我覺得老版西遊記之所以成功，是因為導演也認真，演員也非常的敬業，一部電視劇想要成功就必須付出常人難以忍受的付出。

86版西遊記是所有西遊記中最經典也是評分最高的一部電視劇，86版了西遊記拍攝了好幾年，走遍了中國了大江南北，甚至去外國一些國家也進行取景拍攝，當時的拍攝水平又沒有現在那麼好；只有一臺裝置，楊潔導演和各位演員都非常的敬業，一個動作不標準就反覆的進行重新拍攝，西遊記又是中國的四大名著之一，拍攝經典了，可以向世界展示我們中國的神話經典小說，也可以補充我們平常人對經典的認識。

86版電視劇在各方面都做的不錯，不像現在的電視劇，那些明星大腕遇到危險的動作的時候，就會找替身來演，因為怕擔心自己受傷，所以現在的電視劇雖然在拍攝和剪輯方面都比以前的電視劇好，甚至特效都弄了比較好；但是看起來是真的沒有什麼味道，不知道他們注意到沒有，就是張衛健聯袂主演的隋唐英雄，裡面的武打動作，人物特效描寫，還有語言等方面都感覺是在降低隋唐演義裡面的英雄形象。

隋唐英雄最爛了就是張衛健的臺詞那句非常噁心的話，真的是貶低了歷史上了程咬金形象，所以說要演活一部電視劇，演員也要找對才能鑄就經典，不能為了只知道拍，不去問問觀眾們的意見。

86版西遊記之所以經典，歸根到底是演員的默默無聞，楊潔在整個過程的完美指揮造就西遊記的經典，關鍵也是那個時代人們追求的是經典，追求的是完美，不像現在拍攝的電視劇一點敬業精神都沒有，只知道賺取消費者的錢；看完了一點影響力都沒有。

老版《西遊記》之所以成功，歸功於時代，是那個時代造就了那樣一群吃苦耐勞、兢兢業業的人！

為什麼我把老版《西遊記》的成功歸功於那個時代呢？因為那個年代優秀的電視劇有許多，最具有代表性的就是“四大名著”影視劇，老版《三國》《水滸傳》和《紅樓夢》都是臺前幕後工作人員的心血，還有後來的《聊齋》《濟公》《封神演義》等。

那些年內地影視劇處於萌芽階段，演員們不像現在的演員們這樣浮躁，他們不怕吃苦，臺前幕後的工作人員對於影視劇都耗盡心血，都是一心想把藝術做好。

《西遊記》正是那個年代的產物，只是作為神話劇的先驅，相比同時代的其它作品它遇到的難度更大，更考驗臺前幕後的工作人員。

我們可以從《西遊記》來分析那些年經典的鑄成之路。

一、表現形式

楊潔導演在拍《西遊記》時宗旨是“忠於原著，慎於翻新”，故事可以在所改編，但不能太離譜。86版《西遊記》相比原著幾乎每個故事都有改編，但沒有觀眾認為那些改編雷人，因為它的改編不誇張，沒有偏離人們對傳統“西遊故事”的認知。

86版《西遊記》融入了中國傳統“猴戲”，可以說是中國傳統戲曲的集大成者。劇中的大部分演員或是戲曲演員、或是話劇演員，他們都用戲曲的表現方式完成了這部劇作。為什麼說這些戲曲演員出現在《西遊記》中不會令人齣戲呢？因為《西遊記》似乎天生就是為戲曲服務的。“西遊故事”源遠流長，它獨立的故事性就決定了它能成為戲曲的良好題材，自元明清以來，關於“西遊故事”的戲曲比比皆是。86版《西遊記》的表現形式正是借鑑了傳統戲曲，也因此老少咸宜，符合華人民的口味，各個階段的觀眾觀看看起來都不違合。

正是如此，許多人在觀看86版《西遊記》時都會認為劇中的天庭就是我們心中的天庭、龍宮也是我們想象中的龍宮，妖怪和神仙也與我們腦海中幻想中的一致。

二、演員的挑選

86版《西遊記》的重要演員都是導演精心挑選，只選對的，不選貴的。為了讓適合的演員出演，楊潔導演不惜食言（騙楊春霞出演白骨精卻沒讓她演西梁女王），不惜對特殊的演員出重金（花了1500元請王伯昭演小白龍），不惜臨場換演員（老鼠精原定演員演技實在不過關，最後換成了常青）……

