攝影作品的好與差，可以從以下幾個方面來評價。

一是看構圖。構圖要力爭美觀、大方、新穎。如果構圖沒有衝擊力，就很難是一張好的照片。好的構圖，對人的視覺衝擊力強，一下子就能把人的目光吸引過來。

二是看色調。一張彩色作品，如果色彩豐富、鮮豔、冷暖搭配得當，就是一張好作品，否則就是差作品。而對於黑白照片來說，則應該色調對比明顯、顏色柔和。

三是有突出的主體。一張作品，想表達什麼，都得有一個明確的主體。如果主體不突出，或者是多主體，就讓人感覺你不知道想表達什麼。同時，背景要簡潔，不能雜七雜八，讓人感覺特別的亂。

評價一幅作品的因素還有很多，但我個人覺得，只要有了以上三個基本要素，就可以算得上是一張好作品了。

現在玩攝影的人越來越多，這其中，多數人是出於對攝影的愛好，而非商業目的。

每個人的審美不同。同一張照片，不同的人會給出截然不同的評價，這也是常有的事。

如果是商業攝影，客戶認可就行。

如果是拍模特，模特喜歡就行。

如果是自己玩玩，自己喜歡就足夠了。

美有千萬種，自己覺得美就是最美。美是一種詩意，美是一種心情，也是一種態度。這是本人拍的，美不美，各人有不同的理解。天空藍與歷史的屋簷 有哪一種藍 會美過天空藍 有哪一道屋簷 會古老過歷史的屋簷

1、要有重點，重點就是作品的靈魂。

2、色彩要鮮明

3、畫面要簡潔

4、構圖要精巧

總之與寫文章一樣，拖泥帶水的文章令人生厭

好的攝影作品是作者用心拍攝出來的，攝影師的鏡頭其實是眼睛，鏡頭僅僅是用來構圖

。攝影與這毛筆字一樣樣，開始是臨摹，之後是走自己的路子。一般來說PS後的作品震撼不了觀眾的。

攝影作品要有主題，有思想，透過攝影技巧表達出來，能被人認可，就是好作品。這是本人拍的，玩攝影3年了，能入大家的法眼嗎？

攝影的功能是記錄，是表達。有人說，攝影就是構圖和用光，對於數碼時代來說這些都不難了。好的作品必須是要有好的主題 ，有靈魂，能抓住人家的眼球，能夠表達攝者的情緒。

這兩張都是在突尼西亞拍的，第一張感覺契合枯藤老樹昏鴉的意境，就拍下來了，第二張是夕陽西下，光線很奇妙，房子都色彩斑斕了。

自己看著舒服就好。最近旅遊拍著玩的，沒帶電腦，沒法後期，都直出。

赤水

武隆

仙女山

恩施大峽谷

武當山下

武當日出

搞完衛生坐沙發上休息，無意間側眼，陽臺上的藍雪花在一片幾何圖形裡分外搶眼。

框架裡跳動的生命，那一抹綠，讓整個畫面變得生動。

迅速手機捕捉。

不懂攝影，沒有專業裝置，也沒有專業技術。我以為的好的攝影作品，當是有靈性有故事的，看圖片的人能夠看到攝影者要表達的東西，就是好作品。

理論上說，主題突出，構圖精美，用光準確。我不是攝影家，也不是評委。攝影是我的業餘愛好，而且是走到哪拍到哪，拿手機隨手拍下當時我覺得是‘’美景‘’的美景!如我的這張照片，是我走到橋上回首一望，哇!好漂亮的雲啊！正趕上夕陽西下，有遠山的呼喚，有眼前的小橋流水，美哉，美哉!便把它拍了下來。美是共同的，你認為美的東西，在別人眼裡也不會醜到哪裡去哈!讓美的心靈去發現美麗的風景!

