高從小就跟著自己的弟弟提奧學習繪畫，他的天賦很好，擁有深厚的傳統繪畫基礎，不過當時因為正在鬧思想革命，傳統思想與新思想發生了碰撞，梵高作為一個畫家，他將新的繪畫方式融入到了自己創作之中，使其作品通常個性張揚，色彩鮮明。

梵高的一生是悲慘的，他在當一個小職員的時候，喜歡上了房東的女兒尤金妮亞，但是尤金妮亞對他卻絲毫沒有感覺，當梵高看見自己心愛的女人與別的男人擁抱接吻時，傷心欲絕的梵高離開了倫敦。梵高不擅長與人交流，沒有人能夠懂得他內心的孤獨，他唯一的依靠就是自己的弟弟提奧。

正是因為生活的不幸成就了梵高的偉大，他專心於繪畫，每一幅畫都注入了他的心血，每一幅質樸的畫都是他對生活，對世界的感悟。他運用簡單的線條，鮮豔的顏色表現出來自己的個性，在這些色彩鮮明的畫作中還蘊含了他內心的一絲悲愴。

梵高的代表作《向日葵》和《麥田》，在創作《向日葵》時，他採用了大面積的色彩對面來凸現向日葵，他沒有按照傳統繪畫的方式，而是隨心所欲的繪畫，他用手中的筆表達了他對生命的熱愛，表現了自己的內心世界。梵高用自己抽象的線條將整個世界玲離盡致地展現在我們的面前，這也是梵高畫的價值所在。

梵高一生估計創作了一千九百多幅畫，但是隻賣出去了一幅畫，這一幅還是他的弟弟提奧透過他人轉賣的，令人覺得諷刺的是，在梵高生前根本沒有人在意他的畫作，但是他死後卻有無數的追隨者，他們將他的畫作奉為圭臬，如此前後待遇的差距，足以讓我們看到世態炎涼，也讓我們感受到了梵高內心那麼極致的孤獨，這是所有人都無法理解的，除了他的那個作為知己的弟弟提奧。

大多數對梵高的評價都是圍繞主流藝術史和畫的美感。想要了解梵高在主流藝術史中的地位，找本藝術史的書就能知道個大概；想要了解畫的美感，這種主觀的東西，只要你覺得好看就行了。而我今天想講一個腦洞大的，為大家揭露隱藏在梵高畫中的“梵高密碼”。

當然，這個驚人的秘密並不是我發現的，而是來自於一個叫Jared Baxter 的藝術史學者的研究。這個被蘭登教授附身的學者，發現了蘊藏在梵高畫中驚人的秘密。

一、《夜間的咖啡館》蘊藏著另一幅世界名畫

話說畫面角落有兩個金黃色的人正看著一群人在吃飯。數數這一行人包括離開的黑影和在一旁轉頭看的金色小人，貌似是12人嘛。再看看中間的那個服務員，站在街燈下，是不是有種頭頂光暈的意思？12個人吃飯的人＋一個頭頂光暈的分餐者，你一定想到什麼了吧。

是啦，是啦，Baxter教授認為《夜間的咖啡館》中隱含了達芬奇的《最後的晚餐》。但是，《夜間的咖啡館》中的宗教暗示可不止這一點哦。

據說梵高的好友伯納德向梵高展示了《擦洗自己身體的女人》（左）這幅畫。這幅畫運用窗戶形成了女人揹負十字架的暗示。也許梵高受此啟發，在《夜間》這幅畫中也加入了許多有關十字架的暗示。比如雨棚和咖啡館的交叉（中），窗戶的類似十字架的窗戶支架與服務員所處的位置（右），如果你把圖片放大，也會發現，在服務員的胸部位置有個淡淡的十字架皺痕。

二、梵高其他畫作的構圖同樣讓人腦洞大開

比如說《播種者》（左），如果把太陽看作光暈，是不是有點意思。再比如說《洛林夫人的畫像》（右），在《Simiolus*: *荷蘭藝術史季刊》中提到“這幅畫是一副祭壇畫，這幅畫中的洛林女士充當了聖母瑪利亞的角色正如海星聖母以及……向日葵可以與耶穌相關聯。

