理論是必不可少的，俗稱的作曲四大件：和聲、復調、配器、曲式都應由淺入深的瞭解，但不要被理論框住。另一方面是要保持內心的敏感，對聲音還有對自己的感覺，才能更好的將自己的想法用音樂表達出來。多分析他人的作品也是很有必要的，然後自己要多練，寫多了就能寫的。

首先建議學習一門樂器——完全不會樂器的作曲者偶爾也有，但很少。樂器入門的過程中，可以結合耳朵的聽覺訓練，從而學會基本的樂理知識；擁有基本的樂理知識，瞭解音樂作品的結構組成並且養成基本的藝術聽覺之後，學習後面的作曲內容才不會像聽天書。同樣地，學會一門樂器到一定程度，也能更加明白演奏者是透過怎樣的方式去提升“表現力”的，而情緒表現力的好壞本身就是作曲好壞的評判標準之一。

接下來就是跳不過去的四大件：和聲，復調，配器，曲式。它們分別代表了音樂的各個維度的特徵——和聲代表泛音頻率的構成；復調決定了聽覺中的“音樂形象”的構成；配器則是對常見的樂器有聽覺上的辨別能力和使用經驗；曲式則是樂曲段落的結構設計。這也是通用的藝術評價標準，熟悉這些標準的話，也能從這些維度更好地理解其他作曲家的作品。

再就是視唱練耳的訓練也必不可少，它直接提高了音樂敏感性，決定了你對作品寫作思路的感知能力。

還有一點必不可少的是音樂史，它是千百年來人類文化智慧的傳承，瞭解前人的藝術發展規律，也能更好地對現在繁複的音樂形態有一個更清晰的認識。

至於識譜，寫譜那些，其實都歸在基本樂理的範疇了。

有需要的話，也需要學習一定的聲學知識和音樂心理學知識，以及美學，心理學方面的藝術概論。某種意義上，作曲家也是一個高度複合的工作，工程師的方向和藝術家的方向，都必不可少。

作曲首先看什麼樣的作曲。一個是流行音樂 寫一下單旋律也叫作曲，另一個是管絃樂隊的總譜也叫作曲。先說最容易達到的第一種吧。首先最好會一個能彈奏和聲類的樂器。比如吉他，鋼琴之類的。學會後能很自如的切換和絃，多多掌握和聲連線的套路。比如4-5-3-6-2-5-1啦，或者1-7-6-5-4-3-2-5的和聲進行錄製下來。 然後再彈奏裡面的和聲內音，隨便的組合和節奏的變化。這樣旋律就已經寫出來了。細細的打磨打磨就會變得很好聽啦。但前期沒有自己的特色，所以寫出來感覺和很多歌旋律都很像。其實沒關係一般作曲大師都是從模仿開始，才慢慢找到自己的風格的。加油吧。我是從27自學的音樂，放棄了之前的工作就想完成自己的夢想。現在再一家聲音後期做影視編曲的工作，很開心。寫的如果不對請見諒。因為我還在路上。

我覺的學作曲的應該多種技能於一身，首先會一種以上和聲樂器，然後會演唱，同時對樂理知識非常瞭解，這樣才能遊刃有餘的徜徉在音樂海洋裡，創作優美絕倫的作品！