藝術先鋒派在極權主義統治下必將枯萎，博伊斯在自己的創作中融入商業上的成功，是想建立更大的政治空想。與此同時，博伊斯本人為成為一個具有社會影響力的教師表現出狂熱和執著。博伊斯堅定地認為美術學院作為傳統的藝術教育場所，需要新的定義，他為革新教育體系承擔了很大的責任。個人行動具有的更為廣闊的背景，是大學成為反文化運動和表現方式革命發展的天然基地，在高等教育層面，反文化運動帶來的主要結果都是消極意義的。激進的60年代，取得的文化上的成就反而加強了官僚意識的延伸，尤其表現在犧牲傳統和個人精神氣質上。在各種學院中，越是學生激進力量強烈的地方，官僚機構更著力於維護高等教育的公共想象。

正是這樣的博弈之中，博伊斯的出現成為打破固有教育結構的典型事例。這位德國最桀驁不馴的藝術家，其角色的重要性，體現在兩個同時並行的方面：1.創作2.教育

本人拙見，僅求共同討論而闡述自己的意見 藝術概論上關於博伊斯的“人人都是藝術家”的評價中指出：人人都是藝術家，等於說人人都不是藝術家。這樣是否定了藝術家存在的價值和意義，否定了社會分工的必要，我認為作者所要表達的意思是： 這個觀念提出不符合當前時代的時代發展實況，馬克思的共產主義社會的情況是博伊斯提出“人人都是藝術家”的理論來源。但是目前的社會發展實況是距離共產主義社會我們還有很長的一段路要走，因此這個觀點在當前提出有點不合時宜。他否定了專業人才的培養所需要學習的理論知識，否認了歷史發展程序中人類對於規律的總結和實踐的應用，偏激點說就是每個人不用學藝術理論及相關的知識就會創作出符合藝術創作規律的藝術品，沒有學習本書《藝術概論》的必要～～

解答這個問題，首先要對博伊斯的話有正確的理解。博伊斯說：人人都是藝術家。他的作品是藝術對日常生活的介入與思考。藝術不只是藝術家的作品，每個人以充滿生命力的態度獨立思考，擁有自由自在的創造力與想象力，都是藝術家。自由，等於創作，等於人類，生活本身就是創作的表現，創作也是人類存在的唯一可感形式。

藝術概論上關於博伊斯的“人人都是藝術家”的評價中指出：人人都是藝術家，等於說人人都不是藝術家。這樣是否定了藝術家存在的價值和意義，否定了社會分工的必要，我認為作者所要表達的意思是： 這個觀念提出不符合當前時代的時代發展實況，馬克思的共產主義社會的情況是博伊斯提出“人人都是藝術家”的理論來源。但是目前的社會發展實況是距離共產主義社會我們還有很長的一段路要走，因此這個觀點在當前提出有點不合時宜。他否定了專業人才的培養所需要學習的理論知識，否認了歷史發展程序中人類對於規律的總結和實踐的應用，偏激點說就是每個人不用學藝術理論及相關的知識就會創作出符合藝術創作規律的藝術品，沒有學習本書《藝術概論》的必要。

我認為博伊斯的原意是“人類活動只有透過社會藝術才會發生改變，他甚至可以改變世界本身關於資本的概念”人人都是藝術家實質是在說“未來的社會設計師”它不僅僅包括我們狹隘上指的繪畫雕塑裝置行為等藝術，而是全社會的各個行業。希勒曾說過“對人類最有價值的定義就是將人類定義為藝術家”。所以這裡所指“人人都是藝術家”並不是指人人都去畫畫等藝術創作。

從人類對自身生活的要求來說，一旦脫離溫飽問題就會向高層次享受型發展，必然要求自己的衣，食，住，行等基本要素有審美要求，穿點衣服都要大方得體美觀，住的地方要舒適要裝修有藝術品可欣賞，食物要色香味具全，行為上要談吐文雅，這些都是人們基本的藝術需要，每個人對生活中的事物都有藝術訴求，愛好與評價，在這個層面上說確實人人都是藝術家，不過人人都是後就是太普通也就是人人都不是藝術家，生活與藝術沒有邊界，只有相通性！

