通常好萊塢商業片會在半個小時左右提出第一個「情節點」，以此來交代主角在電影中大部分時間裡要乾的事情（或者說是主人公要完成的不可能完成的任務），這點也是型別片永遠不能繞過的環節，《火星救援》主人公要「挑戰野外生存極限」；《異形》要冒生命危險去某個星球採集外星生命等等。其實《銀翼殺手2049》也沒有脫離這個規矩：在電影半個小時左右，K 的 Boss 給他佈置下了新的任務:找到複製人生下的孩子並殺了他（她）。當然，這個任務的魅力跟那些什麼拯救地球啦、探測外星生命啦可沒法比，我想相當一部分觀眾看到這裡也就謝一半氣了。更甚者，這一偵破與執行命令的故事線很快也被淡化了，隨之而來是主人公的自我懷疑與探索，甚至主人公和那個電腦智慧人的愛情戲都偏離了執行任務的主線，這難免是偵破片的大忌；
▲編劇用大量篇幅講述 K 背後的生活狀態
好萊塢商業片通常會在第二個情節點發生180度的大轉彎：《異形》在船員離開那個詭異的星球后，看似脫離了危險，然而那個怪物卻突然從宇航員的肚子裡鑽了出來；哈里森·福特在《證人》中本應該作為偵破人去查案的，卻一瞬間成了嫌疑人，被警察通緝…所有這些情節的設定目的便是在於加強故事的節奏，把故事推向最終的高潮，沒有幾個導演敢輕易違背這一原則。而我們的這部《銀翼殺手2049》呢，在主人公 K 意識到自己可能就是那個複製人的後代，走出大門後，沒有任何的驚險場面，很自然的，警車來了，將他帶回警局受審了。一切表現的如此淡然。由此可以看出，導演和編劇在故意弱化這一可能取悅大眾的機會。
當然，慢不代表沒有節奏，就像那些慢搖擺樂、Bosa Nova 一樣，沒有「咚呲噠呲」不代表節奏感就不強。我清楚地記得安東尼奧尼在《放大》中就討論過類似的問題：節奏的融合不代表就要機械地跟隨速度搖頭，而是要在一個節奏型下創造另一個聲部，相得益彰。《銀翼殺手2049》中的畫面與音樂速度恰好跟主題要探討的東西融合到了一起，視覺上的第一感受讓人如此陶醉。
在電影視覺中，通常黃色代表的是希望，沒錯，《銀翼殺手2049》中的黃色也是希望，這個希望不單是 K 的，也是裡克·迪卡德（哈里森·福特飾）的，也是華萊士和他製造的所有複製人的。只是，這個希望的特別之處在於，導演把它跟「毒氣」捆綁了起來。就像那隻落在 K 手上的蜜蜂一樣。
這種希望正如人類嚮往和追求科學一樣，它參雜著慾望和自我犧牲為代價。
4、電影音樂
如果就音樂本身而言，《銀翼殺手》和《銀翼殺手2049》兩部電影的原聲音樂，我一定是更喜歡前者。Vangelis 的創作充滿了想象力，光是這盤電影原聲，就足以構建起一個龐大的科幻世界了。相比下 Hans Zimmer 則更像個學院派的高階音樂技師，中規中矩，你找不出什麼瑕疵，但也不會有太多的激動。尤其是像《銀翼殺手》這種又髒又有個性的黑色電影。
但反過來再一想，畢竟電影音樂不是電影中的主角，他的目的很明確，就是輔助電影主題的。如此看來，Vangelis 在《銀翼殺手》中的音樂表現反而有種搶戲的感覺（那音樂實在是太吸引人了）。反倒 Hans Zimmer 這個版本對於故事表達更簡潔直接了。
《銀翼殺手2049》電影的各個組成部分，我將給出自己的一些主觀感受與看法（本人才疏學淺，忘大家給予批評指正）。首先還是來看編劇。
1、編劇（故事節奏）
看慣了好萊塢大片的觀眾不難發現，這部電影在情節發展上跟傳統電影有很大不同，用一些網友的抱怨話講就是：劇情冗長疏鬆、主題不明確、沒有高潮…造成這種感覺的原因何在，我們來看：
通常好萊塢商業片前十分鐘就是吸引人眼球的，這就是為什麼我們看那些大片一上來節奏超快，演員也都很忙活，不是跑就是飛的：《碟中諜》也好，《駭客帝國》、《盜夢空間》也罷無不尊崇這一規律的。再來看看《銀翼殺手2049》的開端：
