梵高的作品好在哪？

梵高是色彩的狂魔

他的色彩可以用一半海水，一半火焰來形容。在其短短37年的生命裡充滿了顛沛流離 ，在現實與理想之間的糾纏中不能自己， 在生命激情燃燒的最熾熱處倏然結束自己的生命梵高可能是“瘋子”， 但卻無人能撼動他“色彩大師”的頭銜 ，一看到黃色和藍色就會想到那個天天蹲在鄉間麥子地作畫的男人。

藝術源於生活

尊重自然時與自然對抗 ，生活於激情但求助冷靜的分析 ，表現自我的過程中追求著高於自身的東西 以至在精神崩潰的臨界線上 ，保持最強悍的自制力， 這種充滿內在衝突的精神狀態。

梵高對線條所能蘊含的情感有一種天生的敏感 ，這在他的素描作品中隨處可見 ，他把印象派的色點擴充套件成色線 由此超越印象派而成為用心靈作畫的大師。

因為，他深刻的認知到米勒的樸質，高更的不凡，倫勃朗的奧妙，喬託的不俗，塞尚的出人意料，雷諾阿的獨特，還有，他更能從許多名聲不顯的畫家身上，看到他們在許多方面的深刻和不凡，並從生命之上，認知到善良和真誠，是藝術最可寶貴的源泉。

他深刻的知道靈魂的作用，明白靈魂在他的內心並不是那麼充滿懸疑，而是那麼清晰的展示出他生命的軌跡。他永不厭倦的畫著，永不厭倦的在一封封如泣如訴的信中，向自己的弟弟提奧闡述自己藝術的認知，並滿懷希望的指出自己繪畫的優缺，希望外界對他有一個清晰的認知。

對藝術生命有著深刻的認知，梵高才以自己的卓越的思想，深刻的洞察力，表現出生命的原色，以印象的色彩，將心中的潛意表現出來，從而塑造出一個獨一無二的存在。後人認知到他的珍貴，對他大力推崇，終於使他成為19世紀最重要的畫家。

梵高繪畫的情感我對此人走著深刻的認識，他想要表達出的東西其實也就是表現事物的內在表現，他是真正愛畫畫愛生活的人，他晚期的作品已經是一個藝術家到了頂峰以後的超越，就像中國書法家那樣，到了境界就不在限於楷書或是行書和草書，有可能是另外的一種表達感覺，在是與不是之間。梵高後期的繪畫，尤其是那種生活在兩界的人生，讓他感受到了精神上面的突破，一邊患有神經分裂，一邊不停創作，可以說是精神病讓他對於自己的藝術有了更深一步的發現，所以後面表現出來的那些畫作，讓人震驚和感嘆，這才是一個藝術家真正情感流露的結果。他對他眼中的文明人———農民懷有深厚的感情,並把自己看作農民畫家,他還熱衷於在野外寫生。他喜歡平民的一切:向日葵、麥田、甚至還有那鳶尾花、豌豆花、絲柏和橄欖樹等。

在畫這些樸實、散發著泥土氣息的題材時,他顯得那麼自如、得心應手。他多次畫過向日葵,雖然花朵的數目不一,但這些靜物無不洋溢著生命的熱烈、飽滿和勁頭。

他在給弟弟的信中評價自己的兩幅《向日葵》時說:“這樣的畫能夠改變人的眼睛,長時間地注視它的時候,它會自動地呈現出自身的豐富性來。你知道芥南的芍藥,科斯特的蜀葵,那麼,我的就是向日葵。”他還寫道:“如果蒙特切利畫的花束對收藏家來說,值五百法郎,那麼,對於那些蘇格蘭人和美華人而言,我畫的向日葵也值五百法郎。”在阿爾,他還特意用自己心愛的油畫向日葵來裝飾預留給高更的房間,白牆上有大束的由12朵和14朵組成的黃色向日葵。及至後來高更離開阿爾後,在1889年寫給弟弟提奧的信裡,梵高也數次提到向日葵。他談到高更向他要一幅《向日葵》的畫,然而梵高認為自己絕對要留住自己的《向日葵》,並認為高更在巴黎拿走了兩幅《向日葵》應該知足了。他把兩幅畫送給提奧和提奧的未婚妻。顯然,梵高對自己畫的向日葵非常鍾愛。高更也非常迷戀梵高畫的向日葵,並談到自己看到過克洛德•莫奈畫的一個日本大花瓶裡的向日葵,認為莫奈畫的非常好,但是他更喜歡梵高畫的向日葵。他不僅畫過正在畫向日葵的梵高,而且還仿製過梵高畫的向日葵。

此外,梵高還畫過許多許多的麥田,傳達著他心靈的聲音。他堅持在一天中最熱的時候去畫麥田,畫麥田上的太陽和麥田裡不同勞動狀態的人。他說:“我漸漸地學會了對摺磨和痛苦一笑置之,儘管如此,希望總是渺茫。而在生活中,我們將發現痛苦的真正原因,它時常瀰漫在地平線上,形成一種絕望的災難,我們卻對此知之甚少。