衡量一幅作品的優劣，標準很多，使之產生影響的因素也不是唯一的。

僅就構圖而言，構圖一詞源於繪畫，是繪畫的一基本概念，並不是攝影的專用名詞。長期以來，受繪畫的影響，也受中國式的風光攝影的影響，在一定程度上成為衡量一幅攝影好與壞的一個基本標準。從構圖的形式上來說，瑪格南的攝影師亞歷克斯·韋博提倡的攝影畫面的＂結構”，來自與構圖，超過構圖。因為構圖是在平面上表理平面，而結構是在平面上表現出立體的空間。“構圖”的優劣直接影響風光攝影的效果，可以拿來評判風光攝影，但不能用來評判紀錄類攝影。前面說了，具有社會影響，對社會產生進步，揭示心靈，思考人生意義，對人類本身進行人文關懷，具有宗教情懷，才是對一幅攝影作品好與壞的基本評判。

亞歷克斯·韋博的攝影結構豐滿，呈現了多重決定性的瞬間，畫面明暗對比強烈，產生豐富色彩，立體感強，被街拍者追捧學習。

美國攝影家劉易斯•海因，是第一位利用攝影作品推動了社會變革的攝影家，他拍攝的童工作品最後促成了美國國會頒佈《童工法》，廢除了童工制度，禁止使用童工，他拍攝的5000張照片成為歷史證據。

我們日常的拍攝應該稱之為圖片，如果稱其為作品，個人認為，真正的攝影作品不僅能帶給人們美的享受，更應該具有人文關懷和宗教的情懷。

其實每個人在初學攝影時，都會有這樣一個頗有些痛苦的階段：不知道自己的照片是好是壞，不知道該如何提高，而那些被許多人捧為“大片”的作品，又很難發現其中到底好在哪。我也經歷過這個階段，後來明白因為這時的我們對攝影瞭解的確太少，所以我個人覺得作為初學者來說，客觀評價和分析一張照片還是需要多瞭解一些攝影知識甚至是攝影史。

打個比方：這就好比很多人也會有這樣的疑問：為什麼畢加索的畫我看都看不懂，但是能賣這麼貴？正是因為看不懂，不瞭解這幅畫在美術史中的意義，對藝術史產生了什麼影響。或者這幅畫有什麼故事，這幅畫有一些什麼內容。

你看到的自然就只有那些抽象的臉和線條。

同樣的，你對構圖沒有了解，你自然發現不了其中的奧秘。

舉個栗子：

這張照片，給你的第一感覺是什麼？是不是有一種和諧、統一的感覺？但是你能明白是為什麼嗎？

答案在這裡：

當時知道答案之後，一下子沒太明白。把這一頁硬是看了30分鐘。。。才發現畫面中每個物體的擺放都是精心設計安排的。如果我不看下面的解釋，我想我很難發現其中的奧秘。

這還是這一個例子，還有很多的例子就不一一列舉了。所以說到底，還是要多拍、多想。對攝影瞭解的多了，可以去分析的內容也就多了，因為你看到了別人看不到的內容。

以上。

[參考資料：攝影師的思想：邁克爾·弗里曼攝影構思與創作 ]

這是一個非常好的話題，因為現在社會上人人一部手機，大家都在用手機拍照，但絕大多數人拍出的照片美感不足，流於簡單的記錄，究其原因，歸根結底是人們對攝影知識掌握的很少。

所以我認為各級攝影家協會有責任和義務去宣傳、普及攝影知識和舉辦攝影展覽，從而提高大眾的審美水平和攝影意識，不要求拍的多好，但至少能懂得欣賞一幅攝影作品吧。

當我們具備了攝影的一些基本素養，就可以評判一幅攝影做品的好與壞了，當然，對一幅作品的評價，不能僅憑個人的好惡，它有一套科學的分析方法。

一幅作品如果主題表達鮮明，我們從作品中能讀懂創作者的意圖，體會到作者對所表述現象的思想和情懷，從而有所觸動、感悟到人生的某些哲理，甚至這幅作品對社會的某個方面能產生一定的推動作用，那麼我們就可以認為這是一幅成功的作品、一幅好的作品。舉個典型的例子，大家都知道解海龍，上世紀八、九十年代，他參與了中國青少年發展基金會推廣的希望工程活動，拍攝了大量貧困地區教育狀況的照片，其中的代表作《大眼睛》被希望工程作為宣傳標識在各大媒體廣泛報道，他利用攝影推動了希望工程的發展，推動了社會進步。

