首先就算是寫生其實最求一摸一樣的顏色這是一種誤區，色彩講的是大關係，每一筆色彩都和周圍的色彩相互交織影響，顏色上去只要不是很礙眼很挑脫，那就是可以接受的。

再次如果一定要追求顏色的一摸一樣，你也說了有照片那就有電子版，用電腦開啟放入ps，用吸管吸取你要挑的顏色，然後可以很精確的分析顏色所佔比例，作為參考，你就可以調出接近的顏色，然後自己微調。多練習慢慢的你自己就會有顏色分析能力了。祝願你早日達成調色神技。

調色公式：

熟 褐 色 = 檸檬黃 + 純黑色 + 玫瑰紅

粉玫瑰紅 = 純白色 + 玫瑰紅

硃紅色 = 檸檬黃 + 玫瑰紅

暗紅色 = 玫瑰紅 + 純黑色

紫紅色 = 純紫色 + 玫瑰紅

褚石紅 = 玫瑰紅 + 檸檬黃 + 純黑色

粉藍色 = 純白色 + 天藍色

藍綠色 = 草綠色 + 天藍色

灰藍色 = 天藍色 + 純黑色

淺灰藍 = 天藍色 + 純黑色 + 純紫色

粉綠色 = 純白色 + 草綠色

黃綠色 = 檸檬黃 + 草綠色

墨綠色 = 草綠色 + 純黑色

粉紫色 = 純白色 + 純紫色

咖啡色 = 玫瑰紅 + 純黑色

藤黃色 = 檸檬黃 + 玫瑰紅

土黃色 = 檸檬黃 + 純黑色 + 玫瑰紅

不管什麼顏色注意 ：只能用2-3種顏色調出來，過多的顏色，調出來的非常的不純。

、真正的調色不能在調色盤上，而應在畫布上，只有畫面才能告訴你需要什麼顏色。寫生作畫，眼睛基本不看調色盤，而看畫面與物件。即使在調色盤上取用幾種顏色也是簡單地調合，在畫面上才是最後的綜合。如果在畫板上調得過分均勻，色感必單調死板。

此外，畫面存在未乾的顏色，調色時必須考慮畫面顏色成分，如果在調色盤上調準了顏色，加上畫面已有的底色又會變得不準。

、顏色種類不必太多，十多種即可，它們是：白、檸檬黃、中黃、土黃、金土黃、(或生赭)、桔黃、硃紅、西洋紅、深紅(或紫紅)、淡紫紅、土紅、熟褐、粉綠、土綠(或橄欖綠)、翠綠、湖藍、群青、黑。19至21種顏色即可。

、調色盤上放顏色的順序，基本可按前面所提顏色順序排下來，暖色放一邊，冷色放一邊，而每一種顏色又由淺到深排列，如檸檬黃、中黃、土黃、生赭......這樣就有一種素描深淺之概念。假如在畫很深顏色的暗部，需要再亮一點暖一點，就可試調生赭，不夠再用土黃，再不夠可用中黃，以此類推。畫暗部千萬不可亂用白色，一用白色就不透明瞭，顏色發粉。

、白、土黃、土紅、熟褐、土綠、翠綠、群青、黑，是油畫的基本常用色，它們也不易變色。熟褐、深紅、翠綠是暗部用色的三個寶。土黃、土紅是亮部的基本常用色。檸檬黃是風景作品中高光、逆光、亮部很可貴的顏色，色感較冷。

土綠(或橄欖綠)、中綠，對畫樹而言，起萬能的作用，如樹的暗部土綠加熟褐，偏冷可加群青，樹的亮部中綠加土黃、檸檬黃，夕陽或秋葉可再加桔黃。

、頭像暗部：土紅加象牙黑(北歐學派，較透明)，土紅加翠綠(東歐學派)。如果用硃紅加中綠也可產生相當不錯的暗部色彩。粉綠、淡紫紅是臉部和人體中間過渡面的調合色。 畫很白的女人體，白、土黃、土紅、粉綠、中綠是基本用色，有時需要硃紅。