最好還是低頭傻看麥田,即使是在畫中。”從這些話裡,我們感受到黃、明亮的麥田裡似乎散發著絲絲的悲愴。當我們面對梵高在奧維爾所作的《烏雲籠罩下的麥田》一畫時,這種感受更加強烈。梵高曾經說過,“我畫的是在惡劣天氣裡連綿不絕的大片麥田,沒有必要刻意去表達什麼,它們會自動呈現那種憂傷和極度的孤寂感。”畫面傳遞出一種淒涼和不安、寂寥和壓抑交織在一起的感覺,暗示了內心的不平靜和苦悶。在《有烏鴉的麥田》一畫中,同樣也自動呈現出靈魂深處一種深深的絕望、沉寂。看著這幅滿是悲愴壓抑氣氛的畫,觀者的心彷彿也跟著沉下去了,沉在無邊的悲愴和絕望情緒裡,甚至忘記了繪畫和生活的距離。

梵高憑著自己敏銳、特殊的藝術感覺深情地畫著這些日常的風景、靜物,當然,人物畫也是他非常喜愛的主題。面對梵高的畫作,法國劇作家安託南•阿爾託指出梵高是“畫家中最純粹的畫家”,並認為正是他的“純粹”最令自己心折。的確,如阿爾託所說,梵高“不求助於軼聞趣事、故事、戲劇、多姿多彩的情節;也不訴諸主題、物件本身固有的美,卻能為自然和物件注入如許熱烈的激情”。梵高從來不會停留於對外在瞬間印象的描繪上,而是以心靈之眼去深入體驗、表現獨屬於物件本身的感情和靈魂。與那些畫得非常精確,近看既沒有缺點也不令人感動的作品相比,他的畫顯得樸實而雋永,正是梵高以燃燒的激情賦予了這些樸素的花朵、田野以無法模仿、無法超越的魅力。

色彩的狂歡:充分運用色彩聯想和象徵

在法國南部Sunny異常強烈的阿爾,梵高的色彩靈感被大大激發,他不斷地用色彩對Sunny、Sunny下的一切進行大膽、任性地表現。他非常擅長運用黃色和藍色,尤其是他所作的《向日葵》中,色彩的明度和純度都很高,弱化光影,線條有力、簡括,具有很強的視覺衝擊力。

但這並不意味著他不重視素描。他曾說:“據我所知,一幅水彩畫的四分之三要依靠最初的素描稿,素描的質量幾乎決定整幅水彩畫,”“素描是油畫的基礎”。在學畫的程中,他也曾總結自己的作品說“使用顏色已經更加有把握,而且更加準確,技術上更加有個人的特點了”。而且,他還指出:“未來的畫家將是善於運用色彩的畫家。”梵高也非常重視畫面的調子,常常大面積使用對比色來構成畫面。他曾這樣評價米勒作品的調子:“關於米勒的肖像畫,有一種說法是很有代表性的:‘他畫中的農民,像是用他播種的土地畫出來的。’說得多麼正確,多麼實在。懂得在調色盤上調配出說不出名稱,但卻是每種東西的基礎的顏色是多麼重要。”由此可見他對色調的重視。在《吃土豆的人》一畫中,他還在畫面裡運用了那種“滿是塵土、沒有削過皮的新土豆的顏色”。他還不斷思考著如何在色調方面進行創新的問題。“比如利用兩種顏色的互補與襯托,利用色調的深淺變化來表現一對情人之間的愛情;透過幽靜背景烘托的淺淡色彩來表現思索的表情;透過星星來表現希翼;利用夕陽下的霞光來表現人的熱情。”顯然,這種創作方法區別於寫實主義和自然主義。在著名的《夜間咖啡店》中,他巧妙地運用了互補色,“試圖表現咖啡屋是個使人墮落、發瘋和犯罪的地方,試著用紅色和綠色來表現人的瘋狂”。在談到對農民畫的見解時,他還提到了屬於我們通常所說的聯覺的效果。比如:從視覺通向嗅覺,“一幅把農民畫成油光水滑的畫,在我看來也是錯誤的。假如在一幅農民畫上聞到燻臘肉的煙味,煮熟了的土豆的氣味,那是健康的”。當然,對他而言,繪畫就是要畫出物件的本性和生活。

他以表現在畫面上的事物為起點,透過觀者大腦聯想的加工,使畫面的有限事物潛在地通向畫外的相關生活。梵高還提出了“色彩聯想”的問題。在畫自己的臥室時,他“以極簡單的色調賦予物品以華麗的風格,色彩起了很大作用,使人想到休息或睡眠”。此外,在1890年寫給高更的一封信中,梵高還談到了一個想法:想畫些麥田,在活潑但寧靜的背景上,“想畫些肖像,用各種不同的綠,明度相同形成一片綠,藉著顏色的顫動,讓人想起麥穗在微風中搖晃的悅耳聲響”,當然,如他所言,在色彩處理方面顯得太難。甚至,在美麗得“使人驚訝”的阿爾,梵高本能地由色彩聯想到音樂,覺得二者之間有許多相通的東西。