三、實地取經

86版《西遊記》最大的特點就是實地取景，歷經數年，劇組人員跑遍了祖國各地，這些行程活脫脫就是現代版“唐僧師徒取經”。單看劇中景地，就能享受祖國山川的秀麗風景。

楊潔導演帶著劇組取景也並非隨便取景，而是儘量還原書中的場景，也因此哪怕是原著中的同一個場景都有可能要跑不同地方。

四、演員不怕吃苦

“西遊記”劇組“沒有大明星”，即使是主演也要和工作人員一起推車子、搬道具，一起做重活；“西遊記”劇組人人都是演員，哪怕是幕後的工作者也能客串一個劇中的角色，並演得活靈活現。

《西遊記》中的演員們都不怕吃苦，因為條件的限制使得當時拍攝艱難，尤其是這種神話劇，需要特效、需要打鬥，演員們難免會吃盡苦頭，還可能會有生命危險。馬德華和六小齡童作為劇中武戲的主要演員，就常常死裡逃生。比如六小齡童拍紅孩兒那場戲就是被火真燒，還因此被燒的休克……相比之下，如今的演員們摔個跤、刮破皮就叫苦不迭，又如何能拍出好的作品？

五、臺前幕後團結一致

《西遊記》劇組的人員們雖然發生過一些小矛盾，但是總體上都很齊心。在拍攝時遇到過很多困難，大家都一起發揮才智想方設法解決。

大到資金的籌備、小到拍攝特效製作，大家都一起來解決。比如人參果用地瓜、三清觀尿用啤酒代替、為了讓高小姐的丫鬟入戲楊潔導演讓人給她講恐怖故事等。

六、嚴謹的工作態度

《西遊記》在拍攝完成後的首播和再播有許多鏡頭都不相同，很多音樂也有差異，這都緣於導演一絲不苟的嚴謹工作態度，其中最為人津津樂道的就有“車遲國鬥法”時“一口鐘”由最初的“破鍾”被改成了“破爛僧衣”。這就是對追求藝術完美的態度，如今有多少人會在劇集完成後會因一個小錯誤而補拍呢？

86版《西遊記》的成功並非偶然，而是那個時代的影視製作人是真的在用心製作影視，演員們是真的在用心表演，大家萬眾一心，朝著共同的方向努力，不怕艱苦，才創作出這不朽的經典。

有人說：“江山代有才人出，各領風騷數百年。事物都在進化，憑什麼說86版《西遊記》就一定是巔峰？是不是思維定勢呢？”

我說不是的，因為86版《西遊記》，不是簡簡單單的一部連續劇，而是幾十年甚至上百年戲曲表演經驗、演藝人才的大薈萃。是把幾百年西遊戲的積澱搬上電視媒體的嘗試。

網上也有很多文章提到，86版《西遊記》的傳統戲曲味道特濃。可以說，在某種意義上，與其說86版《西遊記》是一個新時代的開拓者，不如說是上一個時代的集大成者！

應該說，大量在連續劇中借鑑戲曲，並不是楊潔老師的首創。因為在七八十年代，拍連續劇是一件新鮮事。沒有什麼先進經驗可以借鑑。大家都是從傳統戲曲中搬東西。

不但大陸如此，港臺也如此，香港曾經盛行過十多年的“黃梅調”電影，就是把黃梅戲搬到影視上的一種形式。臺灣的古裝影視也是如此，回頭翻翻當年的不少臺灣古裝劇，從服裝到表演都有濃重的戲曲痕跡。