一幅優秀的作品不僅要有明確的主題，也要有良好的表現形式，從而達到內容與形式的完美統一，這樣的作品才能更有感染力。

1、看主體、陪體和環境的邏輯關係

一幅作品如果沒有一個鮮明的主體，就顯得言之無物，主題不明確；一幅作品如果沒有有機的陪體，表現手法就比較單一，沒有襯托和對比；一幅作品如果沒有與主體關聯的環境交代，畫面的立意就受到影響、不利於意境的渲染，總之，一幅好的作品既要有鮮明的主體，也要有陪體和環境的有機襯托。

主陪體的呼應

2、看點線面的構成

攝影是二維平面的視覺藝術，點線面是構成二維平面的基本元素，因此合理佈局點線面，可以達到秩序畫面、美化畫面的效果。

點線面的表現形式是複雜多樣的，透過畫面中點線面的分析，就可以從平面構成這個側面反映出作品藝術含量的高低。

“點”的分析——如何提煉場景中的點元素，點在畫面中的位置安排，點和周圍元素的對比，諸多點的平面構成形式等等。

“線”的分析——線的各種表現形式：水平線、斜線、曲線、匯聚線等，以及不同形狀的線條對人不同的心理作用，多條線的組合排列所形成的節奏和韻律等等；

“面”的分析——面的有序組合和排列，面的色彩對比等等。

在攝影創作中，將自然景物中的點線面提煉出來和合理佈局在畫面中，需要我們有一雙慧眼，也就是我們俗稱的攝影眼，攝影眼的培養不是一朝一夕的功夫，需要我們長期的訓練才能養成，平時也要多看一些好的攝影作品，多看一些其它門類的藝術作品，從而提高自己的美學修養。

點線的表現

點線面的表現

3、看畫面影調的表現

影調是攝影畫面中黑白灰的不同表現，分為高調、中間調和低調，不同的影調帶給觀眾不同的視覺和心裡感受，高調明朗、低調沉鬱、中間調層次豐富，根據需要，用不同的影調來為主題服務，從而表達不同的情感。

高調的表現

4、看畫面色彩的構成

一幅作品中的色彩不宜過多，一般不要超過三四種顏色，否則畫面顯得凌亂，容易產生視覺干擾。另外我們需要了解色彩理論，掌握色彩的屬性和特點，例如根據色相環上色彩所間隔的距離，我們可以把色彩分為鄰近色和對比色，在經營畫面的時候，當我們用鄰近色來結構畫面，那這幅畫面就給人以和諧的視覺感受；當我們用對比色來結構畫面，就可以用色彩的對比效果來突出主體。概括地說，熟練掌握色彩理論知識，合理組織和利用不同的色彩來經營畫面，才能創作出好的攝影作品。

色彩的對比

5、看作品空間的佈局

色彩的對比和節奏韻律

6、看作品用光的技巧

攝影是用光的藝術，相信大家都聽過這句話，但是對初學者來說，能有所領悟和深刻體會的真的不多。光有自然光和人造光之分；光有軟硬、方向、冷暖的屬性；光在畫面中還有高、中、低的調性。只有全面掌握了光的本質以及表現形式，才能在攝影上熟練應用；另外，對安塞爾.亞當斯的區域曝光法應該有所瞭解，它可以幫助我們熟練分析場景中的光比，可以指導我們合理佈局主陪體以及選擇環境。

總之，賞析一幅攝影作品，評判其藝術的高低，我們要從以上羅列的方方面面對作品進行科學地分析，這樣才能公正地評判一幅作品。

評判一幅攝影作品的在於它是主觀得，每個人都有不同的方式來評估他們是否喜歡照片，進行影象批判。但是他還是有標準的！

一張好照片有兩個部分：

第二方面可以勝過第一方面，但是第一方面永遠不會勝過第二方面。

1.技術上好嗎？

不同的攝影師有不同的工作流程，但通常大多數情況下，首先要檢查照片在技術上是否良好，因為老實說，模糊或聚焦不良的照片首先就會pass掉的！當然，如果你的創意就是需要模糊的效果另當別論！因此，評估特定照片的第一步是檢查其清晰度是否良好，色調範圍是否合適，陰影和高光之間的對比度是否良好。構圖是否能突出主題？

