對於一個從事繪畫行業的人來說，我覺得“畫風多變”是件好事，說明“成功者”沒有固步自封，而是尤在不斷進取！對於一個畫家，能夠在有生之年形成一種獨特“風格”，已經當屬不易，而拋棄原有的“成功模式”，以一種全新的面貌示人，這該具備多麼巨大的勇氣！稍有不慎就會前功盡棄的毀於一旦，被人們看做是江郎才盡，曇花一現。歷史上，一生只有一幅畫的“畫家”很多，有的是，一幅作品流芳百世，卻找不到其餘作品，有人說:惜墨如金！也有的畫家是，“千篇一律”，一生一種風格定式，人送雅號“一張畫先生”。也許真的是“江郎才盡”吧。

還有一種人，年幼時即已成名，謂之神童，少年得志。但成年後，成績平平，餘生平淡如水。也有些人，少年不得志，磨難頗多，年邁後卻一發不可收，人稱:大器晚成，老來得志！

不管那種情況，作品永遠都是畫家的形象和人品的代言，正是那句俗語，畫如其人，字如其人。有什麼樣的心智和品德，就出什麼樣的作品，以齊白石先生為例，他的衰年變法，更奠定了他在中國歷史畫壇上的地位，終成為巨匠式的人物。

有些畫家的畫風多變這很正常，繪畫藝術風格的多變，是畫家為了繪畫藝術豐富多彩、滿足於不同人們的審美需要、提高繪畫藝術的造詣，不侷限於一種畫風，而延長繪畫藝術生涯的永久性。

二、有些畫家的畫風多變，是為了市場的需要，滿足於不同人們對繪畫藝術作品的追求，繪畫作品就是要變化藝術風格，才能表現出畫家的個性風格的審美理想。

畫風變化是許多藝術家都會經歷的階段，或者說，很少有畫家可以一生維持同一種畫風。特別是到了藝術史後期，古典風格基本被玩到極致了，藝術家們就開始尋求更多的變化。其中的原因也有很多。

許多有特點的畫家，不管之後開創了什麼樣的繪畫風格，在早期都經歷過古典寫實的階段，看著是一個循序漸進的過程。

抽象派大師畢加索大家很熟悉，他畫的人基本上都是這個鬼樣子。

但是在他的立體風格還未成熟時，作品中的人看起來也是非常正常的。

還有點彩畫派的大師喬治·修拉，雖然32歲就英年早逝，但早期和晚期的作品依然可以看出很大的轉變。

早期的作品中，雖然用筆也非常簡煉，但調色和筆觸看得出來還是比較常規的方式。

而到了後期，筆觸就全變成了小點，顏色也成了未經調和的狀態。

奧地利畫家克里姆特開創了「維也納分離派」，初衷就是為了跟傳統審美說拜拜。

他在35歲之前，其實就靠古典風格獲得了許多榮耀。為了表彰他為宮廷所作的壁畫，皇帝親自授予他金色勳章，還受邀為維也納藝術史博物館作畫。

他當時的畫風是這樣的。

然而一次為維也納大學創作天頂畫時，他的作品卻被87名教授聯合抵制，批評他低俗淺薄，搞得克里姆特十分不爽，乾脆破罐子破摔，怎麼低俗怎麼來。

之後一段時期他的作品成了這樣。

義大利畫家基里科算是比較另類的，他在20出頭就開始嘗試抽象的表達，並且獲得了很大的成功，創立了「形而上學畫派」並有了一大批追隨者。

然而在風頭正盛的時候，他卻撇下被新風格吸引的粉絲們，在一片反對聲中，堅決的轉去研究起古典風格。

如果你現在去看自己10年前的照片，可能也會覺得當時腦子被驢踢了才會留那樣的髮型，穿那樣的衣服。人的一生是在不斷接收新的知識，經歷新的事情的，在這樣的更新之下，我們的思想和眼光也是在不斷變化的。

更何況藝術家們每天都需要思考更多的東西，畫風上出現新的嘗試和變化，再正常不過了。

藝術本來就有生命和靈魂，經得住歷史的過濾，才確定其藝術的生命力，既是恆久性的存在又是時尚的，在不變中求變化，在變化的過程中成長著，觀察生活取材於生活，凡是有生活氣息的，都可以搜進各類繪畫藝術設計當中。

人的生命有限度，又是單獨個性藝術的寶貴之處，藝術家更擅於將自然界裡，瞬息萬變與千姿百態的符號記錄下來，這種表達方式，既不是重複的翻版，也不是粗製濫糙充數，是建立在一定的可塑性的基礎之上，並透過藝術手法加工，從提煉的過程中進行萃取其精華，方向正確了就有藝術氣息相通，有引入幻想境界之感，代表著有藝術靈魂潛質的形式美，方向偏了即隨地的廢品與垃圾一堆，藝術也是可塑不可求的。

一切歸屬於個人素質修養與所付出的關係，另方面純屬個性化唯一的，也是專一所追求的目標，奔向其願望而已。

畫家畫風多變原因很多，有的是隨著年齡對生活體驗不同了，有的可能因為偶遇如頓悟一樣，或者有的就喜歡嘗試不同的風格，有的甚至連繪畫的種類都變了。

說起畫風變化，自然想起齊白石先生他在晚年，在北京畫壇掀起的一場衰年變法!