但是真正的藝術家包括音樂家，歌唱家，油畫家，書法家，國畫家等不僅僅是有普通的審美眼光與需求，他們還需要精通所在領域的理論與技巧，能夠創作出超越普通人水平的音樂，歌曲，油畫，書法，國畫等作品，讓人們從欣賞中享受藝術的美！

首先藝術與生活，二者是雞與蛋的關係，又是水乳交融的關係，兩者的界限不那麼清晰，但是要分清，卻又是可以分清的。

哲學裡面，有一個“物質”和“意識”的辯證關係:物質決定意識，意識依賴於物質並反作用於物質。

說得很抽象對吧?我們把詞換掉，你就能稍微明白一些了——自然、生活決定藝術審美，藝術審美依賴於自然生活並反作用於自然生活。

再比如傳說傳世名瓷的汝瓷，就是宋徽宗一日看到雨後天青的顏色，感覺特別美，便令工匠造了同色的汝瓷，

還有一次，北宋政和二年上元之次夕（即公元1112年正月十六日），都城汴京上空忽然雲氣飄浮，低映端門，群鶴飛鳴於宮殿上空，久久盤旋，不肯離去，兩隻仙鶴竟落在宮殿左右兩個高大的鴟吻之上。引皇城宮人仰頭驚詫，行路百姓駐足觀看。空中仙禽竟似解人意，長鳴如訴，經時不散，後迤邐向西北方向飛去。當時徽宗親睹此情此景興奮不已，認為是祥雲伴著仙禽前來帝都告瑞——國運興盛之預兆，於是欣然命筆，將目睹情景繪於絹素之上，並題詩一首以紀其實。

古人看到自然界美的事物，就想辦法記錄下來，或者對其稍加粉飾，不斷嘗試著最佳化自然的美，久而久之，人們的審美慢慢定型，有了評價標準，人們製作符合這些審美標準的作品，作品就變成了一件件精美的藝術品。

比如下圖商周玉器上的花紋，既能看到大自然的元素，又能看到人們對其的粉飾加工。

別急，馬上就說到了——先問一個問題:上圖的茶壺和玉器是做什麼用的？

聰明的你當然有了正確的回答:拿來用的唄！——沒錯，這就是藝術和生活的聯絡，也是藝術和生活的邊界。

2.藝術與生活的聯絡

藝術與生活，恰恰就是靠著他們的邊界來產生聯絡、互相影響的，就像你只有靠你的手上的面板，才能感受手上的一件物品的質感一樣。

除了藝術家，還有很多科學家善於總結自然生活中那些美的規律（下段引用自百度百科）:

笛卡兒是法國17世紀著名的數學家，以創立座標法而享有盛譽。他在研究了一簇花瓣和葉子的曲線特徵之後，列出了x3+y3-3axy=0的曲線方程式，準確形象地揭示了植物葉子和花朵的形態所包含的數學規律性。這個曲線方程取名為“笛卡兒葉線”或“葉形線”，又稱作“茉莉花瓣曲線”。如果將引數a的值加以變換，便可描繪出不同葉子或者花瓣的外形圖。

我們若仔細觀察常見的車前草，就不難發現，它們的相鄰兩片葉之間的弧度大小非常接近，都為137.5°。其他許多植物的葉子也像車前草一樣，兩葉間的弧度為137.5°。科學家觀察發現，按照137.5°的排列模式，葉子可以佔有最多的空間，吸收最多的陽光，獲取最多的雨水。