在注重寫生觀察的基礎上,梵高還探索了在繪畫中運用光線進行象徵的問題,“想利用常見的光線作為象徵,描繪男人和女人,透過色彩的放射和震動來表現某種永恆的東西”。他還嘗試用特定的色彩組合效果進行象徵。在為一位懷有偉大夢想的畫家朋友畫肖像時說:“我要在畫中表現出我的讚賞以及對他的愛,所以要儘可能地畫出他本來的面目。……我用誇張的手法描繪了他美麗的頭髮,甚至採用了橙色、鉻色和檸檬黃,我還用一片濃重的藍色使房間成為開闊而深邃的背景,襯托出色彩鮮豔的頭部。透過如此簡單的組合,畫上情景卻突現了一種近乎神秘的效果,就像是蔚藍色天空的深處突然閃現了一顆明星。”而在另一幅農民肖像裡,他採用了同樣的方法。但是,這種用於象徵富有天分的藝術家朋友的明星和神秘星輝顯然不適用於象徵這位農民,所以他說:“只有把他投入南方炎熱的收穫季節深處,這個形象才會強烈得猶如橘黃色陰影裡火紅閃亮的鐵。因此,我在陰影裡使用了古老但燦爛的金色。”儘管梵高在生前一直不被社會承認,但是,在他的許多畫中沒有太多陳規陋俗的桎梏,沒有太多的理性計量和肢解,湧現著一種質樸而又絢麗奪目的美———遠比實物更深刻強烈的色彩之美、自由之美。他噴湧的色彩裡蘊藏著的前所未有的震顫人類心靈的強大力量。

三、筆觸的吶喊:厚重、粗獷之美

結合梵高的作品我們可以看到:正因為沒有受過專業院校的科班訓練,梵高的畫常隨著心靈的飛翔在構圖、色彩和線條上“隨心所欲”。他崇尚樸素的手法,而且從不拘泥於流俗,用畫筆的放聲歌唱使畫面充滿情感的張力。梵高受到過印象派畫家、點彩派畫家修拉及曾共同作畫的高更的影響。他喜歡用純色的點、線作畫,透過高純度色彩的並置、短促筆觸的有序密集排列,達到了既粗獷放任又富於動感的效果。儘管受到印象主義畫家的影響,但他用自己嶄新的手法更抽象地表現著強烈的情感,尤其是在《星月夜》這幅名作中,天空中是奔湧著的、巨大的波浪形的雲團,星星和月亮旋轉著發出漩渦般漾開的黃色輝光。大地上絲柏樹冠火焰般不安地升騰、直插雲霄,教堂的尖頂醒目地矗立。梵高透過個性化的筆觸的塑造,有力地傳達出神秘、不安和極為驚懼的意味。在他畫的麥田等風景畫中,也常有翻卷旋動的筆觸,增強了畫面的運動感和情緒渲染力。

在印象派畫家之外,梵高還深受德拉克洛瓦、米勒等人的人物畫及色彩理論影響。他還曾受到浮士繪版畫的影響,他談道:“他們作品中的每一件事物都是清晰可辨的。他們的作品與呼吸一樣單純,以流暢的不多的筆墨刻畫人物。總有一天,我會用極少的筆墨描繪一個男人、一個小孩、一匹馬、頭部、軀體、腿,使它們都很得體。”

但是,梵高始終按照自己的興趣探索著自己獨特的題材、技法和風格。他清楚自己的優點和缺點,有自己關於偉大藝術的理解,絕不輕易受到別人的影響,並能對一些指責“不以為然”。這充分反映了他一直在獨立地走自己的藝術之路,他獨立的品格為他贏來非凡的藝術風格和效果。他的筆觸強勁、狂熱,看似樸素稚拙卻發自內心深處,是心靈之音的外化,幾乎無人能傳神地仿效。

梵高對線條的使用是嫻熟的、敏銳的,比如在《梵高的臥室》中,“傢俱的粗線條表現了不容侵犯的肅穆”。在談到肖像畫時,他說“它的基礎多半要靠筆觸的直接塑造”,從而使肖像有空間感,使肖像的周圍有空氣流動的感覺、有光落在肖像上邊。可見,筆觸對於人物形象塑造的重要性。他還談到畫普通人的辦法:“如果誰想表達他們獨特的性格,那就必須用有力的筆觸、簡樸的技藝去畫他們。”是的,對於藝術家來說,為什麼不畫得簡樸些呢?總之,他把油畫中色彩和線的表現力提高到一個新的境界。挪威畫家蒙克和德國表現主義畫家受梵高影響最深。勇於冒險的人往往選擇偉大的痛苦,而不願在瑣屑的事物中沉淪。在生活和藝術之間,質樸虔誠的梵高選擇了後者,併發出了“完成一幅優秀的畫與找到一枚鑽石或珍珠一樣難”這樣的感嘆。恰如海德格爾所說:“正是在偉大的藝術中,藝術家與藝術作品相比才是無足輕重的,為了作品的產生,他就像一條在創作中自我消亡的通道。”為了藝術,梵高把苦難揉碎融入忘我的創作,痴痴地表達著他喜愛的題材:向日葵、麥田等,用他喜歡的對比色效果,用他有力、迅疾的筆觸。他在繪畫上的影響非常深遠,“後印象主義畫家賽尚(重視理性)和梵高(強調感情)分別成為現代主義藝術兩種趨勢的先驅人物”。當代著名畫家吳冠中先生也曾這樣評論說:“除了來自其繪畫本身的美以外,更多的是由於他火熱的心與物件結成了不可分割的整體,他的作品能打動人的心靈。”

