這是藝術最高境界，齊白石說相與不相之間，是油畫之最高境界，如果把油畫畫成跟照片一樣，則失去畫的意義，藝朮給人一種朦朧之感，這個度就是齊白石大師能達到的至高點，他能控制度，別人拿不準，。蒙娜麗莎的微笑永遠給人以朦朧之感。我認為兩大師異時異國異藝而比肩。讓人驚歎！仰望千秋！

藝術來源於生活而高於生活！當把油畫作品畫成與照片一模一樣也就失去了畫畫的藝術品味了。藝術價值之所以要高於照片，一定要和照片有所區別的！因此題主的話，應該是每一個藝術家必須具備的藝術素質！他創作的作品一定要區別於照片。當然對於和照片區別的形式和方法有很多，在把照片作參考的情況下，保留照片中的美好生活情景動態，可以從色彩、從構圖、從筆法等等方面去完善畫面，讓畫面變得更加完美，更加藝術！

這類作品大家可以參看照相寫實主義，這裡面有個繞不過去的“大山”級人物，那就是格哈德·裡希特（Gerhard Richter），他的早期風格就有照相寫實。

這類作品介於攝影與繪畫之間，同時又擴充套件和放大了攝影的更多可能性，畫面細膩的同時一種新的氣質和內涵被注入，在表象的真實中隱含著詩一樣的迷離與美感，這是客觀美學與主觀表達的合體再生。

像這類藝術風格的畫面把握，我相信大部分經過了刻苦基礎訓練的美院本科生（油畫）都是不會存在太大問題的！只是那一層詩意的朦朧（不單指朦朧效果也可以是其它技法，本文指裡希特的畫面風格）中所滲透出來的、能帶著觀者情感“私奔”的特質，就不是一般藝術家可以手到擒來的了；

這種特質往往決定了一幅作品的終極靈魂！

之前筆者有看到過關於裡希特的一個傳記電影，在這個電影裡面有交代他的各種創作嘗試，一開始的時候也是像很多新手藝術家一樣，努力的標榜自己的獨特和技藝，玩符號做裝置都涉獵，總之要在同學和其他藝術家之間突出自己的不一樣！但自從他的怪導師給他講過自己的真實故事和情感並在參觀完他的工作室做離別時，特意的做了一個脫帽致意後，裡希特的所有浮想才被通通擊穿，散落一地！

自那一刻起，他決定徹徹底底的做回自己，迴歸本然！（好比一個修行高人突然茅塞頓開，頓悟了、通達了）

他重新梳理自己的記憶、過往和那一個個腦海中揮之不去，打下深深烙印的特殊情結，然後用自己樸實得就像吃飯走路一樣不慮而知的方式（架上繪畫）呈現出來，雖然影片中用的是他在照相寫實之後的一個風格作品做的表達，但我相信他的照相寫實之所以獨具魅力，作品賦“靈”路線定不會有偏差。

照相寫實主義其實跟其它任何藝術創作一樣，有骨有肉的同時最重要的依然是要有“靈”！因為只有這個“靈”才是藝術通用的免死金牌！

這個“靈”是什麼呢？蒙娜麗莎的眼神會告訴你！大衛的堅毅會告訴你！丟勒的兔子會告訴你！倫勃朗的光會告訴你！莫奈的光色會告訴你！巴爾蒂斯的詭譎會告訴你！王希孟的千里江山會告訴你！范寬的溪山行旅會告訴你……

藝術是相通的，繪畫、攝影、雕塑、音樂等藝術之間的關係是微妙的，特別是攝影和繪畫之間，被稱為“姐妹藝術”，這種關係可以說是微妙到極致了，問題來了：如何才能創作出具有攝影風格的油畫藝術作品，但又不能讓人覺得是純粹照片的樣子？

開篇簡單提到了，攝影和油畫是“姐妹藝術”，它們身上有很多相似的地方，攝影雖然只誕生一百多年時間，但是它對於人類文明的進步已經產生了毋庸置疑的巨大推動作用，而且優秀的攝影作品完全可以像文學、雕塑和繪畫作品一樣給人帶來美的享受，

言歸正傳，要創作出具有攝影風格的油畫藝術作品，須透過構圖、線條、光影、色彩來創造一種美的韻律，因為攝影本身並非單純記錄物象，攝影不僅是一門技術，更是一門藝術，我們都知道，技術之下的照片是沒有情感的，唯有藝術作品才會有豐富的情感，

之前說過，任何藝術都有它的載體，色彩是油畫藝術的載體，攝影藝術是對光影的再現，當然了，在油畫藝術中，也離不開光影，同樣，在攝影藝術中，依然存在著色彩，所以說，色彩是油畫藝術以及攝影藝術的重要屬性，對於塑造形象、表現主題、烘托氛圍都起著重要作用，

具有攝影風格的油畫藝術作品，那非超寫實主義油畫莫屬了，但又要避免油畫作品跟純粹的照片一樣，缺乏情感，深入點說是缺乏“寫實”，這是很考驗一個畫家的繪畫造詣的，稍不留神就畫的和照片一樣，此時該怎麼辦呢？或許可以這樣子，將超寫實主義油畫，描繪的接近“新古典主義”風格，像安格爾、布格羅那種，這一切都要在色彩光影下功夫，讓畫作的情感更豐富複雜，這可以避免畫出來的油畫跟純粹的照片一樣。

先看看分類：

第一類中如文藝復興後出現的巴洛克 、洛克克、古典主義、學院主義、浪漫主義、現實主義、寫實主義、照相寫實主義、印象主義等都是以再現自然為基礎，表現作者不同的思想與目的。