1979年，英國科學家沃格爾用計算機模擬向日葵果實的排列方法，結果發現，若向日葵果實排列的發散角為137.3°，那花盤上的果實就會出現間隙，且只能看到一組順時針方向的螺旋線：若發散角為137.6°，花盤上的果實也會出現間隙，會看到一組逆時針方向的螺旋線；只有當發散角等於137.5°時，花盤上的果實才呈現彼此緊密鑲合、沒有縫隙的兩組反向螺旋線。這個統計結果顯示，只有選擇137.5°的發散角排列模式，向日葵花盤上的果實排列分佈才最多、最緊密和最勻稱。

137.5°有何奇妙之處呢？如果我們用黃金分割率0.618來劃分360°的圓周，所得角度約等於222.5°。而在整個圓周內，與222.5°角相對應的外角就是137.5°。所以137.5°角是圓的黃金分割角，也叫“黃金角”。經科學家實驗證明，植物之所以會按照“黃金角”——137.5°排列它們的葉子或果實，是地球磁力場對植物長期影響而造成的。

如今，建築師們已參照車前草葉片排列的137.5°模式，設計出新穎“黃金角”高樓，達到每個房間最佳採光、最佳通風的效果。（完）

看——人們總結出來的藝術和自然規律是不是反作用於生活，讓生活更加富有美感的同時，又提升了生活質量？

3.藝術和生活的邊界

藝術修養有多重要？

一些財大氣粗的土豪，喜歡大、貴、繁的木雕家具，經常是暴殄天物，好的資源掌握在不善於利用、毫無審美的的人手裡，是這些好材料的悲哀。

作為一個讀過幾本書的人，還是建議大家多讀一下一些美學普及讀物，提升自己的審美標準，也讀一讀諸子百家，體會一下“道法自然”。這樣才有利於理解“藝術”與“生活”的關係，有了好的審美標準，才可能對兩者有明確的邊界感。

其實我囉嗦了那麼多，不就是在說“道法自然”這一句話嗎？

“收藏界對博伊斯是很瘋狂的，有人說他生下來就是一件作品，去世後是另外一件。他一生留下的所有作品都有人收藏。”

　　約瑟夫·博伊斯是誰?

　　你也許從未聽過。但有一句話你一定聽過：人人都是藝術家。這正是博伊斯“社會雕塑”理論的核心。

　　他的理論影響整個世界，也包括正處於改革開放後正“瘋狂”吸收西方藝術各種因素的中國。可惜的是，缺乏相同發展環境的許多號稱繼承了這種藝術觀念的人，還沒有理解博伊斯，就將他的想法“生吞活剝”，給自己貼上了觀念藝術家、行為藝術家的標籤。

藝術與生活無邊界，所謂的邊界都是人定的。藝術來源於生活，生活需要藝術。非得給出邊界，就要對物，對人，對空間…簡單的說，打比方，同樣的一塊木頭，放在普通人手上就木頭；放在藝術家的手上，就是作品！博伊斯說人人都是藝術家，並非說人人都能成為藝術家。也只能符合當代藝術的範疇。

如果放在現代藝術或者古典藝術，也就不合適。所以說藝術與生活的邊界只能相對而論。

欣賞博伊斯“人人都是藝術家”的口號，博伊斯相信感受自己的直覺，挖掘潛力，每個人都能成為藝術家。

　 博伊斯是當代藝術家、行為藝術家，他把藝術和生活聯絡起來，用行為去闡釋他的思想並與人交流。參與與互動，大家變成了一個藝術行為的一部分。

生活和藝術的邊界是清晰又不可分的。杜尚簽了名的小便池的展覽被選為20世界最有影響的藝術之一，而衛浴店的小便池依舊是生活用品。“西方歷史上有兩條平行流淌的河流，一條是以基本生活為目地的社會史，另一條是尋求精神自由和超越的藝術史”，可見，二者邊界是清晰的。