殺手不緊不慢地進入目標者屋子，靜靜地坐在沙發上等著被殺者回來。被殺者回來後兩人先聊會兒天，殺手還不忘問問鍋裡燉的是什麼…辦完事還沒完，殺手又在棵死樹旁待會兒，摘朵花（連個閃回提示都沒有，讓人莫名其妙）...；
通常好萊塢商業片會在半個小時左右提出第一個「情節點」，以此來交代主角在電影中大部分時間裡要乾的事情（或者說是主人公要完成的不可能完成的任務），這點也是型別片永遠不能繞過的環節，《火星救援》主人公要「挑戰野外生存極限」；《異形》要冒生命危險去某個星球採集外星生命等等。其實《銀翼殺手2049》也沒有脫離這個規矩：在電影半個小時左右，K 的 Boss 給他佈置下了新的任務:找到複製人生下的孩子並殺了他（她）。當然，這個任務的魅力跟那些什麼拯救地球啦、探測外星生命啦可沒法比，我想相當一部分觀眾看到這裡也就謝一半氣了。更甚者，這一偵破與執行命令的故事線很快也被淡化了，隨之而來是主人公的自我懷疑與探索，甚至主人公和那個電腦智慧人的愛情戲都偏離了執行任務的主線，這難免是偵破片的大忌；
▲編劇用大量篇幅講述 K 背後的生活狀態
好萊塢商業片通常會在第二個情節點發生180度的大轉彎：《異形》在船員離開那個詭異的星球后，看似脫離了危險，然而那個怪物卻突然從宇航員的肚子裡鑽了出來；哈里森·福特在《證人》中本應該作為偵破人去查案的，卻一瞬間成了嫌疑人，被警察通緝…所有這些情節的設定目的便是在於加強故事的節奏，把故事推向最終的高潮，沒有幾個導演敢輕易違背這一原則。而我們的這部《銀翼殺手2049》呢，在主人公 K 意識到自己可能就是那個複製人的後代，走出大門後，沒有任何的驚險場面，很自然的，警車來了，將他帶回警局受審了。一切表現的如此淡然。由此可以看出，導演和編劇在故意弱化這一可能取悅大眾的機會。
類似以上非正常型別片情節設定的橋段在《銀翼殺手2049》中比比皆是，於是，它便給大眾帶來了一種娛樂屏障。我不想過多闡述這些反商業片編劇模式的用意何在，只是一點：如果你想要嘗試喜歡上這部電影，那麼那些傳統商業片裡的編劇套路便是一個死衚衕。
有人說《銀翼殺手2049》劇情拖泥帶水，對此我恰恰意見相反。在此僅舉兩例便足以證明：
一個是在女 BOSS 得知 K 就是那個複製人遺孤時，沒有半句廢話，一個眼神+一句臺詞（你回去休息幾天）+加幾個音樂提示音（底鼓）便足以證明她的為人；
另一個便是喬伊（K的智慧女友）消失前說的那句「I love you」。這句話甚至都沒跟上一個相愛雙方的表情鏡頭就切過去了。這要換其他暢銷片子會成什麼樣子，不哭上十分鐘就不錯了！
2、攝影、剪輯的速度與節奏
還有一點讓觀眾不舒服不自在的是，作為一部科幻驚悚片，《銀翼殺手2049》的鏡頭運動、剪輯速度始終就沒快的起來，即便是原聲音樂的節奏加快，飛船也還是在大全景下緩慢地劃過畫面，長鏡頭，好一番優雅；那些打鬥的場面，鏡頭都不緊不慢地移動著，甚至直接用固定鏡頭。
當然，慢不代表沒有節奏，就像那些慢搖擺樂、Bosa Nova 一樣，沒有「咚呲噠呲」不代表節奏感就不強。我清楚地記得安東尼奧尼在《放大》中就討論過類似的問題：節奏的融合不代表就要機械地跟隨速度搖頭，而是要在一個節奏型下創造另一個聲部，相得益彰。《銀翼殺手2049》中的畫面與音樂速度恰好跟主題要探討的東西融合到了一起，視覺上的第一感受讓人如此陶醉。
3、電影色彩