如果這樣的話，86版《西遊記》借鑑戲曲只是時代使然。但是，《西遊記》有其特殊性。

因為目前，《西遊記》的表現大致有兩類：一是忠於原著，儘量演出《西遊記》原著本身的氣質。二是利用故事IP，進行現代化的演繹。這方面最成功的是另成一派的周星馳。

傳統戲曲，與傳統故事相伴相生了800多年，而在明清兩代逐漸定型為我們今天看到的面貌。

以服裝而論，今天在舞臺上看到的戲曲服裝，恰恰是以明代服裝為基礎，而吸收了各朝各代風格形成的。

以精神而論，傳統戲曲表現的人際關係、道德倫理，也正是明清兩代的主流心態。

如果選擇“忠於原著”的話，那麼，《西遊記》號稱是唐朝的故事，其實是明代人寫的書，表現的是明代人的精神狀態、宗教信仰、日常生活。所以，如果要在視覺上對其演繹，最好、最便捷的借鑑形式就是傳統戲曲。

並不是戲曲適合所有的“古裝片”。假如拍以商朝為背景的《封神演義》，京劇《反五關》大概就很難用得上。因為《封神演義》和《西遊記》不一樣。《西遊記》完全是神仙世界，涉及現實社會的很少，西域諸國也是硬編出來的。而《封神演義》的基調仍然是歷史小說。《反五關》的黃飛虎，表現的是以明清時代的倫理為基準的君臣父子關係，硬放在近乎蠻荒的商朝，對於現代人來說，就顯得怪異。

一部明朝的書，一顆明朝的心，一群明朝的神仙。這部《西遊記》簡直就是天然為了戲曲而生的！

大量引入戲曲元素，這就是楊潔老師的高明之處。

楊潔老師本來在中央電視臺文藝部的戲曲組，對傳統戲曲當然有絕對的鑑賞力。她嘗試過和京劇院合作拍攝《香羅帕》，還拍了京劇《賣水》。她在挑選演員的時候，非常看重的就是演員的戲曲背景。她為了選定孫悟空一角，先後拜望了南北兩派猴王，最後圈定了六小齡童，這些故事已經為大眾周知。同時，她還在各地戲劇團體物色演員，大量抽調進入劇組，正是這位懂戲曲的導演和這些專業的演員，奠定了86版《西遊記》的基調。

86版《西遊記》的演員，大致可以分為三個型別：戲曲演員、話劇演員、影視歌舞演員。

這三類裡，戲曲演員佔了絕對的主流。

六小齡童先生是南派猴戲世家，家學淵源，這些都是大家耳熟能詳的。馬德華先生是北方崑劇院的小生演員，演觀音菩薩的左大玢老師是湘劇演員，70年代就給毛澤東演過戲。演高小姐的魏慧麗老師是京劇演員。演白骨精的楊春霞老師，演過京劇《杜鵑山》的柯湘。演高母的高玉倩老師，其實以《紅燈記》的李奶奶知名。演殷夫人的黃梅戲演員馬蘭老師，成了餘秋雨老師的夫人。當然還包括我們喜歡的評劇演員趙麗蓉老師。

就連出場沒幾個鏡頭的昴日星官，扮演者徐冠春都是崑曲演員。而這位徐冠春先生，青年時代演過電影《十五貫》的熊友蘭。《十五貫》又稱《雙熊夢》，熊友蘭就是其中一“熊”。而這部《十五貫》，號稱“一齣戲救活了一個劇種”，是崑曲演出史上一部里程碑式的作品。當時年輕的徐冠春能夠參與其中，說明他的演技已經得到老一代崑曲名家的公認。

公號“李天飛”裡寫過西遊記的普及文章，作者請教過六小齡童先生猴王臉譜的畫法，他立即如數家珍地告訴我：石猴的是什麼樣，齊天大聖的是什麼樣，什麼時候畫金粉，應該勾什麼線條，並建議查哪些參考書。這些東西，在傳統藝術家的心中，都是信手拈來的。

正因為熟極而流，所以表演的時候才能不假思索，人就是猴，猴就是人。戲曲是“角兒制”，而今天的影視劇是“明星制”。戲曲中人服從於角色，今天的影視劇角色服從於人。六小齡童先生一生只演猴，自然做到了無人企及的極致。