再來看看《阿爾餐廳的室內》，這幅畫是和《夜間的咖啡館》同時期的作品。左邊是原始稿，右邊是最終稿。看到有什麼變化嗎？最終稿在前面的桌子上增加了一點麵包，在遠處的桌子上增加了一個酒瓶，所以所有酒瓶構成了一個伸向就餐者的手掌狀。而畫作中間偏左有一個藍色小人，暗指達芬奇畫作中的使徒約翰那著名的依靠。

三、天才背後不可忽視的鑽研

人人都認為，梵高是個天才。因為他27、28歲才開始真正走上職業畫家的道路，然後在他短短10年的藝術生涯中，他的藝術產量多達900幅，並且在藝術史上留下了驚鴻一瞥。然而，你卻不知道梵高在藝術研究上所付出的心血。很多人都知道梵高很欣賞荷蘭畫家倫勃朗，但你知道嗎，梵高會用數小時的時間觀察並模仿倫勃朗的畫作。所以有學者認為，梵高畫中的宗教象徵主義可能是受到倫勃朗的影響。

比如梵高在寫給伯納德的信件中提到倫勃朗的《被屠宰的公牛》。梵高認為這幅畫有重要的宗教意義。畫中的牛象徵了聖路加，他被認為是屠夫，醫生，學生，你猜還有誰，對了，藝術家們的守護神。還有現代學者提出更深一層的解釋，諸如波士頓大學的Kenneth Craig 教授的解釋，提出這頭牛被描繪為耶穌受難。

據說梵高有一封失蹤信件。在這封信件中梵高闡述了象徵主義藝術的含義。至於這封信為什麼會丟失，其中也是疑點云云。Baxter 教授認為是梵高的朋友伯納德和高更乾的，原因可能是不想讓梵高因此比他們倆更出名……哎，交友不慎吶……

不過，可以看出梵高對藝術的研究，不管從鑽研程度還是理論程度都不亞於一個藝術史學者的。今天是不是對梵高的畫又有新的認識了呢？希望你會更喜歡這個腦洞很大又很努力的荷蘭畫家。

舍斯托夫說:“人就是向現實轉變而尚未完成轉變的可能性”。讓我們一起來看看吧,下面是本人幫大家整理的梵高畫展觀後感,希望大家喜歡。

畫展觀後感進入大廳我們便可以看到陳列在牆壁上的書畫作品,一個個非同凡響。走近細細一看原來那些便是各院校的作品,大多數是國畫,還有的是繪畫和攝影作品，每個作品帶給人們的都是一種視覺上的享受,攝影放映了生活的點點滴滴,繪畫呢?告訴人們的則是個人的人生或生活的感悟,它們都是如此的具有魅力。在繪畫中品出了人生,而攝影展則帶給了我們無數唯美的畫面,讓我們由此心生嚮往和憧憬之情。每一幅作品都有其獨特的風格,各自的韻味都值得人們去細細品味!看了這些作品之後似乎感覺到老師們在鼓勵著我們,告訴我們藝術是充滿魅力的、生活是美好的、學習是無止盡的。希望我們可以好好珍惜青年時光,用心去體驗生活,去感受藝術帶來的無窮的魅力!

時光易逝,作品展也因此變得更加的珍貴,就讓我們趁現在時光未流逝之際,好妤去把握它們把!讓我們的激情永不滅,一直伴隨著它的繼續而流動吧!最後,預祝所有老師們在此次的作品展中取得優異的成績,同時也預祝此次藝術作品展活動取得圓滿成功。

畫展觀後感近朱者赤,近墨者黑。近大師,傳奇樣的大師,神人般的大師,我沾了不少仙氣,。大師是畢加索只是看場他的畫展,我就已經是雲裡霧裡,飄飄欲仙,一時間覺得自己也文藝了不少。管它是我自作多情也好,嬌柔做作也好,自命不凡也好,大師畢竟是大師。不解,曲髙和寡,爭議,才華橫溢,經典,“墮落的藝術”,畢加索就是畢加索。