室內頭像高光：白加象牙黑，少量土黃。要學會運用象牙黑。暗部、亮部、中間色調都可用，往往同白色一樣重要。顏色粉，往往問題產生在暗部，暗部不透明，畫粉了，整個畫面就會太粉。

、在同一物體的同一色彩中還會有冷暖的變化，不會絕對均勻，肯定有偏藍紫或偏黃綠等色，如果對色彩敏感，是可以感覺得到的。

因此在每一區域性色塊中，都應有所選擇，把最美的色彩傾向擴大為整體的色彩。如果每一區域性色塊都有所取捨和提高，整體的色彩感就比真實的色彩更加完美。要養成會找好看色彩的傾向。

、如果要形成色調，要肯定色調總的傾向，然後在調色上加以處理。例如金黃色的秋天，總傾向是偏黃色的調子，以中黃為基色。就可在暗部、亮部、天、地、樹等一切色塊中，成分不同地調入中黃。

要大面積色彩調合，小面積色彩對比。可以適當把冷色加暖，暖色變冷，色彩會更加好看，如冷紅、暖灰。

、透明覆色

即用不加白色而只是被調色油稀釋的顏料進行多層次描繪。必須在每一層乾透後進行下一層上色，由於每層的顏色都較稀薄，下層的顏色能隱約透露出來，與上層的顏色形成變化微妙的色調。

例如在深紅的色層上塗罩穩重的藍色，就會產生藍中透紫即冷中寓暖的豐富效果，這往往是調色盤上無法調出的色調。

這種畫法適於表現物象的質感和厚實感，尤其能惟妙惟肖地描繪出人物肌膚細膩的色彩變化，令人感到肌膚表皮之下流動著血液。它的缺點是色域較窄，製作過程工細，完成作品的時間長，不易於表達畫家即時的藝術創作情感。

、不透明覆色

也稱多層次著色法，作畫時先用單色畫出形體大貌，然後用顏色多層次塑造，暗部往往畫得較薄，中間調子和亮部則層層厚塗，或蓋或留，形成色塊對比。由於厚薄不一，顯出色彩的豐富韻意與肌理。透明與不透明兩種畫法沒有嚴格的區別，畫家經常在一幅畫作中綜合運用。

表現處在暗部或陰影中的物象時，用透明覆色法可以產生穩定、深邃的體積感和空間感；不透明覆色法則易於塑造處在暗部以外的形體，增加畫面色彩的飽和度。19世紀以前的畫家大都採用這兩種畫法，製作作品的時間一般較長，有的畫完一層後經長期放置，待色層完全乾透後再進行描繪。

、不透明著色

也稱為直接著色法、即在畫布上作出物象形體輪廓後，憑藉對物象的色彩感覺或對畫面色彩的構思鋪設顏色，基本上一次畫完，不正確的部位用畫刀颳去後繼續上色調整。這種畫法中每筆所蘸的顏料比較濃厚，色彩飽和度高，筆觸也較清晰，易於表達作畫時的生動感受。

19世紀中葉後的許多畫家較多采用這種畫法。為使一次著色後達到色層飽滿的效果，必須講究筆勢的運用即塗法，常用的塗法分為平塗、散塗和厚塗。平塗就是用單向的力度、均勻的筆勢塗繪成大面積色彩，適於在平穩、安定的構圖中塑造靜態的形體；

散塗指的是依據所畫形體的自然轉折趨勢運筆，筆觸比較鬆散、靈活；厚塗則是全幅或區域性地厚堆顏料，有的形成高達數毫米的色層或色塊，使顏料表現出質地的趣味，形象也得到強化。

要觀察照片的明度、色相和純度，從大的方向向小的方向選擇顏色。

大部分顏色都是可以調出來的。個別區域性顏色調不出來可以暫時放一下，不必管它。隨著作畫的程序進行，畫面逾加豐富，這時你會發現，你苦苦尋覓的顏色不經意間出現了！如果至始至終想要的顏色也沒有出現，怎麼辦？沒問題，我的回答:不管它。為什麼這麼說，因為我們想想作畫的初衷是什麼？是創作。那就不必要求自己畫的和照片一模一樣，“藝術源於生活而高於生活”。不必完全照搬照片上的顏色，要加入自己的理解、思想和看法。這些在畫面裡是看得出來的。一味要求畫面顏色和照片一樣是一種不敢大膽創作的表現。其實，照著照片畫這種行為在老一輩畫家眼裡也是不鼓勵的，應儘量寫生為主。寫生的好處太多了。