一千個人有一千個哈姆雷特，一千個人有一千個生活藝術家。人人即是參與者也是創造者，獨特的個體體驗，也會融入新的藝術形式，很多直播裡的網紅，在新媒體平臺上，個個活成了生活藝術家的樣子，模糊了藝術的邊界。

二者有無邊界，是個哲學命題，仁者見仁，智者見智啊！

1、關於“人人都是藝術家”。

藝術來源於人類生產生活，大膽一點講，那就是每個人生產生活中都是可能活或者就是藝術家，比如自身的生活行為、生活方式、情緒表達、創造發明、認知理解等，都可以被稱為藝術—生活的藝術！也從而說明每個人都有創造藝術的權利、也有欣賞藝術的權利，藝術面前人是平等的，創作者沒有身份的限制，作品自然也無高低貴賤，如果一定要有個標準，那就是讓人賞心悅目、讓人有情、感上的共鳴，有美的價值等。所以說藝術屬於所有人類，人類都是藝術的創作者何欣賞者，故“人人都是藝術家”。

2、關於藝術與生活的邊界。

這個問題很簡單，俗話說“藝術來源於生活，但高於生活”，邊界是不是說的很明白，如果就以前或者就學術理論而言，這句話確實依然存在。但是就人類而言，發展至今，人類知識普遍提高，多元文化快速發展，使得這個邊界錯綜複雜，越來越模糊，何況藝術本來就來源於生活，回到問題，藝術與生活的邊界在哪裡？在每個人的心裡。

藝術沒有那麼神秘，人類生產生活中處處都是，人人都藝術家。拋開學術而言，藝術和生活更沒有明顯的邊界，要說有那也只能是在每個人的心裡，認知理解上的不同。

藝術可分為時間藝朮和宮間藝術兩種，藝求原自生活，但又不同於生活，它是將生活中的亊例歸納，演繹，再抽象概括，使之成為比生活更加精練的作品。

“人人都是藝術家”的提出已經過去幾十年了，這一著名論斷雖然是觀念藝術的代表人物博伊斯提出的，但最初的源泉在杜尚。他雖然不是觀念藝術的鼻祖，但至少是觀念藝術的重要思想源泉。

杜尚的出現改變了西方現代藝術的程序，他用現成品打破了藝術史的壁壘，突破成規與觀念，將藝術與生活的距離拉的更近了。

“現成品”是什麼？現成品可以理解為拿來主義，藝術家將生活中的物品直接或間接經過簡單地加工後成為自己的藝術作品，物品原來的物理屬性和意義已經被藝術家的個人情感和藝術的意義所取代。

1917年，紐約獨立藝術家協會要舉辦一次展覽，作為評委之一的杜尚化名“R.Mutt”，把一個從商店買來的小便池簽上名並命名為《泉》送去參展。這件作品立刻遭到了獨立藝術家協會的拒絕，當然，他們不知道作者是當時赫赫有名的杜尚。看到同行們的反應，杜尚終於驗證了自己的預測，他明白自己的藝術觀念太超前，時人無法接受，於是他立即退出了獨立藝術家協會。

杜尚把小便器搬到博物館，用這個現成品向人們提出了這樣的疑問：到底什麼是藝術品，什麼是藝術？藝術與生活的距離有多遠？他們的邊界在哪裡？

答案似乎是仁者見仁，智者見智。

當小便池在原來那個衛生間的牆上時，它是常態，其作用就是一個生活中的潔具。當杜尚將它擺到美術展覽廳的木架上時，它就是一件偉大的藝術品，是帶著對藝術發展文明的思考而存在藝術品。當然這個小便池如果擺在衛生潔具展銷會的架子上，也不會達到杜尚的《泉》這件作品的高度，因為它沒有對人類的文明提出探索的最終歸屬還是衛生間。

這也論證了博伊斯提出的“人人都是藝術家”的論斷。藝術與生活的邊界也是清晰可見的：藝術不僅僅是藝術家的作品，只要帶著對生命的探索，用充滿想象力和熱忱的態度自發去進行創造，藝術就在我們生活的周圍。藝術是鮮活、充滿生命力的，藝術不全是曲高和寡、高不可攀的精英藝術。藝術是人人都可能成為藝術家的藝術。

