如何系統的欣賞一幅畫作呢？我總結了一下，大致可以分為以下7個部分：

1、派別。

2、看構圖。

3、看色彩。

4、光影

5、筆法（技法）

6、空間

7、寓意

我們能將一幅畫作的這7個部分識別得的越清晰，我們對畫的理解就會越全面。告別人云亦云的情況。

當然欣賞畫作還受到個人生活閱歷的影響而有所不同。我們現在來看看這兩幅國畫。

《氣滿乾坤》是一幅寫意的紅梅綻放圖，豎構圖將梅花不屈向上的精神表現了出來，整幅畫面畫面飽滿、梅枝疏密有致、色彩統一而富有層次感、用筆辣而飄逸，把梅花傲氣滿乾坤的畫面感充分的表現了出來。不過整幅畫的空間感稍微欠缺，為遠近景的虛實和主次表現欠妥所致。

《春韻》是一幅表現初春萬物復甦乍暖還寒的寫意山水畫。以俯瞰的視角使得畫面視野開闊，然後作者做了雙S形構圖，透過山水的走勢讓畫面有了流動感，讓整個畫面活了起來。不過整體構圖的重心太過靠上，給人一種“頭重腳輕” 的不安全感受。

好在“松石綠”的用色將畫面裡“春”的氣息推高了一個層次。如果畫面上再有一些生命，比如飛鳥等作為點綴，那這副畫的生機會更加盎然。另外，從畫面看作者筆法較為簡單，缺少變化，使得畫面不夠有靈性。

下面我也附上幾張國畫，以饗讀者。

梅花的構圖

中國花卉或花鳥畫的構圖，可以從兩個方面來認識。一是處理畫面的具體手法或方式，如“S”形構圖，半環形構圖，縱橫交叉構圖等。二是掌握畫面佈局中美的法則，如主輔、虛實、疏密、聚散、藏露、開合、呼應等。初學畫梅，掌握幾種具體的構圖形式是必要的，但根本上是要理解和掌握構圖規律，做到舉一反三。梅花構圖和其他花卉大同小異，根據梅花以表現枝幹為主，構圖上可歸納為“長短、粗細、多少、縱橫”八個字。梅花的一切構圖形式，萬變不離其宗，都發自這八個字。

畫梅要表現梅枝的鐵骨氣質，用筆應列首位。對線條總的要求是雄渾蒼老，遒勁有力。切忌光潔平實和軟弱無力。

枝幹是梅花的骨架，也是一幅作品成敗的基礎和關鍵，在進行梅花的學習過程中，一定要將枝幹的運筆方法和用墨規律掌握。畫梅花要選擇硬毫筆，如狼毫、山馬或石獾等，這樣畫出來的線條才能勁鍵蒼老。行筆過程中要有頓挫，要求“一波三折”，不要一瀉千里，平板僵硬。

注意線條的力度和彈性，只有這樣才能表現出線條的韻律和節奏。畫枝幹時要充分考慮到花朵的生長位子，枝幹中間要留出空隙，這樣才不會影響後期花朵的表現。畫枝幹時還要學會用墨，要表現出墨的不同濃淡乾溼變化。 畫小枝可以單線勾勒，畫朽根老樁就要運用勾勒幹檫和皴染，運筆的角度變化要大，線條要遒勁有力，墨色的變化要豐富，既要表現出虯枝的蒼鍵，又要描繪出梅花的秀美，因此墨色的乾溼變化要適度，既不可焦枯，也不能爛溼。枝幹畫完後用點將那些留下的較為規則的空隙破開，使畫面完整統一。

山水畫的講解

山水畫的構圖是經過畫家苦心經營的。因此一幅好的山水畫，必須有好的構圖。好的構圖一般要符合以下兩個規律：

1、對立統一規律。體現在形式上有賓主、呼應、虛實 、疏密、開合、藏露、節韻等關係。

▪ 賓主——構圖要主次分明，不能喧賓奪主。

▪ 呼應——畫中一切物體（包括題款和印章），都要互相關聯，有呼有應。這樣才能氣脈貫通。

▪ 虛實——傳統山水畫常把雲和水作留白處理。白與黑，空與物，白與灰，灰與黑，就是虛實的對比。但實處要實而不塞，要透氣，要有“活眼”。如無中間的“活眼”，就是一盤“死棋”。虛處要虛而不空，即使是空白，也要讓它表示一種實體，既所謂“計白當黑”，這樣才能“虛實相生，無畫處皆成妙境”。

▪ 疏密——山水畫構圖最忌均勻整齊，古人說：“疏處可走馬，密處不通風。”這樣才能變化多姿。

▪ 藏露——畫要給人留有想象的餘地，一覽無餘，就沒有情趣了。因此作畫要善於運用“藏”的方法。郭熙說：“山欲高，盡出之則不高，煙霞鎖其腰，則高矣。”“藏”，使人感到高深莫測，從而給觀者想象的空間，這就是“藏”的妙用。