2.照片有趣嗎？

最重要的是，照片必須具有一定的吸引力，一張好的照片是能夠一下子抓住觀看者的視線的，照片所表達的主題是否能夠打動觀賞者，攝影師就是用照片來講故事，傳遞自己的思想！所以一幅好的照片一定要有鮮明的主題！

攝影作品沒有好壞之分吧，只是每張照片對攝影師來說，都有著不同的意義。不能說是評判好壞，只能說是攝影作品的鑑賞，可以從以下幾個方面來看：

一幅好的照片，首先吸引你目光的一定是它的構圖。好的構圖不會沿襲別人的手法，應該是有個性的、獨特的。它所反映的主題應該突出，不呆板。

對於彩色照片，應該色彩豐富、鮮豔、冷暖搭配得當；而黑白照片則應該對比明顯、柔和。

每一幅照片都有它的主題和主體，不是主體的部分都應該虛掉或暗淡下去。背景要乾淨，不能喧賓奪主，避免包羅永珍，什麼都照下來，結果什麼都沒突出。

一幅好的照片出現在你的面前，應該使你感到非常震撼。它不僅反映的畫面有時代氣息，而且很有獨特的個性。

逆光、側光、順光、頂光、底光、自然光、反射光等光源，如果運用得當，就能反映主體和整個畫面的內容。

一般來講，一幅好照片，運用逆光和側光的比較多。除非是紀實性的新聞片或藝術照片，順光是很難出好效果的。

前景、中景、遠景都要清晰明朗。

如黑白效果、油畫效果、水彩畫效果、版畫效果、雕塑效果、條紋效果、水紋效果等等。這樣，照片就有了特殊的美術效果。

如何評判一張攝影作品的好壞，前提是要剔除大部分業餘愛好者拍的一些不具備合格標準的照片，許多在網路上發圖自我感覺良好的江湖人士，裝置很牛，影像很low，都不在評判之內。

看攝影作品的優劣，首先得對攝影的門派風格有大概的瞭解;

1.繪畫主義攝影

2.印象主義攝影

3.寫實主義攝影

4.自然主義攝影

5.純粹主義攝影

6.新既物主義攝影

7.超現實主義攝影

8.抽象主義攝影

9.堪的主義攝影

10.達達主義攝影

還有一些攝影大師;攝影之父路易-雅客-讓-達蓋爾、有些繪畫風格的奧斯卡-古斯塔夫-雷蘭德、佈列松，法國攝影大師，現代新聞攝影之父。阿爾弗雷德-艾森斯塔特等（拍世紀之吻的那位）。

看多了攝影優秀作品，便具備對照片好壞的基本判斷，很多答友講到的基本要素就不需要在複述。任何行業都需要對行業內的知識有一定了解，而不是盲人摸象，隔山侃牛。

作為攝影愛好者當然沒必要一定要了解許多的流派與大師，也不需要把這些看的太過高深，但需要掌握基本的構圖美感，畫面的主題要明確，曝光要準確有層次，避免自以為是的過多後期修飾。多看多拍便具備評判一張照片是否好壞的起碼認知。

好照片是有標準的，只是不同階段（攝影師和觀眾的年齡及閱歷、文化修為等）有著不同的標準，簡單說下教科書的好照片的標準:1.主題突出。2.有引導線，把觀者目光引向主體，構圖主體突出。3.畫面簡潔。其實大家心裡都有不太相同的好照片的標準，我自己的好照片的標準就是“賞心悅目”，就是當我們看到照片讓我們眼前一亮，看到它讓我們心靈快樂、安靜和過目不忘；還有一種“賞心悅目”是，讓我們看到照片後不忍多看幾眼，已經心痛難忍，它的“刺點”深刺我心，讓人過目不忘，比如下面的2張照片就是這樣:所以好照片是兩個過目不忘，一個是讓人心情愉悅的好照片，一個是讓人心疼的好照片。總結:好照片就是讓我們過目不忘、給我們帶來愉悅和心疼的照片就是好照片。