後現代主義強調人人都是大師，這是這個時期藝術特質，主流藝術變得越來越模糊，藝術專業界限也在逐步消亡，如果不用畫用文字，數媒或聲音，舞蹈或表情等多樣化方式傳達表達述求和心聲，人人也就都可以成為藝術家。

我們每個人在自然界從事的活動構成了我們的日常生活。而藝術，就是透過對這些活動進行認知、感悟、提煉、加工，並透過一定的形式再現出來。藝術的形式十分多樣，其中表達的生活場景也形態萬千，例如，有人利用音樂來表現雪山與高原，有人利用戲曲來描繪男女愛情，有人用繪畫來描繪“古道西風”的悽美，有人用攝影來表達“烽火連天”的戰事。而生活的節奏也不是一陳不變的，它的不斷變化為藝術的發展提供了新的思路。

　　一、生活是藝術唯一的源泉

　　我認為，說生活是藝術唯一的源泉一點也沒有誇大其詞。這是因為，無論藝術的形式如何變化，它唯一的目的就是在於“服務於生活”。在我們所知道的眾多藝術的起源學說中，最為人們所認可的就是“勞動說”。達爾文的進化論告訴我們，人類是從類人猿進化而來的，但是，起初人類並沒有具備類人猿專門化的生存能力。於是，為了適應環境，人來開始製造工具，這就為藝術的起源創造了條件。當然，這一個階段人類造物的目的在於滿足生存的基本需求，但是，隨著社會結構和生產力的發展，“造物”不單單要滿足生存需求，還要符合人們的審美藝術。

　　此外，藝術是由藝術家創造出來的，從這個角度來講，更加符合“生活是藝術唯一的源泉”。這是因為，藝術家本身就是生活中的人，他們的藝術作品中富含著生活的經歷，烙印著生活的氣息。無論多麼抽象的藝術形象都能夠在生活中找到與它相對應的原型。此處以我們中華民族的圖騰“龍”為例，它的構成就是對自然界中蛇、蜥蜴、鱷等動物的身體部分進行組合形成的。

　　二、藝術應當是對生活的提煉與昇華

　　馬克思曾經說過這樣一句話：“勞動就是創造了人的本身”。起初，人們為了生存和生活，一切勞動都不具備任何的審美性質，那個階段，藝術與生活還是“一體的”，也就無所謂孰高孰低。但是，隨著社會的進步，伴隨勞動的藝術形態也得到了發展。從奴隸制社會到公元前5世紀，國內外學者們提出了一系列的藝術理論，為藝術創作奠定了良好的基礎。藝術便逐漸從生活中分離出來。大批藝術學家開始探討藝術與生活的關係。並提出，雖然生活和藝術兩者都具有獨特的美感，但是藝術的美應當是一種高於生活的美，它是一種更加理想、強烈的美感。

　　三、藝術與生活“水乳交融”

　　從藝術的發展歷程中可以明顯的看出，藝術與生活的關係經歷了3個時期，第一個時期即遠古的融合時期。第二個時期就是藝術逐漸與生活分離開來。而第三個時期，就是經歷過“浪漫主義”與“現代主義”後，藝術與生活的界限逐漸模糊了起來。也就是藝術與生活的再融合時期。藝術與生活的融合不但體現在眾多藝術品與人們日常生活用品的難以區分，也體現在大眾文化的興起改變了人們的藝術觀念上。藝術作品中日常性的氣息不乏多見，在這個階段，大眾通俗藝術成為主流。藝術與生活的分離與再融合，體現了兩者之間密不可分的關聯性，就像是“藝術進入生活”、“生活進入藝術”，使得日常生活更加具有審美化，而藝術作品更加具有生活氣息。