關於調色的問題。顏色不僅是在調色盤上調的，也可以在畫布上調。這樣能調出意想不到的效果，畫面更加豐富、立體。

油畫顏料與感光顏色區別非常大，隨著科技的發展照片與人眼的感覺會達到高度一致，如果是你在畫風景取其意就夠了。

畫油畫寫生的時候總是調不出照片中的顏色怎麼辦？

我認為不用刻意的去跟照片中的顏色一模一樣，只需要你自己的畫面之中和諧就可以。就拿風景來說，比如整個照片中的色調是偏黃的，那你的第一筆也許偏綠了，我覺得你可以把其他物體景物的顏色，野畫的頻率，紅色就偏菊，綠色就偏黃綠。我覺得整個在你的調子裡是和諧的就OK。不用刻意去追求，跟照片中一模一樣。

我自己也是學習油畫專業，後又從事藝術教育，我個人認為油畫調色你需要綜合衡量，抓重點

第一 如果你是照片寫生，那調出來的顏色和照片肯定有差別，照片是經過處理出來的顏色和原物肯定有差別，調色只能是接近，不可能完完全全的一樣，你只抓整體畫面顏色和諧就可以，如果是想畫寫實，你只抓物體材質，畫出質感就可以

第二 油畫調色需要多對比，每一種顏色需要多少都要注意，畫錯可以用刮刀颳去，在從新上色，但學會總結，到底是因為多色還是少色

總得來說，這個調色都是自己經過長時間的畫畫總結，經驗積累得來的，不會有一個色譜照抄，那樣油畫也太死了，色彩是多變的，每個人的理解和感受是不同的

從專業角度來看，如果你畫太陽，你有可以和太陽亮度一樣的顏料來匹配嗎？顯然不可能。我們其實只是重新建立了一個畫面關係，這個關係可以體現太陽與周圍環境的關係。也就是說畫面與物件是平行關係而不是重合關係。那麼你對照片時候也一樣，不存在具體某一筆色彩準不準，是你的畫面關係能否體現照片的色彩關係。

繪畫盡量以寫生為主，按照片畫不是不可但要心中有圖。畫之貴貴有我，風格才是一位藝術家語言真正成熟的標誌，沒有自我風格的作品都是徒勞的！

現在網上有很多繪畫全過程的教學影片，認真地看、細心的體會就是了。尤其是風景畫大師的作品過程相當有意思。。。不要看那種“抽象派、野獸派、刮刀厚彩派，”中國某些大師亂搞亂哈的“創作”影片～切記。

1⃣️首先我覺得你應該多看看一些優秀的大師作品，他們並沒有追求和照片中一樣的顏色，很多帶有個人的主觀色彩，形成自己的特點

2⃣️色調不一定要追求和原物一模一樣，不要偏差太大即可，主要還是色調的統一，讓人看起來很舒服

3⃣️色感有些人是天生的，有些人可以通過後天的努力去彌補，如果你一定要畫的和照片一樣也可以，要多觀察，多調色，畫多點小色稿，區域性細畫，練多了慢慢就能調出來

4⃣️看你問題過於急了，你要知道畫畫是需要心態平靜下來才能做好，有時候我們一個月也不一定進步，但是不堅持畫肯定進步不了，量變之後才是質變

5⃣️如果你是十來塊錢的顏料，很多是幹了之後有很大色差的，建議換點好顏料，那感覺會飛起，一分錢一分貨

畫油畫寫生調不出照片的顏色，不管你是不是初學者，也不管你是不是在表現古典油畫或者是印象派、後印象派油畫等等也好，在寫生的時候首先要明確一點，所調出的顏色要遵循自己所畫的畫面的協調感。