如果要問 82 版的《銀翼殺手》給我的印象是什麼顏色，那一定是「黑」了。伴隨著那些潮溼、血跡、和雨（即便是在房間內，也是陰暗潮溼為主），可以說《銀翼殺手》是黑的徹底，黑的純粹。然而，《銀翼殺手2049》卻沒有一黑到底，比起前者，它似乎暖了許多，而這些暖來自哪裡，沒錯，就是那些「黃色」。
在電影視覺中，通常黃色代表的是希望，沒錯，《銀翼殺手2049》中的黃色也是希望，這個希望不單是 K 的，也是裡克·迪卡德（哈里森·福特飾）的，也是華萊士和他製造的所有複製人的。只是，這個希望的特別之處在於，導演把它跟「毒氣」捆綁了起來。就像那隻落在 K 手上的蜜蜂一樣。
這種希望正如人類嚮往和追求科學一樣，它參雜著慾望和自我犧牲為代價。
4、電影音樂
如果就音樂本身而言，《銀翼殺手》和《銀翼殺手2049》兩部電影的原聲音樂，我一定是更喜歡前者。Vangelis 的創作充滿了想象力，光是這盤電影原聲，就足以構建起一個龐大的科幻世界了。相比下 Hans Zimmer 則更像個學院派的高階音樂技師，中規中矩，你找不出什麼瑕疵，但也不會有太多的激動。尤其是像《銀翼殺手》這種又髒又有個性的黑色電影。
但反過來再一想，畢竟電影音樂不是電影中的主角，他的目的很明確，就是輔助電影主題的。如此看來，Vangelis 在《銀翼殺手》中的音樂表現反而有種搶戲的感覺（那音樂實在是太吸引人了）。反倒 Hans Zimmer 這個版本對於故事表達更簡潔直接了。
好多人覺得《銀翼殺手2049》中的音樂低音過重過偏，缺少了一些高音上的東西。說實話我在看第一遍的時候也這樣認為。那低音的確讓人感覺不舒服。然而在看完第二遍時，我想到一個問題：
像 Hans Zimmer 這種在電影原聲界幹了三十多年，為數不清的大片配過樂的牛人來說，他能沒意識到低音過重這點問題？反過來講，如果電影畫面能讓人感到未來的不適（陰暗、潮溼），難道聲音就不能了嗎。這是不是導演和音樂製作人故意為之，恰好迎合了電影中的那些垃圾場場、廢棄建築、賭氣、霧霾了…
5、瑞恩·高斯林 VS 哈里森·福特
我們暫且不說演技，單說兩位主角的形象氣質：
瑞恩·高斯林瘦瘦的，一副倒黴蛋、受氣包的形象，嘴角一抿的時候讓人感覺像個小混混（大概有《愛樂之城》的影響），充其量也就是個鬱郁不得志的小藝術家。因此，在看《銀翼殺手2049》之前我一直擔心他能否超越哈里森·福特。
當然，我的這個想法是建立在哈里森·福特標杆之下的，來看看哈里森·福特：高大、強壯，上來就一種不好欺負的感覺。再加上他天生一副偵探的臉（受《證人》影響）和一雙憂鬱略帶叛逆的眼睛。一句話，他就是當「銀翼殺手」的料！
兩個性格迥異的演員能怎樣唱好這場事隔三十年的戲，看完電影后，我才恍然大悟導演的用心良苦。尤其是瑞恩·高斯林站在橋上望著那個虛擬的女友喬伊之時。
那一刻，我感到的是一個普通人的渺小，一個連自己身份都不明確的底層人的渺小。而他面對的，是一個龐大的網路虛擬世界，是一個冰冷陰暗的城市空間。想想我們現在的世界，有多少人像 K 一樣迷失在自己信仰與生存的矛盾之中。想到這一點，我突然覺的沒有誰比瑞恩·高斯林更適合 K 這個角色了。
6、電影的空間
《銀翼殺手2049》的電影空間當然不止於那 162 分鐘內的劇情：
首先，電影的結局就是開放的。沒有一個人的結局是明確的，也沒有一個人的未來之路是明晰的。
其次，電影中所有的情節都是和 30 年前那部《銀翼殺手》緊密相連的，甚至和原著作者緊密相連。導演甚至為這部電影拍攝了三部短片作為補充說明。
所有這一切構成了這部獨具科幻氣質的電影，他沒有迎合大眾的口味，沒有高票房，或許在中國連個口碑都換不來，但，它便是科幻電影史的革命。也許再過數十年，它便能像《2001太空漫遊》、《銀翼殺手》一樣被永久載入電影史。