　　四、藝術與生活“各自精彩”

　　當今社會中，電子媒介盛行，資訊全球化。我們每天獲得海量的資訊，各種高精尖的技術被用於人們的日常生活中，使得人類的生活出現了巨大的變化。與此同時，藝術也出現了翻天覆地的變化。就如前文所述，我們的日常生活更加藝術化，而藝術也趨於生活化。然而，藝術與生活的交融並非就是說藝術等同於生活。也許有人會奇怪，為什麼非要將藝術與生活區分開來？這兩者具體區別是什麼？又或者好奇為什麼藝術是生活的特異化而非趨同化。我個人認為，這個問題的答案因人而異，因為這個世界本就充滿了變化，沒有變化就不會有新的因素。所以，我覺得藝術與生活之間相互交融的同時也是相互區別的，他們之間各自精彩，人類才能夠生生不息，處處生機。

人人都是藝術家，這句話讓我想到安迪沃霍爾說的“每個人都有15分鐘的成名時間。”人人都有創作的原有天分，只不過有些人不曾給自己的天分成長的空間。我們要做的也許就是認可自己的藝術細菌，並催發出來而已，但這並不簡單。

對於“藝術和生活的邊界”，生活要求到極致就是“雅的生活藝術”，將生活過得俗不可耐，日復一日那就是俗的生活藝術，邊界，極其模糊。

“人人都是藝術家”，這句話的深刻性是基於生活本身就是一門藝術而說的。 我們每個人每天都在生活，生活中的大事小物，如果要幹得出色，都是含有藝術性的。所以才有“藝術源於生活，”之說，緊接著說“又高於生活”，則是把藝術和生活的界限分開了。

在生活中發現了藝術素材，然後篩選，創作，加工，讓這些素材以更為豐富的內容和形式呈現出來，讓它們具有大眾普遍的認同感，能帶動和感染別人效仿和學習，這就是藝術。 設若你所做的事情，和別人毫無二致，固定於一種模式和內容，沒有太多的可取之處，這就是普通的生活。

打個比方，就拿做飯來說，以同樣的食材做飯，有的人也許並沒有心思和能力講究技巧和刀工，也不會把控火候，只是粗枝大葉把飯做熟了，填飽肚子固然沒問題。而有的人就追求花樣，精工細作，做得色香味俱全，並拍成影片讓大家學習和欣賞，那麼前者就是生活，後者則昇華為了藝術。

我們通常談到藝術，腦海裡首先想到的是繪畫、音樂、書法、文學、舞蹈等等高雅的東西。其實，我們普通人的生活中，把花養好是藝術，把飯做好也是藝術；佈置房子是藝術，打扮得體也是藝術……我感覺，大人物有大人物的生活和藝術，普通人有普通人的生活和藝術。如果非要區分生活和藝術，讓它們涇渭分明，那麼，每一件事情，做得按部就班，毫無新意，就是生活；而如果能做得精緻動人，別出心裁，就是藝術。

博伊斯的“人人都是藝術家”是指每個人都是自由的，都具有思考能力，都有成為藝術家的可能。

生活就是藝術，是一個方向的問題。你在日常生活中，也可以過的很有詩意，很有藝術感，並不是苟且的過日子就是藝術，而是過精神生活的日子，還是生活的藝術。

其實這個話，就是一個悖論。因為人人都是藝術家的時候，藝術就是我們的基本能力，藝術就不叫藝術了。就像你覺得吃飯眨眼是藝術嗎？

這句話是當代藝術基本導向，他與藝術不藝術其實關聯不大，主要涉及到了國家的政治鬥爭。

下面我們引用河清的論述：

何為“當代藝術”？其最主要的特徵是：日常物品就是藝術品，日常生活就是藝術。就是說，藝術與生活沒有區別，人人都是藝術家。

“當代藝術”的祖師爺法國人杜尚，曾在1917年把一個小便池作為“藝術品”送去展覽。此事半個世紀後被美國人奉為樣板，把日常物品拿來裝置陳列起來，就成了“波普藝術”。波普Pop，即“流俗”之意。1964年，美國波普教父沃霍爾，在地上堆了一堆西紅柿湯料的箱子，指之曰：這就是藝術品。於是這些箱子就被點化為“藝術品”。義大利人曼佐尼用自己大便製作了90盒《藝術家之屎》的罐頭，以黃金價出售，有一罐現被收藏在巴黎蓬皮杜現代藝術博物館！

