我一直有這樣的困惑，各種時裝週裡面的衣服都誰家穿了？如果平時在大街上見一個穿的會感到很奇怪。有的人說專門為明星走紅毯設計的，那衣服銷量會很小。大設計師設計的衣服普通人沒法穿。但是如果普通人都能穿的衣服參加比賽又贏不了，好矛盾呀！

謝邀：各種時裝週裡面的衣服，也許設計師都為了達到不同凡響的效果，引人注目，吸人眼球，都帶有奇裝異服的味道，而且比較另類，那都是模特T臺走秀穿的。看起來穿在模特身上都很酷，很帥，很炫，很美的衣服，卻不適合大眾生活中穿著，確實平常人穿的話，還真有點怪怪的感覺，當然也不能一概而論，有的衣服還是能引領時尚潮流，為人們所喜愛，變成一種流行趨勢的，那就是帶有街頭風格的衣服！

時裝週是以服裝設計師以及時尚品牌最新產品釋出會為核心的動態展示活動，也是聚合時尚文化產業的展（zhuang）示（bi）盛會，一般都在時尚文化與設計產業發達的城市舉辦。

每一次的時裝週不僅提前揭示和決定了當年及次年的時尚潮流趨勢，釋出的服裝是時尚元素的集合和導向，是對時尚元素的誇張，放大，只是一個風向標，意思就是所有的時尚元素能流行起來都是在造勢，造勢，造勢。也給很多高街品牌（如zara、topshop等）提供抄襲，哦不，是設計的靈感參考！

總之，只要你敢穿。。。。。。。。。

其實並不會。一套T臺look各種元素疊加器來比較吸睛，現實中大部分消費者購買穿著的不是整套而只是一件單品，所以並不會顯得太誇張。另外，許多衣服走秀時為了誇大視覺效果，會刻意放大衣服區域性尺寸以適合模特穿著，到消費者手裡又變回正常size的了

時裝週的衣服不是拿來穿的，而是給人看藝術理念的。讓人知道藝術的延伸性和創造性的。

當然，也有部分時裝週的衣服是可以穿的，例如明星們穿的大牌。

時裝秀一向有著“不就是一群穿著奇裝異服的人在臺上走來走去”的名聲，比如像這樣↓

每每看到時裝秀上，模特們穿著設計奇葩的衣服一本正經地走貓步，我們難免會想，這麼不切實際的衣物設計出來到底是幹什麼使的？到底想不想讓人穿啊？

說起時裝秀，不得不說的一個城市，巴黎。1391年, 法國王后伊莎貝拉用木材和粘土製成真人大小的人體模型，穿上新穎的宮廷服裝，作為禮物贈送給英國王后安妮。這種玩偶當時被稱為“時裝玩偶”，它與今天陳列在時裝店的人體模型已經十分相似了。

△19世紀的玩偶模特兒

19世紀40年代，“高階時裝之父”查爾斯•沃斯沃斯在巴黎一家銷售羊絨披巾、大衣及裝飾品的商店裡工作，他把模特從玩偶換成了真人，取得了良好的推銷效果。

用時裝表演的形式來促銷時裝很快被業內認可，成為時裝設計師向顧客展示最新款式設計的最好方式。當時模特表演僅僅是穿上時裝，在客戶面前即興的走走停停，讓客戶看清楚時裝的面料和花色而已，並沒有什麼走臺的標準。

△服裝界超現實主義創始人艾爾薩•夏帕埃裡30年代設計的龍蝦裙

這種款式到現在還不過時，不信你看↓

△掌握時尚界生殺大權的安娜•溫圖爾在2012年Met Ball上穿的裙子，那一抹蟹鉗

夏帕埃裡設計的高跟鞋帽子在當時也非常典型↓

最近這些年，時裝表演形式更加進入多元化發展時期，秀場上出現越來越多讓人捉摸不透的藝術性設計，實用性幾乎為零。

那是因為時裝秀不再像它剛開始那樣只是單純地營銷要賣出去的服裝，更多的是偏向藝術上的審美和創新，而不是實用性功能。從這一點上看，模特身上穿的東西和展覽裡的藝術品意義差不多。

雖然設計師並不指望有誰會花錢買下自己設計的這些“奇裝異服”，但是展出這些服裝是要花不少錢的——平均一場秀要花費大約4萬美元。這些秀的作用在於宣傳自身品牌，以及讓別人瞭解設計師的風格，甚至碰撞出藝術的火花或者更多設計的靈感。

每個季度展出的系列都會有特定的主題，航海風、鄉村風、維多利亞風……當秀結束以後，這些東西會被時尚界人士轉化成能穿的款式，在成衣店或商場裡售賣。T臺上那些服裝的顏色、面料和大概的審美會保留，但那些怪異的特點，比如走秀的模特頭上戴一個手提包這種東西會被砍掉。

當然，這些不實用的服裝還是會等到第一個吃螃蟹的人的，那就是明星或者鉅富，偶爾會穿著設計誇張的服裝出現在公眾面前。