齊白石衰年變法並不是指他到了老年這個歲數才開始改變的自己的風格，而是他在晚年的時候，用自己的實際行動，挑戰了當時繪畫界的主流風氣。

齊白石生活的年代，是傳統繪畫保守主義者的時代。而齊白石先生勇於從自己的內心出發，真正的將自己的生活所得、內心感悟融入於繪畫之中。對於傳統繪畫提出了自己的見解和不同的意見，因此，稱之為“衰年變法”。

一由白到黑畫風變化最令人印象深刻的應該是黃賓虹了。

近代比較著名的大畫家，畫風變化最大的，也更讓人印象深刻的就是黃賓虹了，因為他是從“白賓虹”直接變成“黑賓虹”。

黃賓虹早年臨擬古人的作品。，從孩童時，他就開始臨習家藏或族中親戚收藏的古蹟，主要的臨寫物件有沈周、查士標、董其昌等，稍長臨王蒙、石濤、龔賢等。

在黃賓虹早年即所謂“白賓虹”的畫裡看到，他強調線條，但更注意用筆的松秀靈動，並且著意與臨習物件保持距離，避開某些過於強烈的或過於個人化的風格特徵。這種淡化“風格”、不刻意於“個性”追求，也不急於自創面目的早期山水畫，正是因為具有“淡宕松秀”的審美特徵而被稱之為“白賓虹”。

黃賓虹畫風的轉變，即由“白”變“黑”，大致是在60歲以後。當然這關乎黃賓虹畫學思想的確立和成熟的過程，當然使其畫風從此濃黑厚重起來的也有來自自然偶然的原因。

這期間，黃賓虹從上海遷居安徽貴池，因為貴池湖舍、豪雨連天成了黃賓虹日後創作的一個常見題材，而筆下的墨色也明顯潤澤淋漓起來。當然，更重要的是，從那以後黃賓虹確實多了遊歷山水的機會，比如兩次桂林、廣東、香港遊，兩次返回歙縣黃山，遊雁蕩山盤桓半月，70歲那年在四川青城峨眉諸勝居遊一年多。在一場突來的暴雨中，坐看青城山的風雨喧囂和石樑飛瀑，體會天地間自然生命狂放的力量，體會“雨點”與“米點”之間怎樣相通於一種自然理趣。

黃賓虹90歲前後的“衰年變法”，已不是一個“黑”字可以概括的了，黃賓虹勤力于山水畫之變。1944年，黃賓虹在致友人信中提到“鄙人遊跡，近十年所至閩越巴蜀諸山，今擬與古蹟融會一片”，以“自立面目”，並“漸覺成就可期”，最終完成“黑賓虹”的轉變，確立起自己屹立畫史的黑、密、厚、重的基本山水面目。

二不破不立畫風多變又都自成一體非張大千了。

張大千一生幾易畫風,從青年時期的"清新俊逸",到中年時的"瑰麗雄奇"和"蒼深淵穆",再到老年時的氣質淳化、筆簡墨淡，張大千晚年更是畫風大變 創造出驚世駭俗的潑彩畫，將潑墨潑彩畫發揮的淋漓盡致。

熟悉張大千的作品，就會發現張大千的畫風轉變很是突然，在50之前他的畫風都是十分的清新靈動的，可是在57歲那年，他的畫風開始變得瑰麗無比，並且創新性的發明了一種潑墨的繪畫方式，據說是從唐朝的王洽那裡得到的靈感！

張大千的畫風轉變表面上看是因為藝術的需求，其實背後有著一個不為人知的原因。對於張大千的潑墨畫法曾有人提出了一些質疑，他們認為其實張大千在57歲的時候發現自己的精力衰退，而且在用筆上不能夠很好的把握了，因此才發明的潑墨法。

不過也行有些道理，張大千巴黎畫展取得了意想不到的成功後， 、雄心勃勃表示回去後要大幹一番， 誰知回巴西不久，在一次搬石時，不慎用力過猛，致使視網膜脫落，他的眼疾，用力過猛固是誘因導火線，但深層的內因則是糖尿病所致。其在老友面前，曾坦露了己被眼病折磨得心灰意懶的真情。