▪ 開合——開與合是相對的矛盾。有對立，畫面才生動。開而不合，就會顯得不穩和散亂。有開有合，才能相對穩定。

▪ 節韻——即節奏與韻律。一幅好的山水畫，是有節奏美和韻律美的。這不僅體現在勾、皴、擦、染、點等筆法的運用上，也體現在整體的佈局上，既要有變化又要有規律。

2、透視規律。西洋畫一般採用“焦點透視”，中國畫採用的是“散點透視”，也叫“移動透視”。“焦點透視”就象照相一樣，觀察者固定在一個立足點上，只能把視域以內的東西拍攝下來。“散點透視”則是移動著立足點來進行觀察的，所以不受視域的限制。把中國山水畫的透視歸納為“三遠”，即“高遠”、“深遠”、“平遠”。值得注意的是，在一張山水畫中，往往是“三遠”綜合運用的。

▪ 高遠—— “自山下而仰山巔，謂之高遠。”也有一種說法叫作“蟲視”，即故意把自己放在低處，看什麼都是高大雄偉、氣勢磅礴，這種透視法宜於描繪崇山峻嶺。

▪ 深遠 ——“自山前而窺山後，謂之深遠。”這是站在山前或山上遠眺，並要移動視點才能看到的景象。這種透視法宜於表現幽深的意境。

▪ 平遠—— “自近山而望遠山，謂之平遠。”這是在“平視”中所得的遠近關係。宜於表現坦蕩開闊的南方山水。

2

從筆墨來看

用筆與用墨，是學習國畫首先要解決的的問題，是最能體現畫家功底的問題，因此也是識別一張國畫優劣的最主要的依據之一。

1、用筆。中國畫的造形達意，是以線為主來表現的。因此看一幅國畫用筆的好壞，主要是看這幅畫中線條的好壞。古人提出“書法用筆”，即要求畫家在作畫時要象寫書法一樣用筆。黃賓虹總結了前人的經驗，提出了“五筆”之說，即“平、圓、留、重、變”。

▪ “平” 是指運筆時用力均勻，起訖分明，筆筆送到，要“如錐畫沙”。

▪ “圓” 是指行筆轉折處要圓而有力，不妄生圭角，要如“折釵股”。

▪ “留” 是指運筆要含蓄，要有迴旋，不浮不滑，要“如屋漏痕”。

▪ “重” 即沉著而有重量，要“如高山墜石”。

▪ “變” 一是指用筆要有變化，中鋒、側鋒、逆鋒、順鋒，根據需要隨機應變；二是指運筆要彼此相讓，互相呼應，氣勢連貫。宋代韓拙提出：“用筆有三病：一曰板、二曰刻、三曰結。”所謂“板”，是指線條扁平，沒有圓渾的立體感。所謂“刻”，是指筆劃過於顯露，妄生圭角。所謂“結”，是指行筆猶豫，線條不流暢。其他還有枯、弱、光滑、草率等，都是山水畫用筆的病忌。

2、用墨。墨色的變化，有“五彩”之說，即“焦、濃、重、淡、清”；也有“六色”之說，即“幹、溼、濃、淡、黑、白”。不論是那種說法，無非就是講墨色的變化多端。山水畫用墨有三要：厚，透明，豐富。

▪ “厚” 就是感覺要厚重而不輕薄。

▪ “透明” 就是層次要清楚，不渾濁，不僵化。

▪ “豐富” 就是指墨色多變，層次豐富。總之，看一幅山水畫的用墨好不好，主要是看用墨是否有變化、有韻味，層次是否清楚、豐富，能不能表現物象的立體感、質感和遠近的空間感。

3

從用色來看

傳統國畫著色多從物體固有的本色出發，很少考慮光的影響和變化，所以用色相對西洋畫來說比較單純，具有清新明快的特點。根據山水畫不同的種類，用色的要求也有所不同。

▪ 在淡彩山水中，以水墨為主，色彩只起輔助作用，用色要求“淡雅”、“清透”。要“墨不礙色，色不礙墨”。即墨足之處用色要清淡、透明，不讓色覆蓋了墨；濃的色彩要用在墨少之處，不讓墨破壞了色的清麗。這樣，二者才能相得益彰。

▪ 在重彩山水中，用色要求渾厚凝重而不膩濁，清麗鮮明而不單薄。

▪ 在潑彩山水中，用色要求色墨渾融，變化豐富，不髒不濁。

不管是淡彩、重彩還是潑彩，用色都要有一個主調，不能混亂、花俏。但在主調中又要求變化，不能單調、呆板。總之，既要有對比又要和諧統一。

4

從表現各種物象的技法來看

山水畫的技法很多，使用哪種技法，因物而異，因人而異，因畫而異。看一張畫中的技法用得好不好，主要是看這種技法在這張畫中，是否能充分表現物件的“形”與“神”，是否能充分表達作者的“意”。

5

從意境來看

好的山水畫，要有美的意境。意境是山水畫的靈魂。一幅畫，必須給觀者留有聯想和再創造的餘地，能使觀者受到感染並引發自身生活感受的共鳴，感到言外意，弦外音，境外味，才算是有意境。山水畫意境的型別，可分為三種情況：