即便是話劇演員、影視歌舞演員，也要麼深受傳統戲曲的影響，要麼有深湛的戲曲基本功。

為了向民族藝術學習，北京人藝就專門從北方崑曲劇院請了崑劇老師給話劇演員說身段，有些老師甚至因此從北方崑曲劇院調入了北京人藝，為話劇灌輸著傳統戲曲的充沛內力。

舞臺上不能自說心事，所以，只能靠動作、表情來表達。而傳統戲曲富有表現力的動作程式，簡直就是一座表達內心情感的寶庫。借用戲曲元素，體現在焦菊隱先生導演的《虎符》中，也體現在膾炙人口的話劇《茶館》中。例如常四爺的上場，就帶著明顯的戲曲身段。而演過常四爺的鄭榕先生，同時又在86版《西遊記》裡演過太上老君！

話劇《蔡文姬》更是強調傳統戲曲的美學精神和表演手段在話劇形式中的運用，具體表現在對人物形象的塑造、戲曲音樂和舞蹈的借鑑、舞臺排程、臺詞的藝術處理、舞臺佈景等方方面面。86版《西遊記》的閆懷禮先生，同時在《蔡文姬》裡演過單于。還有“鎮元大仙”吳桂苓、“水賊劉洪”韓善續、“黎山老母”孫鳳琴等，都是北京人藝的演員。

應該說，86版《西遊記》中出身話劇的演員，基本都受過“話劇民族化”的洗禮。話劇藝術和戲曲藝術，在他們身上同時體現。

又比如演金池長老的程之先生，屬於另一種型別。他的領域在話劇，然而他卻是京劇票友，這是家學淵源。因為程之的父親程君謀，就是一位極著名的票友。他早年就跟著名樂師陳彥衡學過戲。當年白牡丹（荀慧生）找老生配戲，見其唱功好就勸他下海，當時程家潦倒，出於無奈就搭上白牡丹班子，沒想打炮就紅，被稱為“票友中的譚鑫培”。

所以，程之先生的傳統戲曲功力，來自他的原生家庭。知道了這個背景，再去看程之先生的金池長老，那真把話劇和京劇兩股內力輕輕一掌貫通，那是一種無可挑剔的完美。今天靠賣臉賣萌的表情包演員，何能及其萬一！

86版《西遊記》的第三部分，影視歌舞演員，很多也都有深湛的戲曲基本功。

遲重瑞先生主要是演影視劇的，看上去和戲曲不太搭邊，但如果提起他的伯父遲世恭，和著名的李世芳、袁世海一樣都是富連成科班的“世”字科學員。而且他兩個兄弟：遲世尉、遲世德，再加上一個同姓各家的遲世敬，合起來就是“尉遲恭敬德”。遲重瑞先生身上，流淌著梨園世家的血液。

這是多少年的積累，多少流派的融合，多少舉手投足的打磨，多少世家子弟的口耳相傳，才匯成了這樣一部86版《西遊記》！

86版《西遊記》的服裝、武打、特效，也帶著深厚的戲曲表現形式。

我們看86版《西遊記》，總是感覺到有一種莫名其妙的魅力在。這種魅力就在演員的一舉一動中間。因為戲曲的“身段”、程式、武打，是幾百年來的藝術家們摸索實踐出來的，它特別貼合華人的體型儀態，精神氣質，尤其是穿上古裝的華人的精神氣質。

孫悟空跑到龍宮借寶，原著裡其實就走了兩個過場：龍王先是獻了一把3600斤的鋼叉，又拿出一把7200斤的畫戟，孫悟空不要，龍王就帶著他去看金箍棒了。然而86版電視劇裡，孫悟空除了耍叉，還耍了雙錘、耍了三節鞭、耍了畫戟，這其實就是戲曲裡的“把子功”。

猴戲中為了表現孫悟空活潑好動，經常安排許多“把子功”，讓他耍錘、耍鞭，甚至耍劍，烘托火熾的氣氛。這些近乎雜耍的“把子”，關公、黃忠當然不能使（雜耍成分如果太過，劇界謔稱“化學把子”），放在妖猴身上反倒特合適。反正理論上龍宮裡面什麼兵器都有，多耍幾樣、少耍幾樣，完全和原著沒有衝突。劇中那段雙錘表演，連道具都是從戲臺上直接拿來的。戲臺上還有奪錘、耍錘、接錘，讓錘頭頂錘柄種種花樣，都在猴戲中有充分體現。孫悟空在天宮偷酒，對著壺嘴喝，這個動作在傳統戲曲《安天會》（建國後為表現孫悟空的“反抗精神”，改為《鬧天宮》）裡是一定會看見的。