張大千並沒有消沉，遵醫囑，須靜養，少看書，少作畫，嚴禁作工筆畫。畫不了細筆，可畫粗筆。齊白石衰年變法，難道張大千就不能嗎？如何變法，是他養病期間想的最多的問題。

張大千的這種行為，最終得到肯定，稱張大千這一舉動是化腐朽為神奇了！因為風格的轉變，張大千的繪畫水平更上了一層樓，所謂的不破不立就是說的張大千！

三油畫改國畫只因太喜歡中國文化的吳作人

吳作人，他早年留學比利時布魯塞爾皇家美術學院，擁有紮實的油畫基礎，在油畫領域取得了很大的成就。但是他到了晚年，喜寫篆書，並全力投入國畫。飽含激情熱情去畫了大量的犛牛、天鵝、熊貓、金魚等花鳥國畫。

他吸收了西畫的特點，同時強呼叫筆簡練，水墨酣暢，一氣呵成。有人問他，為什麼油畫成就那麼高，到了晚年卻會全身心投入國畫？他說他實在是太喜歡國畫，太喜歡中國文化了。

即使他在畫油畫的時候，也會加入國畫的用筆。他那代人在小時候都有學書法，詩詞和國學，從小對中國文化很有感情。年紀大了，就把這種情懷透過國畫更加深情地表現出來。

其實這種情況還有很多，林風眠，甚至在人生最後的時刻，還在畫國畫。他的國畫吸收了很多西方現代形式的東西，透露出淡淡的優雅。

他還是一個最早大量使用正方形構圖的畫家之一。在中國傳統中是甚少的。可以說林鳳眠開創了這個影響。國畫近年的現代正方形構圖最早應主要是從林風眠開始。

劉侖，中青年他在北京工作時創作了不少關於長征的油畫和版畫。晚年回廣東，畫國畫主要是將他最愛的雪山和梅花畫在宣紙上。他說，在宣紙上，用毛筆來畫，比起其他的筆，更能表現自己內心的感情。

所以，畫風多變到不為奇，對於還未能領悟國畫真諦的國畫創造者，最關鍵的是找到自己的畫風，才是首要的目標，切不可學這些大家，變來變去去，那不叫畫風多變。

20世紀的西方藝術大師畢加索，由於他遊刃有餘地遊走於各畫派、風格間的卓越才華，不論新古典主義、超現實主義、象徵主義，或是構成主義，任何形式與畫風，都融入了他的腦海中，迸發在他那隨機、自然組合的畫布上，問題來了：作為藝術愛好者，你如何看待有些畫家的畫風多變？

開篇簡單提到了，畢加索是一個畫風多變的畫家，這是由於他遊刃有餘地遊走於各畫派、風格間的卓越才華，用藝術術語來形容，那是畢加索有天賦，才能畫出不同畫風的作品，當然了，除了畢加索之外，還有許多畫家的畫風也是多變的，比如，安格爾在“浪漫主義”與“新古典主義”穿梭著，

之所以有些畫家的畫風多變，1是迎合市場的需求，或許有人會說，畫家不是“為藝術而藝術”嗎？怎麼可以隨便改變畫風呢？而且畫家的畫風是直接和畫家的個性、藝術素養、審美情趣及傳統技巧有關，怎麼可以輕易改變呢？這些疑問都沒有錯，但“畫是死的，人是活的”，

並不是同一時間就出現的，是有個過渡時期，先後順序，比如，原本是學習寫實畫派的馬奈，後期畫風過渡到注重色彩的印象派，所以，馬奈被稱為“印象派之父”，原本學習印象派的塞尚，後期畫風過渡到放棄傳統透視，追求幾何結構的抽象派，所以，塞尚被稱為“現代繪畫之父”，值得注意的是，每一種畫風流派之間的關係並非各自獨立，而是你中有我、我中有你的相交關係，所以，畫家的畫風多變，並不是一件難事。

？

答：風格因人異，因時而變。與個人學藝經歷和師承有重要關係。我在之前問題中已提到過，藝術作品是藝術家，心靈的外觀，思想的傳述。這即如東坡的藝術理念。所有的藝術門類，在形式表現上有其共性，以及自身的語境侷限。 即是說，藝術家在駕馭藝術語境能力上是侷限的。也正因侷限而形成了一定的味調而非成熟的藝術風格。一個藝術家要就社會認可的藝術風格，在某種意義上，就必須深化修養，提高技能。這與詩家的情感傳述在某個時候： “詩之不足，歌詠之，歌詠之不足，手之舞之，足之蹈之”是一樣道理。再者，我經常讀劉義慶的《世說新語》認為林下諸賢的放誕清玄，和託酒寄情的文化行為，既是特定的歷史條件下的文化藝術風格。時下藝術家們無論從文學修養、思想境界、道德理念以及藝術語言表達能力上都無法前輩相比類。所以不才認為時下畫人們要銳出自己特有的風格還要文化功課下些工夫！