我這裡有三大建議來幫你解決問題。

1、先放空自己，放下手中的筆，把注意力先不要盯著你現在的所畫的作品上。原因是畫畫需要找感覺，也就是我們所說的畫感。當你全身心的投入到一張作品中，時間久了，人的審美以及大腦會出現嚴重的疲勞狀態，在這個時候，我們要做的就是需要休息，可以找些自己能夠放鬆的娛樂方式，轉移注意力，休息好了，再回來調色試試。這個時候需要我們思考以及改變之前的調色方式，在寫生作畫時，我們的眼睛基本是不看調色盤，而看畫面與物件。

2、繼續學習，找些油畫調色方面的知識，深入瞭解調色的技法。你調不出顏色有一個很大的原因就是你個人的調色方面的基礎不夠紮實，繪畫經驗不足導致。特別是學習古典油畫的時候，很多細微的調色都是跟你個人使用的松節油，調色油，以及你個人在攪拌顏料調色的時候使用的份量有很大的關係。這個時候就是需要我們更加潛心學習，可以找些相關的油畫調色方面的影片資料，觀看之後再去嘗試別人的方式方法。

3、請教比你畫的好的朋友或者老師。三人行，必有我師焉。學習寫生油畫時，想要吸取更多的繪畫經驗，交流式學習會讓你有更大的進步，有問題請教別人，會事倍功半。就比如油畫當中的一些技法的使用，調色的一些特殊的方式方法，都是可以從交流中學習到的。

畫油畫寫生時，總是調不出照片中的色彩？

個人拙見，恕我直言，首先親創作的思想就不太對

無論是油畫創作，還是油畫寫生，無論你是面對實物寫生，還是以照片為參考素材創作，都不應該照搬自然，包括照搬自然的色彩

對於油畫寫生，還是油畫創作而言，你應該考慮的問題是，這幅畫面怎麼構圖，怎麼安排大色調，怎麼安排色彩關係，怎麼營造畫面氛圍和意境

而不是強求畫面的色彩效果如同你面對的風景，大自然，素材照片上的色彩一模一樣，為什麼

對於繪畫創作而言，比如你創作一幅風景油畫，面對一處風景

你需要自己組織畫面構圖，組織畫面色調，大關係，疏密關係，營造畫面表現風格，意境

而你面對的風景，僅僅只是你作為創作時參考的素材

對於油畫寫生，或者創作 ，切忌不能照搬自然，就是說把你看見的景物原封不動地搬到畫布上去，不然你是達不到藝術高於生活的境界的

對於親創作一幅油畫，一定要注重畫面整體色調的和諧搭配

如果親以照片為素材創作油畫的話， 如果你只是負責原封不動全盤照抄，把照片放大搬到畫布上的話，那麼這種創作是毫無意義的

有時候一張照片 ，如果不是專業攝影師拍攝的照片，其照片中的色彩不一定和諧，不一定適合油畫創作

比如剪影攝影創作，是不適合油畫創作的

而且你參考的照片，如果一旦色調不和諧，還需要你主觀修改調整畫面色彩，所以說，繪畫藝術的創作，是畫家面對創作素材，主觀創作，去粗取精，提煉藝術化處理的過程

對於古代國畫家，甚至把大自然斑斕豔麗的色彩營造成黑白灰水墨意境

對於親而言，你首先要考慮好你的創作意圖，如果你想創作意象油畫的意境，大自然五彩斑斕的色調，你需要主觀營造成清新，淡雅，中國畫般詩意的意境

所以，建議親創作時，改掉照搬照抄照片中色彩的習慣。

回答完畢

畫油畫寫生的時候總是調不出照片的顏色

油畫和攝影被稱之為“姐妹藝術”，它們兩者之間在表現技巧和視覺形式上有許多可以相互借鑑之處，所以攝影師把照片拍成油畫般的古典美，或者畫家把油畫描繪的和攝影照片一樣光滑透亮，這都是有可能的事情，事實上，也是存在的，超寫實主義油畫就和攝像照片一樣，相似度可以說是99%，

畫油畫寫生的時候，總是調不出照片的顏色，這主要的原因是對各種色彩的特性和視覺感受不太瞭解，或者說，沒有達到“瞬間”就可呈現的記憶程度，瞭解掌握各種色彩的特性，絕對是一件很複雜又漫長的事情，因為不同的色彩之間相互融合又會產生新的色彩，