“我從小時候就能畫得像大師一樣,但我卻花了這一生的時間學會像小孩子一樣畫畫"——帕布羅畢加索

我在觀看之時,我逐漸發現比起寫實的風格來,我與抽象風格更有默契。之所以抽象,是因為一眼看不出名堂。那坨歪歪扭扭的怎麼會是個肖像?人體的線條怎麼那麼扭曲，五官為什麼要畫得那麼醜??簡直是詭異!!可以用詭異,奇怪,難看來形容的作品不少,關鍵是這些怎麼就成了大作??世間漂亮,悅人眼球的作品那麼多,怎麼偏偏就畢加索成了氣候說到藝術,畢加索的作品就像是人的靈魂,你可以否認它的價值,但是它就是在那裡,舉足輕重,不可磨滅,是永生的。

正因為抽象畫看上去就是四不像。神話中的怪物張什麼樣子,抽象畫看上去就是什麼樣子。但是,我這次卻驚奇地發現:抽象畫是活的!你從任何角度看都可以,而且體驗都不一樣。那看起來彷彿是胳膊的兩個長條你看把它看成是交叉的腿也可以!一張極度扭曲的肖像畫,當我遮住一邊眼睛只看畫的左半邊的時候,我發現它裡面是有寫實的畫法運用其中的,而且那是個寫實的,很美的人側臉輪廓。還有,在頭上鼓出一個大包,並且兩隻眼睛都長在一邊,還一隻高一隻低,在我看來,除了我前一句描寫的樣子之外,那還是兩個要接吻的人側臉。

一時間,我被如此富有想象力,如此為所欲為的畫作吸引了。除了仰慕大師深厚的繪作功力之外,我更傾心於大師的創造力。畢加索把他眼睛看到的場景完全按照自己的理解和意願呈現出來,不刻意歸屬於某一特定派別,不拘泥於學院教條,不侷限於當時的流行風潮,不在乎別人看了是否能接受。畢加索,只是畫他的畫。他,只畫他想畫得畫。

看展覽之前,我猜我是要茫然,要困惑,因為我不是學美術的,因為我是頭一次來看,因為我之前從來不瞭解一丁點畢加索。連我自己都驚訝的是,在沒有任何解說的情況下,我用自己的方式體會出大師的用心。我看出來大師畫的不是畫,畫的是自由。我看的也不是畫,看的是永遠追尋自由,激發創造的雄心。

插句題外話,我慶幸在進門之前沒有先跑去找個解說帶我參觀。我本來的打算是先自己揣摩下,自己先看看我對如此曠世之作有什麼看法,我自己如何理解。然後,如果我實在是丈二和尚摸不到頭腦的話再找解說也可以。然而實際情況是:我進了門,從畢加索的年表看起,對大師的各個創作階段的手法變化,從一種風格向另外一種風格的變化有了粗淺的認知,接下來丟下”畫畫一定要讓人看清楚畫的是什麼” 的固定思維就足夠了。畢加索想怎麼畫他就怎麼畫,並且大膽嘗試當時一切的新技術,新材料,除了繪畫本身,他也結合作家,詩人,劇場演出,雕塑家和其他的畫師的對藝術不同的見解,並且把這些全部都運用於他自己的創作中。與其說畢加索是畫畫,還不如說他是一次又一次的創造。

我這麼理解畢加索的作品,我理解對了嗎?到位了嗎?有眼光嗎?藝術修養夠嗎?我不知道。我需要知道麼?又有誰知道呢?恐怕除了畢大師本人之外,沒有任何人能100%地明白大師作畫的用意吧。

我們這些後來人縱然想想大師學習,即使把大師的畫臨摹千遍萬遍,但如果只是模仿作品本身,而忽略了大師的無拘無束,自由,勇敢,創新,那也只是學個皮毛而已。本質上就已經相差十萬八千里了。