▪ 以景勝 這類作品比較注重寫實，以真實感人的空間境象構成意境，把理想和感情融入實景之中，主要是透過境象自身誘發觀者聯想。它類似於詩的“無我之境”。這類畫，在古代山水畫中以宋畫居多。

▪ 以意勝 這類作品比較注重寫意，富有個性和情致，更明顯地流露出對主觀情感的表達，所塑造的空間境象，更多地具有了“意造”的成分。對於“形”則要求“在似與不似之間”。它類似於詩的“有我之境”。這類畫自元代以後，逐漸成為山水畫的主流。

▪ 意與境渾 這是感情與形象高度結合，達到“情景交融”、“天人合一”的境界。王國維說：“至意境兩渾，則唯太白、後主、正中數人足以當之。”可見對於詩來說，這是意境的最高境界了。而對於畫來說，當是畫家神來之筆的得意傑作了。

畫畫這一行業已經不行了，在古時沒有攝影，沒有手機，沒有電腦，只有靠畫畫捕捉美，所以畫畫的人很吃香，就好比古時候沒有電燈，有個蠟燭、棉油燈就很了不起了，古代皇帝大臣才用那麼高階！

今天看來，國畫無論怎麼好，也沒有攝的好，畫質清晰，讓人耳目一新，心情愉快。畫畫業面臨淘汰。

自己喜歡就留著玩吧。這類的國畫小品就那麼回事，挺套路的，當今書畫的普遍問題。不是俗，是時代是人，創作者和欣賞者共同的骨子裡的問題。國畫不受待見幾十年了，是有很多原因的。其中，文化不見了，氣質沒有了，是最大的問題，咱不提是什麼原因造成的，那樣永遠沒有頭緒。

扯遠了，就說這兩幅作品吧，別分析，更別拿出去換錢，給作品，作者和自己，都儘量留一點臉面。

雖然我太懂國畫，但看上去總覺得不是那麼一回事。第一幅紅的太多，第二幅還不如第一幅，那種點點太多，就是初學者畫的。

懂國畫的大神，怎麼去講這兩副國畫？

答：第一幅梅花，樹幹不美，還出現了上面比下面租的現象，筆觸也太碎，梅花的幹本來是抒發胸中臆氣的地方。另外小枝太短，花不必太繁，筆上劃線功力沒有。

另一張山水，河流上端至畫底之間的空檔太大，這是無人空拍機的視角，現代照片的透視關係，傳統山水畫是散點透視

簡單看了這兩幅畫，從畫面風格看，作者應該有一定的創作經驗和時間，用筆流暢，筆墨自然。

第一幅梅花，構圖比較簡單，枝條單調。主幹過於單調直白，缺少創意和造型，平面化，缺少美感，花朵枯燥無生命力不適合在家中掛放。

第二幅山水畫，有基本結構，山無勢無峰，平淡無奇，素寡清欲，林木畫的過於簡單，水面沒有流動感，缺少動態我生命力，如果在豐富加工充實一下，還是一幅不錯的畫面。

繪畫是一種藝術，是其他現在智慧手段所不能比擬的，畫好每一幅作品，離不開大自然的恩賜，大自然的鬼斧神工豐富於人們的想象，繪畫只不過一種二次創作，把人們對美好的希望和文化融於創作中，奉獻給人們另一種美！回味無窮。

國畫藝術需要創新發展，傳統的國畫總感覺平面格式化，門派化，一看畫面就知是誰的徒子徒孫，缺少立體感，呆板蒼桑，缺少有激情創新的新生代有國際知名畫家，院校派對發展有滯酷。

相信在這日新月異的新時代，定會誕生不愧於時代的大藝術家！

優點我就不說了，挑點毛病:梅花畫得真點碎，樹杆墨色不夠。要講究健筆。山水也少墨色，整體偏談。點苔沒有疏密濃淡，遠近差不多。

用筆、用墨、用色都不講究。

作品既不是重彩也不是淺降，與行畫差不多。

以下是我的作品

第一、看章法即構圖，形式太多不多說了，但以視覺舒服為佳。

第二、看筆法即線條，在山水畫中還包括各種線皴，但以有力量有韻味為佳。

第三、看墨法即層次，在山水畫中還包括各種面皴，墨分五色即墨中含水的多少，但以有濃淡虛實遠近分明為佳。

第四、看著色即顏色，隨類賦彩，以濃而不滯、淡而不薄、豔而不俗為佳。

第五、看落款書法，書法的修養可以給繪畫加分。

第六、看鈐印、印章的篆刻水平和鈐蓋的位置決定了此畫作的品位。

以上是最基本的最簡單的幾點

附國畫六法：“六法”包括氣韻生動、骨法用筆、應物象形、隨類賦彩、經營位置、傳移模寫六個方面。此六法之說即可用於創作亦可用於鑑賞。

民間藏品尚未露臉。一切都是妄談。什麼是真正的國寶？還深藏在民間。有不服的可以站出來。保證啪啪的打臉那些所謂的專家。真像大白的時候。他們就是個屁。

都是不成熟的作品。畫梅講究構圖和枝幹蒼勁的舒展，這個構圖不行，明顯樹枝都不會畫。另外山水畫，一打眼點苔就露出此作者明顯不會畫畫，初學者。