[怎麼判斷一張攝影作品好不好？有什麼標準或技巧嗎？]

我們可以從攝影本身出發，來探討如何拍攝一張傑出作品。

作為一名攝影師，應追求三個拍攝原則：

1.一個鮮明主題

2.能把注意力引向被攝主體

3.畫面簡潔

其次，我們來看一下，一張好照片與一張傑出照片的區別：

1.清晰表現被攝主體

2.表達出一個普遍意義的主體思想

根據以上這幾點，再去讀圖，可以判斷出一幅作品的優劣。

用《美國紐約攝影學院攝影教材》的三項基本原則來判斷照片好壞

也許大部分人都一樣吧，看到一張照片，不知道它好不好，有些獲獎作品，我們覺得一般，但它卻能獲獎，有些自認為不錯的作品，卻評價不高，而且，就算是知道一張照片好，但也說不出好在哪裡。我平常都會上各種好的圖片網站看看好圖，但一直是隻知其然不知其所以然，直到看了《美國紐約攝影學院攝影教材》的三項基本原則，才開始學會判斷一張圖片的好壞。所以跟題主分享一下那三項基本原則吧。

首先一張好的照片要有一個鮮明的主題，能讓讀者一眼看過去能知道它想要表達什麼，一個人，一個什麼樣的人，一件事物，一件什麼樣的事物，甚至是一個故事。所以好照片的第一個判斷標準是有一個明確的主題，再進一步，一幅傑出的作品還要有一個普遍性的主題，能表達某一型別的人，某一型別的事物，這種普遍性更能引起共鳴。所以這本書建議我們在看到一張照片時首先要學會思考：這張照片表達了什麼主題？有什麼普遍性寓意？是什麼表現出這個寓意？

這是攝影師Jagdeep Rajput拍的兩頭大象，大象和小象的嬉戲明確地表達出之間的大象母子間的其樂融融。它所包含的普遍性的寓意——親情，母愛，這是一個永恆的主題。

所謂的主體呢也就是常說的趣味中心，就是畫面中能第一眼吸引你的注意力的東西，如果沒有，那麼這個照片可以說是失敗的。其實所謂的構圖也就是透過合理的畫面佈局把讀者的視線引到被攝主體上去。所以其次要觀察的是：剛剛我被這張照片的什麼點吸引住了嗎？

這幅希望工程大眼睛《我要讀書》，這雙眼睛當年打動了無數人啊，第一眼就被這雙眼睛深深吸引住了有沒有！

大家常說攝影要做減法，其實做減法的目的就是為了使畫面簡潔，去掉那些多餘的與主題沒多大關係的東西，畫面中事物太多容易分散注意力，畫面簡潔，才能突出主體，進而突出主題。所以最後要考慮的是：這張照片有沒有多餘的東西干擾了我的注意力？

這是愛爾蘭科克Brendan O Se用手機拍的一雙碼頭工人的手，就算不看文字說明，你也能第一時間明白這是一雙勞動人民的手，飽含了生活的辛酸。這張照片把手以外的所有事物都剔除掉了，視線完全被這雙手吸引住。

做完這三步曲，基本上就能判斷一張照片的好壞了，慢慢地自己拍攝的時候也可以先考慮這三個問題，這樣自己的攝影水平也會有很大提升的。當然了，就像有一千個讀者就有一千個哈姆雷特，看照片也是這樣的，根據每個人當時的心境、閱歷、背景等的不同，相同的照片也會產生不同的感受。這三個基本原則是教我們普遍性的判斷方法，有些照片沒有達到這三個要求，卻在某一瞬間打動了我們的心，會引起了共鳴，那對於個人來說那也是好照片。