梵品中所包含著深刻的悲劇意識,其強烈的個性和在形式上的獨特追求,遠遠走在時代的前面,的確難以被當時的人們所接受。

他以環境來抓住物件,他重新改變現實，以達到實實在在的真實，促成了表現主義的誕生。

《向日葵》就是在Sunny明媚燦爛的法國南部所作的。

畫家像閃爍著熊熊的火焰,滿懷熾熱的激情令運動感的和彷彿旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力,色彩的對比也是單純強烈的。

在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。

在觀看此畫時,無不為那激動人心的畫面效果而感動,心靈為之震顫,激情也噴薄而出,無不躍躍欲試,共同融入到梵高豐富的主觀感情中去。

梵高筆下的向日葵不僅僅是植物,而是帶有原始衝動和熱情的生命體。

梵高的偉大在於，相隔百年的時空，讓我們感受到了他傳遞過來的美。內心驕傲、熱情，像阿爾勒的向日葵。

梵高好的地方正是值得學習的地方，主要有三點。

· 獨特的畫風 ·

早期的梵高只以灰暗色系進行創作

直到他在巴黎遇見了印象派與後印象派

梵高融入了他們的鮮豔色彩與畫風

創造了他獨特的個人畫風

· 色彩

他的色彩中

也許看似只是簡單的筆觸

細看卻是精準的控制力

色彩的把握和表現力都是準確而鮮活的

在他每一筆中，都有準確而完整的色彩變化和走向

·生命的熱愛·

梵高的畫是動態的

每一幅畫裡都有他的情緒

梵高的熱情如太陽

他的畫中洋溢著對生活的熱愛

如眾所周知的《向日葵》中

你從畫作上就能感受出情感的濃烈

對藝術的熱愛與執著

滲透著對藝術的熱愛與執著

梵高的一生，充滿世俗意義上的“失敗”。它名利皆空，情愛亦無，貧困交加，受盡冷遇與摧殘。在生命最後的兩年，他與巨大而暴戾的病魔苦苦搏鬥，拼死為人間換來了藝術的崇高與輝煌。如果說梵高的奇蹟，是天才加上精神病；那麼，梵高至高無上的價值，是他無與倫比的藝術和為藝術而殉道的偉大的一生。真正的偉大的藝術，都是作品加上他全部的生命。

很多評論中黑梵高的人，其實只是出於兩點：1，沒看過原作；2，我們國家的美育不合格。這是很遺憾的事，但是希望讀者能保持一個良好的心態，對看不懂、或者一時看不明白的東西，保持一分尊重，並嘗試慢慢進入和體會。在美國看到了原作，也寫了篇文章來解析梵高。

是我們在網上所能找到的最大精度的《星空》。很多人對《星空》的認識，也不會超過這樣一張 3000 畫素邊長的圖。看起來沒什麼特別的，對吧。圖片取自網路。但真正的《星空》是這樣的：

是的，梵高所有的筆觸，都是具有色彩延伸、變化，和方向的！在他的每一筆筆觸裡，都具有完整的色彩變化、形態與走向。這不是瘋狂地畫出來的，每一筆都是高度的控制力下。僅僅在上面這個區域性中，就出現了五個肌理的方向，而這些全部是用筆觸、色彩變化做到的！

《星空》是一部使人感到眩暈的作品，因為在這一幅畫中，梵高的筆觸出現了大量的方向上的對抗，它們全都在延伸、旋轉，像激流一樣流動。看上面這部分區域性，僅僅綠色就出現了淺綠、深綠、深灰綠、棕灰綠、黑綠，而棕色同樣出現了五六種。它們之間的遞進、糾纏以及肌理上的延伸，構成了具有瘋狂動力的前景。

梵高確實瘋了。一個正常的人，無論如何是不可能從星空的場景中看到事物如此瘋狂的流動的。從認知角度來說，我們可以推測梵高的思維狀態出現了非常異常的情況。但是，就是這種異常，推動著梵高用他高度純熟的技藝，描繪出了他眼前的一切。在這一過程中，人們眼中的瘋狂僅僅是推動力，是認知的高度異常、技巧的純熟、繪製中高度的理性與剋制，使他最終完成這幅《星空》。這幅畫的難度、技巧成熟度以及其中瘋狂中透露出的靈性光輝，都達到了頂峰！這才是《星空》之所以為傑作的原因。

既然都說到這裡，不如看一看下面這幅。梵高的筆觸是靠靈感與偶然嗎？絕不是。我們看看這幅《薔薇》就知道了。這幅畫作於 1890 年，就在梵高進病院之前。淡綠色很平常，但淡綠色用到這個地步並不平常。這種褪色幾近蒼白。而即便是在進病院之前，梵高的筆觸也展現出了極高的理性控制：所有畫的花瓣，均是由極其微妙的色彩遷移做內容，以筆觸做肌理完成。