“當代藝術”強調這些日常物品是表達“觀念”：哥賣的不是俗物，而是“觀念”。在失去了“美術”的觀賞性後，“當代藝術”還有一個特徵，是其金融投機性，完全成了金融產品。杜尚的小便池，1999年就拍到176萬美元。英國“當代藝術”巨星赫斯特的一個藥櫃子，從最初的十幾萬英鎊，十多年後被炒到1000多萬美元。

小便池都成了“藝術”，藝術變成一個指認和命名日常物品的活動，成了一種真正的指鹿為馬，點石成金的現代巫術。事實上，西方有識之士也指出了“當代藝術”的欺詐性。英國著名評論家羅傑·斯克魯頓，去年底在BBC新聞雜誌激烈批評西方“當代藝術”是“撒謊和造假”。法國著名哲人波德里亞爾也明確斥責：“當代藝術一錢不值！”

2008年西方爆發金融危機以來，西方對“當代藝術”的金融投機日益力不從心。一些“當代藝術”的國際掮客和代理人，正加緊對中國民間進行“當代藝術”的忽悠。各種經營“當代藝術”的民間“美術館”，在各地出現。

人們可以問一個很簡單、也是最根本的問題：小便池究竟是不是“藝術品”？這是一個關乎“當代藝術”是不是藝術的根本問題。“當代藝術”圈從來都不敢將其拿到公共平臺上，讓大家來評判討論。筆者認為，把小便池說成是藝術品，完全是一種洗腦式的欺騙。指認、命名日常物品為藝術品，是一種危害性巨大的金融騙術。

博伊斯宣稱“人人都是藝術家”，我認為只是說，人人都有成為藝術家的機會。尤其在經濟發展，文明發達的今天。每個人都有機會展現自己的“行為藝術”和藝術行為的時候。

人人都是藝術家

事實上，現在就已經進入了“人人都是藝術家”的時代了，抽象派繪畫就是最好的證明。觀察我們這個世紀的藝術，時常能看見一些新穎而生疏的東西，但假如我們知道一點20世紀的西方藝術，就該承認，那些看起來似乎是生疏的東西，常常是新舊思想的結合，

不過話說回來，那些新舊思想結合的抽象藝術作品，或者說工藝品，它們在過去，是絕不會被看成“藝術”的，但是經過20世紀的諸多藝術試驗、藝術運動，得到的結論是：藝術就是任何人想要把它表現為藝術的東西，就是人的創作技能，而幾乎每個人都具備創作技能，

換句話說，具有創作技能的人就可以稱之為“藝術家”，形象理解，藝術家就是對周圍事件作出反應並把這種反應放到他自己的“創作”中去的人，或者說，是那些能夠把自己的內心實在和自我想象現之於形體的人，由於人人都能感知日常的現實，而且人人都有自我想象，反以人人都是藝術家，創作出來的東西都是藝術品，

然而，當人人都是藝術家之後，藝術和生活的邊界就顯得很模糊了，因為人的思想太多了，一億個人裡面有一億種思想，20世紀的西方現代主義畫家杜尚就說“繪畫是思想的產物”，言外之意是，可以盡情發揮想象，怎麼畫都行，原本一切形式的抽象畫就不模仿現實生活，當人人都是藝術家時，這種現象還會更普遍，表現出來的東西會和日常世界脫節更遠。