第二類即後印象主義、野獸派、立體主義、未來主義、抽象主義、超現實主義等，它們不再是對客觀物件的真實描繪，而是根據畫家的主觀意圖進行自由創作，它們大多出現在20世紀以後。

再看看油畫發展歷史：

油畫起源於15世紀以前的歐洲，也就是說油畫是伴隨著歐洲文藝復興運動而興起的產物，早期的油畫作品，不僅注重作品要描述某一事件或事實，還要揭示出事件或事實的前因後果，於是形成了注重構思典型情節和塑造典型形象的藝術手法。隨著油畫的發展，油畫創作者們透過對油畫的光感、色彩進行變革，一部分油畫強調了油畫的光感，例如運用色彩冷暖對比、明暗強度對比、厚薄層次對比進行光感的創造，形成畫面戲劇性氣氛。 在色彩方面，例如英國畫家j.康斯特布林最早直接用油畫在室外寫生，獲得豐富的色彩感受，形成了震動當時畫壇的風格。到了19世紀初，歐洲油畫出現了有明確藝術主張的流派，雖主要體現在藝術主題和內容上，但油畫技法也各具面貌。從19世紀末葉開始，西方油畫發生了根本性變化。傳統油畫比較狹窄的藝術功能和一體化的寫實手法已經達到自身體系的高度飽和，因而在哲學觀念、藝術觀念的變革中趨於解體。油畫不再以模仿自然、再現自然為藝術創造原則，藝術家自由構造的油畫藝術形象被視為新的真實。藝術家不再透過油畫形式如實描繪自然，而將油畫形式作為表現自己精神與情感世界的媒介，以想象、幻想等方法構造作品。

有了以上對油畫歷史和現狀的回顧，可以不難回答你的問題，簡單來說，你所提的問題是照相寫實主義流派常見的問題。他的基礎是以客觀再現為創作基礎，它的特點是逼真，它的目的是表達作者內心世界及思想，藝術之所以為藝術，就是來源於生活，卻高於生活。如果我們把油畫做成了照片，儘管做到非常逼真，甚至達到了客觀再現的程度，那也是一件行屍走肉、沒有靈魂的東西，好的油畫作品，一定是虛實結合，正所謂“一陰一陽之謂道”，對於藝術創作亦是如此，不論是上面提到的現實主義和超現實主義各流派，他們的區別僅僅是“實多虛少”，或者是“虛多實少”，僅此而已。有人不禁要問，那是“虛”多一點好呢，還是“實”多一點好呢？這裡可以非常明確的說，“多與少”只與作者創作的物件以及要達到的目的及效果有關，與其他無關，離開他們，“多與少”沒有意義。反過來我要講的是，對於以“主觀表現為主”來創作的“超現實主義們”，他們的作品中不要一味強調“虛”的東西，加一點點“實”的東西，否則，太虛無縹緲，除了自己，無人能懂；對於以“客觀再現為主”來創作的“現實主義們”，他們的作品中加一點點“虛”的東西，否則，平淡無奇，缺乏靈魂。

作為一個藝術工作者，我認為用自己獨有的技藝，用個人獨特的想法，來創作似攝影又不同於攝影的油畫藝術作品。

油畫是繪畫，攝影是照相。油畫作為繪畫藝術，有其獨有的繪畫材料和技法，油畫產生五六百年，時間上來說並不長，但從誕生始，就以它強大的現實塑造力征服觀眾。

油畫從具體的表現上來看，有具象，有抽象，具象裡還有寫實流派，寫實裡還有超級寫實主義，這也就是平常所說的“畫的逼真”，如同攝影般逼真。

攝影是人工發明的光影技術。攝影能在一瞬間抓拍生活中的萬千變化，攝影離不開活生生的生活。攝影所表達的物像都是自然的現實景象，忠於生活，忠於原型。

油畫有超凡的塑造能力，可以畫的和照片一樣，但是，油畫畢竟是繪畫，都是一筆一劃畫出來的作品，再如何逼真像攝影，也是繪畫的韻味。

在油畫創作中，多有主觀的想法，利用超級寫實的技藝來表現繪畫題材，逼真，超級逼真，不是攝影勝過攝影。

原則地說，摻進作者的想法，諸如取捨、光影設定、構圖變化、適度誇張等等，就能創作出既像攝影又有別於照片的油畫作品。甚至有人利用軟體對照片進行攝影藝術化的後期處理，然後再用油畫臨摹下來，達到所謂有獨立風格的類攝影式的油畫效果。但這些東西，不是說起來那麼簡單，否則到處都是傳世之作了。總之就是要去不斷地努力嘗試，去總結摸索，才有可能偶得理想之作。

現在怎麼感覺是

油畫追求的是照片畫法

照片要追求油畫的感覺

這個隨著市場的變化發展

還真要適應了！

見過油畫畫出照片的效果

就是人的頭髮眼球都和真人的一樣

這種油畫非常難畫

拍賣價格也很高

就是後來聽說畫照片效果的畫家

最後眼睛嚴重退化！

可見這樣畫法其難度之大！

照片要求有油畫的感覺

咱們一起想啊

估計高手都會操作拍出圖片

因為這裡一個靠手法

另一個靠加濾鏡

總的來說這種圖片

是不是失去了攝影的意義？

油畫效果的圖片肯定有接受的

很可能也是一個攝影支流

個人不接受油畫效果的圖片