繪畫並不等同於亂畫，並不等同於含混不清。藝術創作始終存在標準，並且這一標準是高度殘酷的：寫下了《茶館》的老舍最終跳湖自殺，可《茶館》卻偏偏是一個充滿幽默感和喜劇感的作品；同時，如果《茶館》讓你笑不出來的話，作為作家的老舍，其價值就要大打折扣。

梵高非常想讓他的畫具有他欣賞的日本彩色版畫那種直接而強烈的效果。梵高渴望創造一種淳真的藝術，不僅要吸引富有的鑑賞家，還要能給予所有的人快樂和安慰。梵高從印象主義方法和修拉的點彩法中吸取了教益。透過描繪阿爾附近吉普賽營地的作品，讓我們瞭解到什麼是淳真的藝術。梵高所使用的一道一道的筆觸，使色彩化整為零，同時傳達出了自己的激情，也能就此告訴我們他的一些心理狀態。

梵高始終如一地使用這種畫法，這對他來說最能幫助表現藝術家的振奮心情。梵高最後的一幅作品《麥田群鴉》。藝術評論認為,這是梵高留給世人的一份影象遺書:遙遠地平線的透視畫法是顛倒的，是一條死路。而草、籬笆，抑或是樹木的一部分等綠色的視覺標記的含義，已經亂成一團。象徵魔鬼的烏鴉飛走了——不過再看看，烏鴉也可以是正在朝我們飛來。但這幅作品現已成為曠世傑作。

中槍後的梵高並沒有立即死去，他與死神鬥爭了兩天，也忍受了兩天的痛苦，最後在他租住的酒店中去世了，離開了這個他瘋狂熱愛卻無情拋棄了他的世界。在梵高生活的年代，幾乎沒有人能理解他和他的作品，在他死後多年，人們才認識了他的價值。此時，人們開始關注他曾經經歷的生活，以及他為什麼選擇以這種殘酷的方式離開人世。他其實是一個生活特別簡單的人，他一輩子除了畫畫，就是謀生。梵高在有生之年只賣掉了一幅畫，就像唐·麥克林在《文森特》中的歌詞唱的那樣：“人們不懂得如何愛你，但是你的愛卻如此真實。也許這個世界本就不配擁有一個像你如此美麗的人。”梵高的畫到底好在哪？看過原作，你才能體會那種震撼

梵高是以絢爛的色彩、奔放的筆觸表達狂熱的感情而為人們熟知的。但他不同於印象派。印象派捕捉物件外表的美，梵高愛的是物件的本質，猶如物件的情人，他力圖滲入物件的內部而佔有其全部。印象派愛光，梵高愛的不是光，而是發光的太陽。

但他在自己《夜咖啡店》一畫的自述中反對單純做色彩的音樂師，他追求用色彩的獨特效果表現獨特的內心感情，用白熱化的明亮色彩表現引人墮落的夜咖啡店的黑暗景象。

形式美和意境美在梵高作品裡得到了自然的、自由的和高度的結合，在人像中如此，在風景、靜物中也如此。古今中外有千千萬萬畫家，當他們的心靈已枯竭時，他們的手仍在繼續作畫，言之無情的乏味的圖畫汗牛充棟，但梵高的作品幾乎每一幅都透露了作者的心臟在跳動。

梵高的作品

梵高（1853～1890年）雖然一生短暫、令人扼腕，但他是世界上最著名的藝術家之一，他的作品為20世紀的藝術運動——尤其是野獸派和德國的表現主義開創了道路，（所以說，梵高並不是“瘋子畫家”，他是有真才實學的藝術家）那麼，梵高的作品到底好在哪？又有哪些值得學習的地方呢？

經上段的簡單敘述，我們已經很明白了，梵高的作品早已經被野獸派和表現主義的畫家們學習了，以馬蒂斯為代表的“野獸派”的作品特色是色彩突兀誇張、筆觸狂野不羈；“表現主義”畫派是色彩強烈、情緒緊張，經常將畫面主體加以變形處理，在“野獸派與表現主義”作品中都有梵高作品畫風的影子，

梵高作品

可見，梵高的作品好就好在，色彩筆觸“靈活”，之所以用“靈活”二字形容，那是因為梵高是用情緒來進行創作的，不同的情緒之下，對色彩筆觸的處理效果都截然不同，我們從他的《向日葵》《隆河的星夜》《星空》等作品中就可以感受到，有關梵高的人生經歷就不多做解釋說明了，

曾有名人看了梵高的《向日葵》後向梵高的弟弟西奧這樣評價梵高的《向日葵》：“藝術史上，沒有任何東西，能和這些向日葵相提並論”；同是印象派大師畢沙羅也曾說過“梵高這個人要麼會發瘋，要麼就會把我們所有人遠遠甩在身後。事實上，梵高沒有發瘋，而是早已把我們甩在身後了。”這樣的評價，足以可見，梵高的天才級才華。油畫藝術以“色彩”為載體，梵高是繼文藝復興時期的提香之後的又一名色彩大師。