我參觀畫展後自己的語錄：

“寫實畫是死的,看起來是啥就是啥。沒什麼多餘可解釋的了;抽象畫師活的,看啥是啥全由你自己想,你說它是啥就是啥。

看抽象畫時,我是自由,因為做外一個美術外行人,我也可以說出我自己的見解,毫不擔心是與非,對與錯。

畫展觀後感進入展館,一幅幅大型藝術力作給人帶來“不可替代”的啟發性東西。把墨當色,把色當墨,相互重疊、滲透,畫面倍感當代,蘊含著多媒體的藝術元素。表現了思想俱進、意識超前、追問生活、氣質聚盛、氣韻生動,其主題是畫師情感的宣洩、心靈空曠,這種境界來自儒家、道家思想的融合。

值得稱道的是,他創作系列花鳥靜物,筆墨濃淡、乾溼線條的連續性、意延構圖、虛實相兼、自然留白都體現著中和之美。畫形“有中出無”“無中生有”如此轉換,不為人刻意雕琢,讓人振奮感慨,享受到善意和微笑。

從眾多的作品中可以看出畫師的文化底蘊和藝術根基要求自己“讀萬卷書,行萬里路”,更實際的是畫萬里畫作過程。一個畫師的突破,不敢想的他想了,不敢畫的他畫了有一股天不怕地不怕的犟勁,運用大氣度、大智慧的手法,氣場沉潛於筆墨,筆墨揮毫於氣韻。心性、神性、靈性融於畫道。

這次畫展作品將會成為收藏界的新寵,因為他把中國水墨精神用鮮活的生命力向外散發和衝擊。苦思苦練形成自己“寫彩”的藝術風格。你看他畫的山川,用色大膽粗獷,好比古代的漆器著色渲染而厚重。作品在色彩上有雞血石的感染和秀雅,有天黃石的高貴和穩重,有玉一般清澈和柔潤,他筆下的山石紋路自然、造型巧妙、氣象又有肌膚豐腴之美他追求個性,而不為個性所困,不刻意造作,而是順其自然大智若愚,返璞歸真,用純真感覺的手法去形成自己的繪畫語言。用他的話說:就是把畫變成一首無聲的詩、一曲優美的音樂、一道可口的養生大餐。讓眾人領悟、感受、品嚐因此他在繪畫時心神專一,好像與世隔絕、清除雜念、心淵氣聚,從而看到作品有自己生活的閱歷,思維的表現,精神的抒發,最終達到“得意忘象”的境界,他無所顧及,敢於挑戰自我,自然而然地成為當代畫師中的一位優秀的開拓者。

文森特.梵高是19世紀後印象派的代表人物。

印象派是19世紀的畫家們。走出自己的畫室。去探索大自然然中光與色的瞬間變化，而產生的一種藝術流派。它打破了傳統觀念上固有色的觀點，例如。樹就是綠色的，陰影就是黑色的，他們把周圍的環境色，對固有色的影響進行了客觀的描述。其代表作家有莫奈，修拉，塞尚，雷諾阿等。

而以梵高為代表的後印象派。則並不滿足於只是理性的模仿事物形象，而是藉助繪畫表達自我的感受和主觀情感。因此用心靈作畫的梵高，用其最質樸的繪畫方法，感動了無數後人。

1853年3月30日文森特.梵高，出生於荷蘭贊德特鎮一個新教牧師之家，18歲時梵高立志做一名優秀畫家，24歲之前曾在海牙，倫敦，巴黎等地的古匹爾畫店當店員。起初師從海牙畫家安東.莫夫，在學習中，他對荷蘭畫家倫勃朗和法國畫米勒的藝術產生了興趣。後來，梵高成為了傳教士，在傳教期間，因他同情和支援窮苦礦工的要求，而被解職。

在度過了一段極度失望和貧困的生活後，梵高決定在藝術的探求中完成自我的解脫，決定自學繪畫，克服重重困難，努力按自己的認識表現世界。

1888年2月。梵高離開喧鬧的都市。隻身來到法國南部阿爾勒，年底向日葵誕生了。一年後，37歲的梵高，悄然走向鎮外的一片麥田，用一把左輪手槍，對準自己的腹部扣動了扳機，告別了，這個他曾經深情地活過的世界。