《西遊記》的武打場面，據說是荀皓和任鳳坡兩位先生主持的。要知道荀皓先生是荀慧生先生的長孫，任鳳坡先生也是中國京劇院的。這樣的背景，決定了86版《西遊記》的武打一定是戲曲化的。劇中的武打場面都很寫意，不像港臺劇的那種靠迅速剪輯實現的“拳拳見肉”，而是類似舞蹈場面。甚至助戰的小猴、小妖們，跑來跑去，翻個筋斗，也屬於武戲裡的“群檔子”，用來表現混戰。

86版《西遊記》還有一個好玩的特點，每到一集結束時，必有一個“四眾亮相”，唐僧師徒四人出現在一個畫面中，這其實也是傳統戲曲舞臺演出結束時的標準動作。如果這個動作出現在舞臺上，下一個動作就是拉大幕了。

因為歷史上的西遊劇，都是屬於單元故事型的連臺本戲。如果按照演出一般習慣，每本的結尾都會固定有一個亮相，這在舞臺劇導演上有個術語叫“打點”。86版西遊也是這樣，一集講一個故事，結尾亮相“打點”，標誌結束。

這裡要說一下86版《西遊記》的續集，為何很多人嚷不好看。原因之一就是破壞了“連臺本戲”的結構，把劇情從中間截開，一集講不完一個故事，這在現代連續劇中當然無所謂，但配上傳統戲曲氣質的《西遊記》就特違和。現代連續劇大家看的就是故事情節，當然可以抻著觀眾。《西遊記》的故事框架誰不知道？主要看的是表演。所謂“生書熟戲”，只要演好“連臺本戲”就完全可以了。

86版《西遊記》的造型，也是非常戲曲化的，如巨靈神的扮相，也很能說明問題。巨靈神撅著一個大屁股，孫悟空第一次上天宮，還在他屁股上蹦躂了一回。這種扮相，其實就是京劇裡“毛淨”的“扎判”，最典型的要數鍾馗。這種造型，透過穿胖襖、墊填充物，肩膀聳著、胸鼓著，臀部撅著，體態奇特笨重、身段粗獷有力，這樣才能體現神奇的特點。

誰都沒見過神，所以不同民族的神，自然有不同的特徵。我們一看巨靈神或觀音、閻王，就覺得“這是一個神”，而且是一位很傳統的中國神。這種傳統氣質，和張紀中版《西遊記》的那種魔幻氣質完全是兩條路。

這兩條路沒有誰對誰錯之分。但是這種傳統氣質已經非常成熟，作為華人，逃不過集體心態、集體審美，所以更容易接受民族化的造型。魔幻化的《西遊記》，如果想掙得一席之地，恐怕還有很長的路要走。

《西遊記》的故事是傳統的，精神是傳統的，決定了它最適合表現的形式必然是傳統的。如果想“重構”，就算是走魔幻風、重工業風、無厘頭風，上哪找這麼多分量相當的演員？上哪去找這麼久遠的藝術實踐積澱？上哪去找這樣懂得演員、善於調配的導演？

或許再過幾十年，會有新的《西遊記》電視劇取代它，但目前看來，還沒有出現任何跡象。

也許，86版《西遊記》的出現，本身就帶著悲涼的底色。

因為在當時，很多傳統戲曲劇團經濟不景氣，無戲可演，很多優秀演員紛紛轉行影視。86版《西遊記》是一個很好的平臺。一些演員藉此完成了人生的跨越，從此遠離了那個日漸衰頹的行業；不少堅守在戲曲領域的演員，也因為出演過這樣經典的電視劇才為人所熟知。

這種傳統戲曲衰頹的狀況，甚至延續到21世紀初。

86版《西遊記》的成功，背後是一個時代傳統戲曲的衰落。是無數戲曲藝術家，用盡最後一點內力，集七星北斗大陣，拼出的一道天邊的光彩！

也許86版《西遊記》走下巔峰的那一天，屆時必然滿足兩個條件：一、傳統戲曲再次興盛。二、現代影視趨於成熟。

舍此之外，楊潔老師導演的86版《西遊記》無可超越！