梵高作品

梵高簡介中梵高曾經跟著自己的表親學習繪畫，後期梵高將早期的傳統繪畫與新藝術流派相結合，畫作色彩鮮豔明麗。隨後他又受革新思潮與日本繪畫的影響，作品中大量保持了個人的獨特想法，但當時這樣的作品並沒有得到更多人的欣賞。

在當時社會，梵高最具影響的事情即“割耳事件”，梵高簡介關於這件事的表述是梵高與高更發生衝突，從而導致精神失常，割掉了自己的耳朵。

梵高在愛情中是勇敢的，在美術行當小職員時他喜歡上了房東太太的女兒尤金妮亞，可是美麗的尤金妮亞對於像老頭一樣的梵高並沒有興趣。當痴情漢梵高看到自己喜歡的女人在另一個男人懷裡擁吻時，他傷心地離開了倫敦。在畫畫時梵高遇到了妓女克里斯蒂娜，這個女人給了梵高家的溫暖，但是因為梵高無法在每月賺到150法郎，使得克里斯蒂娜於他斷絕了關係。

梵高是個偉大的藝術家，這是不言而喻的。但是他不善於人際關係，甚至於無法與人進行有效的溝通與交流，使得他更過的時候只能活在自己的世界裡，但是這個只有三十七年的男人在藝術界是偉大的。

梵高藝術特色

梵高被我們所知的畫作有很多，在他的繪畫中有著獨特的藝術特色。根據梵高藝術特色可將其歸類為印象派，在梵高的後期作品中，這以特色更是被充分地展現。

作為印象畫派中的代表人物之一，梵高藝術特色是質樸。能夠體現質樸這一特性的作品有《向日葵》和《麥田》。梵高從27歲走上繪畫道路之後，在創作道路上奮鬥了整整十年。這些年裡雖然有些日子過得和流浪漢的生活沒什麼差別，但是，在這段時間裡他感受到了大自然的魅力，並努力地在畫作中進行展現。所以，當他在畫這些質樸的畫作時，是得心應手的。

這些質樸的畫作，表達出了他梵高心靈深處的感悟。質樸的畫作中還蘊含著一絲絲的悲愴。另外，梵高藝術特色中還有色彩的狂歡。為了創作，他去到了Sunny很是強烈的阿爾，在這裡他對創作中色彩的使用有了一定的靈感，於是，便開始用些許的色彩，大膽的，任性的表現對Sunny以及Sunny下的其他的事物的看法。

他很擅長用黃色和藍色來表現他的內心，其中著名的是《向日葵》。同時他還經常的大面積地運用對比色來作畫，重視畫面的整體格調。除此之外，梵高藝術特色更有筆觸的吶喊。因為他並沒有接受過正式的接受過畫作的訓練，所以創作中的線條以及色彩的運用更多時候是隨心所欲的。這種隨心所以的線條的使用在其作品《星月夜》中被展現得淋漓盡致，他透過個性的筆觸對畫面進行塑造，表現出了神秘色彩、不安與驚懼的內心。

梵高一生有幾幅作品

梵高的一生都在創作，那麼，梵高一生有幾幅作品呢似乎很多人沒有關心過這個問題。許多人記住梵高，不僅僅是他令人驚奇的疾病和怪癖，更是因為他的身價。一幅畫幾千美金，令人眼紅，而且想買不一定有得買。一定會有很多人在想：梵高一生有幾幅作品得到作品的人豈不是發啦梵高一生有幾幅作品，沒有人清楚，但梵高的作品估計有一千九百多份。沒有精確的數字是因為在他在世時，根本沒有人關注過他，他不斷地作畫，卻又不斷地被人摒棄。他一生賣出的寥寥幾幅作品，大多是他的弟弟託人賣的。不被世人關注的落魄藝術家，自然沒有人關注他一生有多少作品。直到他死後，他的作品和才華才真正為人所知。世人才真正知道一副《向日葵》傾注了他的多少熱情和希望。形成極大對比的是他生前只賣出了一幅畫，而死後卻是追隨者無數，聽起來令人諷刺。

天才註定孤獨，孤獨的人生從一開始就伴隨著梵高。從小到大，不知道經歷過多少坎坷，多次被辭退，又多次求婚被拒，還要一直忍受著精神病的折磨，甚至在一次狂亂中割掉了自己的耳朵。生命最終辜負了他，但是藝術沒有。他的藝術在他活著時給了他快樂，死後給了他榮耀。

梵高的畫好在哪裡

梵高的作品在他生前是不受人所接受的，但不得不承認隨著時間的沉澱，梵高的作品表現出的獨特個性是被人所推崇的。梵高在創作時總是會在原有的繪畫基礎上加上自己的主觀臆想，他將抽象畫法運用到極致，由此表現出內心的視覺感受。梵高的畫好在哪裡的答案由此可得出，即他用抽象的筆觸淋漓盡致的表現了世界。

因為梵高是一位有個性的藝術家，所以他的作品表現出來的情感是非常強烈奔放的。梵高能夠為藝術獻身，這就是梵高的作品好在哪裡的答案，他在用生命為藝術做詮釋。梵高的作品展現出了他作為藝術家的信念，所有畫作中都有他的內心的展現，即生活的孤寂與吶喊。