要在油畫寫生創作時，調出和照片一樣的顏色，或者說照片那樣的效果，沒有捷徑可走，只能日復一日不停的畫，可以先對著照片來練習，邊練習邊記憶，不過，可以從那些沒有表情又色調單一的物象開始練習，比如，清澈的水、藍藍的天，這樣在練習時就顯得簡單些，不用在意物象的形態動作表情……，

當能把那些色調單一的物象畫的和照片一樣時，無形之中就增添了自信心，學習就是要先易後難，先簡單後複雜，如果一開始就練習那些色彩多樣的物象，這是會打擊自信心的；我們要記住，油畫和攝影是有“構圖”的，一幅畫或一張照片是有很多物象、元素組合起來的，在練習調色時，所以就可一種色彩一種色彩的進行練習，然後再二種或多種混合後的色彩進行練習，總之就是臨摹描繪、增強記憶力。

其實如果照著樣品去調色是沒任何意義的，臨摹除外。在畫畫的時候，一定要在心裡有個預估的基準。比如要冷色系還是暖色系，偏哪種冷，那種暖，再加上自己的情緒色，比如高興，歡樂，悲哀，內疚……把這些綜合起來，定了大基調，顏色就好畫多了。而不是去抄顏色。就像唱歌一樣，同一首歌開心時唱和悲傷時唱味道就不一樣。知道了這些，你就能畫出不一樣的畫，顏色也就自然不一樣了。

油畫和攝影是視覺效果的光影藝術，兩者之間在表現構圖技法和色彩調配上可相互借鑑，創作出各自形式特點、別具一格的藝術作品。油畫和攝影都是以構圖和色彩組合而成的藝術作品。色彩是油畫和攝影作品的生命，一個沒有色彩的油畫和攝影作品就象死神一樣。色是光之子，光是色之母。

一、畫油畫寫生的時候，總是調不出照片中的顏色，這主要是對色彩的光色和色調特性沒有掌握好，而造成了調不出照片的顏色。要調出照片的顏色，必須掌握各種色彩的特性功能。例如人面部的紅色意味著憤怒或興奮，藍色、綠色的面色表示病態。紅色天空預示壞天氣，而藍色預示晴天。油畫作品的冷色調為白、藍、綠；暖色調為紅、黃、橙。

二、油畫寫生創作時，要調出和照片一樣的顏色，就要多練習堅持不懈地掌握色彩特性、色彩搭配、色彩渲染等效果，在借鑑攝影照片的色彩進行對比、捉摸、調配，就可以調出個照片一樣的顏色。油畫的色彩調色的練習，不要急於求成，要循序漸進的理解、參照、臨摹的練習，就會調出和照片一樣的顏色。

三、在油畫作品中同樣的色彩在不同畫面中，就有不同的視覺效果。大海和遠處山嶽的藍色會使人們心醉，然而同樣一種藍色用作室內裝修，就似乎是神秘的、氣死沉沉的、恐怖的感受。紅色充滿著溫暖的Sunny，使人精神興奮，熱血沸騰，紅色又可表現戰火紛飛戰鬥的場面。

首先，我有疑問，寫生畫照片是什麼？

寫生是直接面對物件進行描繪的一種繪畫方法，有靜物寫生、人像寫生、風景寫生等多種根據描繪物件不同的分類。

1.真正的調色不能在調色盤上，而應在畫布上，只有畫面才能告訴你需要什麼顏色。

2.在同一物體的同一色彩中還會有冷暖的變化，不會絕對均勻，肯定有偏藍紫或偏黃綠等色，如果對色彩敏感，是可以感覺得到的。

3.要確定‬色調總的傾向，然後在調色上加以處理。

油畫寫生，說明你面對的應該是正當時的風景或人物，而寫生時的色彩感覺很重要，還有就是個人的色感也很重要，這兩個可以成就我們畫面所呈現出來效果。拍照片回來看著照片畫，如果要畫成照片那樣，那就是畫照片。但如果看照片進行油畫創作，就需要有取捨，要去照片化，個人愚見，我也在不斷的學習中，共勉吧。