我是桃子姐姐

作為一名畫師，我覺得每個繪畫工作者的繪畫風格，尤其是那種很有名的大師級別的畫家。他們的繪畫風格都會和自己本身的性格特點以及的人生閱歷和經歷有很大的關係。

每位畫家的繪畫風格也會隨著自己的經歷不同從而改變繪畫風格。

畫由心生，也是這個道理。

我是小畫家/桃子姐姐

我感覺畫家的畫風多變挺好的，可能一位畫家有幾種畫風來突現不同的意境，畫風需要自己的靈感結合大自然來觸發腦洞力，即作品醒目，又可以給人一種心靈感應享受，唯美意境的作品最棒，下面是我畫的工筆魚，請老師們指導

現在回答問題，實質就像在學校講課一樣，是非常費時間的，學校講課能有一定的效益，時間對於我而言非常寶貴，所以很少回答問題，這個問題與繪畫有關係，所以回答一下。作為繪畫家的畫風很多人的理解不同，這很正常。有的人把畫風理解為是繪畫家的繪畫習慣，有的人認把畫風理解為是繪畫家的繪畫特色等等。個人認為所謂的畫風實質與每個人不同的性格、特點比較類同，也就是說繪畫家的畫風就是繪畫者本身的特性，自己內在的體現！繪畫藝術是人類智慧的表現、表達，反映出人的內思想、內在的心靈等等。而這種表現、表達方式的科學性、規律性的能力，體現出繪畫者的繪畫能力和天賦，這種表現、表達能力包含了正、邪、科學、扭曲、低階、高雅等等複雜的內涵。這種表現、表達也就能反映、體現出畫者的能力，既：愛好者、好畫家、罪惡者、藝術家、繪畫大師，繪畫藝術也有正義、邪惡之分！醜陋、善美之分！科學、非科學之分！這些都涵蓋在繪畫表現、表達的方式方法中。

畫風只是畫者個人表現、表達方式中所體現出個人的特性，畫風隨著繪畫者年齡的變化、環境的變化、思想的變化等等而變化。繪畫的表現、表達方式的科學性、理論性、創造性，不會隨畫風的變化而變化。繪畫的表現、表達方式是區別繪畫者層次的主要指標之一！

繪畫藝術實質是反映人類社會、群體思想極其重要的指標，偉大的繪畫藝術者，用畫筆科學的表現、表達正氣、正確的思想，歌頌美德、弘揚民族正義靈氣！就是人類發展路途中的明亮的一盞燈。而繪畫作品的銷售、價格能反映出人類群體的智慧高低、人類群體辨別是非的能力。現代資訊社會與遠古社會完全不同，遠古時代沒有現代的高科技網路技術，遠古人類群體無法找到、發現好的繪畫作品。現代網路改變了人類歷史！所以現在才能真真意義上看到人類群體的辨別是非能力、智慧的選擇。

下面展示一下當今最有人類繪畫歷史價值、最有世界繪畫藝術教育價值、最有中華文化藝術教育價值、人類最早進入三維立體繪畫的中國國畫藝術，世界繪畫科學的新基礎：中國國畫中一極其重要的繪畫流派——中國墨素描（中國水墨素描）中國國畫的第三次革命，達芬奇為之讚歎，畢加索無法超越，列賓為之震撼，梵高無法達到。

畫畫需要表達的是思想，不侷限於一種表達方式，一種風貌。也沒必要定型於一種風格。藝術作品應該隨著主體思想變換表達形式，這樣的作品會更加鮮活。

繪畫做為藝術的一個門類又可以分成很多種，而任何一種繪畫不同的畫家又會有不一樣的風格。我認為繪畫作品的風格與畫家個性相關。哪種畫家的個性和作品的風格好？評說不可一概而論，但也絕不是由那個人說了算的。但我的看法是：一幅作品應該體現這個畫家的精神面貌和藝術語言，作者與作品應該有著共同的靈魂與精神世界，作品應是畫家藝術追求的產物，應該被大眾較寬泛的審美所接受，歸屬於藝術大花園，可以是奇花異朵令人耳目一新，但切不可讓人百思不得其解，甚至色調汙濁氣味怪異，除了滿足畫者本身的一種好惡外，給他人無半點愉悅之感。怪書怪畫也好，醜書醜畫也罷，脫離了現實，拋棄了美感，缺失了寓意，必定會和者甚寡，終被忘卻。