梵高曾經接受過傳統的繪畫基礎知識，所以他擁有雄厚的繪畫功底。當時的資本家們鬧著革命，傳統的舊思想不斷地被新思潮衝擊，作為一個藝術家，梵高很好地將新文藝融入到繪畫中。於是一幅幅顏色鮮明，個性張揚的作品流露出來。後來梵高又受到日本繪畫的影響，使其作品基本定型。

如果說顏料和畫筆是死的，那麼被梵高點在畫布上之後或許就是擁有生命力的精靈了。梵高的畫好在哪裡更多的是因為他作品所展現出的生命力。梵高繪畫的物件都是一些極其普通常見的物品，比如小麥，向日葵……但這些物種更多的表現的是其生命方式，普通但不可或缺。梵高的作品以極具個性的表現在其逝世後，獲得了後人的追捧。

大家好，我是柳一刀,關於” 梵高的作品到底好在哪，有哪些值得學習的地方”這個問題，我來談談我的觀點。

梵高作為荷蘭的印象派畫家，其作品又自成風格。其畫作所表現出的是事物的本質，傳達的是一種思想，具有狂熱的情感和生命力,這是與同時期其他畫家本質上的區別。原因有如下方面。

1， 首先從畫作的物件上，不是上層貴族，而是普通的勞動人民，如《拾穗者》表現出了底層勞動人民的美。

2， 從畫作色彩構圖上來說，比如《星空》等這些知名的畫作，更多呈現的是一種”流動的力量”，色彩機理遞進和交融，筆觸瘋狂且大膽。再看《向日葵》這幅畫，同色系表達了即將凋零的葵花，而且同色系細節表達的十分清晰，可見其色彩的運用能力，畫面張力十足，帶有很強的“情緒感”。

所以說，梵高的畫作，具有極強的個人主義色彩，透過多種色彩的變化和動態走向，筆觸具有極強的控制力，創造了他獨樹一幟的風格，表達出的是對生活的熱愛和深入的觀察力，色彩的表現力，這些都是值得我們學習的地方。

梵高只是

看到了別人看不到的向日葵

看到了別人看不到的星空

看到了別人看不到的麥田

看到了別人看不到的自己

他所做的，只是畫下了他看到的而已。

梵高的作品在藝術屆可以說是最具辨識度的了。色彩飽和度高、對比強烈，用筆肌理感強，從每一副作品中都可以感受到他作畫時的內心的情感。他的作品商業價值不可估量，目前世界最高的成交價，是畢加索的《拿菸斗的男孩》 2004拍賣價 1.0416億美元。

那麼，他的作品到底好在哪，我覺得有一下幾點：

1.強烈的內心情緒表達。梵高的畫不同於其他同時期的畫家，沒有匠氣。他是極端個性化藝術家的典型。他對世界充滿了一種天真的認清和深沉的愛。他深愛的東西是色彩，輝煌的、未經調和的色彩。他手中的色彩特性和印象主義者們的色彩根本不同。即使他運用印象主義者的技法，也會由於他對人和自然特有的觀察力，使畫面總是那麼輝煌而獨有個性。

2.視覺衝擊力強。梵高的作品喜歡直接用很純的顏色，再加上互補色的運用，使得畫面極具衝擊力。他喜歡運用短線條塑造形體，筆觸帶有旋轉，用筆瀟灑，無拘無束。把自己內心真正所想表達的淋漓盡致。

3. 摒棄了傳統繪畫中的條條框框。 梵高作畫時摒棄了一切習得的知識，漠視學院派珍視的教條，甚至忘記自己的理性。在他的眼中，只有生機盎然的自然景觀，他陶醉於其中，物我兩忘。他視天地萬物為不可分割的整體，他用全部身心，擁抱一切。

說到梵高，我們總是不能免俗地

想起向日葵、鳶尾花、燃燒的田野……

陳丹青說：

大藝術家通常會被歷史簡化，去翻看他們早期的作品，你會發現很多從前沒注意的好東西。比如，陳丹青在《區域性》中分享的梵高早期作品《海邊的男孩》。

畫得巧的人太多，畫得憨卻是不易。那就是梵高早期畫作裡，最打動人的東西。

我在紐約生活時，寓所裡的牆上來來去去掛過好多畫，但唯獨有一幅畫30年來

一直掛著，從來沒有摘下。就是這幅《海邊的男孩》。

這是一幅畫於1883年的小畫。

顯然一看就是一個初學者的塗抹。這個畫家畫了七年，然後就死掉了。死了以後，他就出了名，慢慢變成人人知道的梵高。我到現在說不出這幅畫到底好在哪裡。它就是一個小混蛋站在海邊，那個臉的五官都沒有了，可能畫畫的人畫不出來，畫砸了，一筆就抹了。然後身體啊，褲腿啊，這鞋啊，都是歪歪扭扭的，顯然很生的一個手在畫。我總是覺得這幅畫有味道，說不出的喜歡，每次看到心裡都會嘆氣。