梵高生前鬱郁不得志，幾乎沒有賣出過什麼作品，全靠弟弟的支援，但他仍然充滿激情地拿著畫筆，在他那倉促的筆觸中，我們可以感受到那種近乎神經質的瘋狂，無法自抑的興奮和顫抖，好像所有的感情，都在繪畫的瞬間得以迸發。握住畫筆的那支手，似乎不是他的手，而是那顆激情澎湃的赤子之心，熱愛自然，熱愛土地，熱愛人民！其實構圖，筆法，用色，這些基本要素，對於藝術大師而言，都屬於次要的東西。我們可以透過畫作，感愛到畫家傳達出的精神世界，這才是藝術大師價值的核心所在，梵高的畫，正是如此。在那個元氣淋漓的生命裡，在苦難的生活裡，梵高忘記了自己小小的煩惱，不到十年的時間，他畫出了近千幅作品。成為後印象派的標誌性人物。

100年以後，《向日葵》以4200萬美元價格賣出。

梵高用他偉大的才華與苦難的命運抗爭，儘管他沒有等到掌聲響起，就揮淚告別了這個世界。但是，他用他自己的才華，堅持，努力和勤奮，最終走上了人類世界的藝術巔峰。

＂在大多數人眼中，我是誰呢？一個什麼都不是的人，一個無名氏，一個不招人待見的人。一個從來沒有，也不會擁有社會地位的人，簡而言之就是比卑微更卑微。即使這樣，就算我真的是這樣，總有一天我會用我的作品告訴所有人，這個籍籍無名的人心中燃燒的追求：心有瑰寶，絢麗璀璨＂。這是生前只賣出一幅畫最後被迫自殺的梵高所說的話。

時人不識我，自有後人識。梵高的畫，總是比時代快了一點點。或者說，他的命運比才情又錯了一點點。

梵高的一生是悲催的一生，外冷內熱的神經質的性格使他繪畫別具一格，然而他所作努力被當時的法國畫界和商界所遺忘。以梵高的短暫生命旅程來看，在前半身，他一直是個職業失敗者，當畫廊學徒不成，教過書不成，做礦區牧師也不成，下崗在家啃老不成。在萬般無奈的尷尬狀態下，想起唯一讓他感到愉快是曾經在畫廊的學徒經歷，他便突發奇想要做一位畫家，於是開始在法國過著啃其弟的繪畫生活，靠弟弟提奧關照下在法國一畫就是七年。最後因其提奧成家要節省開支便告知梵高，在備受精神病折磨和經濟危機的雙重打擊下，他選擇了自殺，離開了他深愛的繪畫事業。

那麼梵高畫作究竟是什麼水平？如果以沙龍或學院派的角度來看，梵高的造型能力是上不了檯面的，也很難讀上美術學院；然而當時巴黎的藝術氛圍是處在一個全新的變革時期，各種風格的相聚而歡。這個環境對於一個考自學摸索繪畫技藝的梵高來說如雨得水，當時印象派繪畫已經深受法國知識分子和中產階層人士的喜愛，東方藝術（中國瓷器、日本浮世繪）的也畫家們所喜歡並盡力模仿之，梵高深受其影響，畫作只追求強烈的色彩對比和空間的平面感，筆觸深受修拉的點彩畫的啟發，拒絕平塗，用短小精幹的筆觸描繪他喜歡的麥田景物。然而這種個性化的表現性繪畫，又缺乏柔和溫情的畫面與當時巴黎流行繪畫風格格格不入，這個缺乏與人溝通的旅居者梵高被巴黎畫界邊緣化也是很自然的事了。

直到梵高去世以後五十年，他那特別的畫風才被畫壇和資本市場認可，成為各大博物館的香餑餑，然而這些榮耀來得太遲了，與梵高沒有任何關係，因為他在生之時也只賣出過一幅作品而已。