我們說起梵高啊，總是那些大有名的畫，向日葵啊，什麼鳶尾花啊，什麼燃燒的田野啊，天上有好幾個太陽啊..這些都是他去巴黎之後的創作。

但在他還沒有“南漂”之前，他就是阿姆斯特丹鄉下一個很傻的初學畫畫的人，沒有接受過什麼專業的技法培訓。

大人物，大藝術家通常都會被歷史簡化，所以我經常會要求真正喜歡畫的人，你要翻回去注意看一個作者所有時期的作品，早期的作品裡頭有很多我們沒有發現、沒有注意的好東西。

梵高在1881年左右最開始下手學畫。

他臨摹誰呢？他就一直臨摹米勒的畫。

在那個時候所有的畫家都是畫貴族，畫有錢人，畫才子佳人這些，米勒卻說一個在勞動的人是最美的。他自己就是農民，種過地。

梵高一輩子的作品，尤其是早期的，幾乎全是農民，全是受苦的人，窮人。然後到了巴黎以後，他開始出現一些不同的角色，也是在他身邊的下層人。但是不管畫什麼人，所有的人到了梵高的畫裡，一律都變得非常憨。

憨人畫憨人，窮人畫窮人，就會弄成梵高這種滋味。

上海話“憨”就叫“耿篤”，“耿篤”魯迅的文章裡也用過這句話，“耿篤”就是北方話傻子的意思。

在藝術上，文學不能太傻的；音樂我也很難相信一個憨傻的人在作很好的音樂；但繪畫可以，他一筆下去就是憨，下一筆下去還是憨。

大家不要小看這個憨字，我自己畫畫，我們知道，畫畫要畫得巧，不是那麼難。

你有才華，然後經過刻苦的磨鍊，你有可能熟能生巧，而越畫越巧，是有可能的。

可是有一種畫，他好就要好在憨，沒法學了。

那個不是才能，那個是天分，你有就有，沒有就沒有，沒法學。

我想到幾位畫家，可以和梵高做比較。一位是魯迅特別推崇的德國女畫家珂羅惠支，還有一位是20世紀中國的畫家王式廓，以及《流民圖》的作者蔣兆和。

他們非常卓越的技巧，梵高遠遠不能跟他們比。梵高即使活到八九十歲，都畫不到蔣兆和和珂羅惠支那個水準。可是我每次看到梵高的這張毫無意思的畫（指《海邊的男孩》），就是一個混小子站在海邊，我心裡就會想，TMD，

這才是真正的繪畫，

這才是真正的藝術。

我會忘記蔣兆和，我會忘記珂羅惠支，忘記我所喜歡的許多非常了不起的巧手，我會無可奈何。

我看到梵高早期學畫的這些畫，我就覺得如果他沒有後來巴黎那個階段，他仍然是梵高，世界會發現他有多了不起。你們會說梵高很有名，這是我們被灌輸的一個概念。大家可不可以忘記這些東西，我們把兩種畫放在一起看看，都是初學的作品。

咱們中國大量的考前班，那些示範作品，有些也都是十來歲的孩子畫出來的，打死梵高都畫不出來。

梵高要是拿著1881年到1883年初習的這些畫，跑到中國排隊考，他估計准考證都拿不到。可是我每次看到咱們考前班的這些畫，看到考場裡的這些素描，我就想死，我寧可一輩子不會畫畫。

為什麼梵高是偉大的藝術品，永恆的藝術品，為什麼咱們美術學院的這些素描死路一條，是一場災難，是反藝術的。

我不知道怎麼回答這個問題，我希望有人可以幫我回答。

（陳丹青）

梵高(1853—1890)荷蘭畫家。後期印象畫派代表人物之一。出生於荷蘭牧師之家，曾在海牙、倫敦、巴黎等地的古匹爾畫店當店員。後來成為傳教士，在比利時西南部礦區傳教，由於同情和支援窮苦礦工的要求而被解職。梵高早期的繪畫作品，用色較暗，以點彩畫法，後期繪畫技法變為強烈的色調，表達主觀情緒的感受。

一、梵高早期的繪畫作品。梵高青年時期到處求學，向比利時皇家美術學院求教，向荷蘭風景畫家安東莫夫學畫，但最後還是決定自學，他克服各種困難取得了繪畫作品風格的展示，在1886年以前，他的作品還都處於探索的時期，在色彩上色調較暗，代表作有《吃土豆的人》、《紡織工》等。

二、梵高繪畫風格的改變。1886年梵高來到巴黎，結識了高更、畢沙羅、修拉等著名，並參加印象主義畫家們的集會。從而使藝術眼界大為開闊， 開始以完全不同於過去的方法作畫，畫面色彩強烈，以躍動的線條表達激動的情緒，形成他獨特的藝術風格。代表作品《向日葵》、《星空》、《農民》等。

三、梵高繪畫作品值得後來畫家的學習。梵高在世時留下了豐富的繪畫作品，沒有人看好他的繪畫作品，直到去世之後才逐漸被人們所重視他的繪畫作品的藝術價值。他的作品中表達追求自我精神的感受，色塊和線條中閃爍流動著火焰般的激情。梵高的繪畫藝術風格，後來被野獸派及表現派畫家所選取。