一幅好的油畫作品，離不開藝術家精湛的技法和活躍獨特的藝術靈感，當然了題材也很重要，選對了題材，作品就成功了一大半了，油畫屬於視覺藝術，是透過畫面的色彩傳遞給欣賞者不同程度的視覺效果，那麼問題來了，藝術家在油畫創作中，怎樣才能讓色彩發揮出最好的效果呢？

簡單來說，不管是哪種色彩，在畫紙上都不會主動就形成物象所匹配的色調效果，而是依靠藝術家熟練的運筆技法，反反覆覆才能調配出滿意的色彩效果，筆觸稱之為畫筆帶動色彩留下的痕跡，筆觸有輕有重，有深有淺，“筆觸”是油畫的精髓，

之所以說“筆觸”是油畫藝術的精髓，那是因為畫作的“光影明暗對比、空間透視效果”都由筆觸所決定，有靈動性的筆觸，那麼光影效果才會更形象，畫面才會有深度，意境感才會油然而生，達到形美神韻的效果，不論是筆觸粗糙的印象派，還是筆觸細膩幾乎不見的超寫實主義，都有相應的光影明暗對比、空間透視效果，所以說筆觸也是萬能的，

藝術來源於生活，“寫生”就是在體驗生活，從而尋找藝術創作的靈感，除此之外，“寫生”就是開拓視野，因為世界是有顏色的，比如，世界萬物，就有千萬種顏色，用雙眼去觀察，總覺得每種色彩都很養眼，而且自然之光也是一種色彩，會漂浮流動的色彩，

如果一個畫家總是在室內冥思苦想色彩該怎麼搭配調和，那是沒有用的，只有走到室外，進入大自然，就會有取之不盡用之不竭的色彩，最主要是大自然都已經把各種色彩調和成相應的色調了，你只要稍微用心仔細觀察，就可以順手捏來，何樂而不為呢？這就是“藝術是自然形成的”道理。

色彩在於油畫藝術中的作用及意義是非常重要的。色彩作為油畫創作中的必要條件和表現手法，是藝術家創作時一種自然的情感表現，是油畫創作主題思想表達的關鍵。用主觀色彩來塑造形體是油畫的本質。畫家對於不同色調的運用在抒發自我情感的同時也向觀賞者傳遞以不同的審美體驗。藝術創作作為一種帶有強烈個人色彩的精神活動，其魅力就在於創作者獨特的藝術風格中，這種風格藉助色彩來達到畫家與觀賞者之間心靈和思想的溝通。色彩是油畫諸多形式中最有表現性的一面，可以說油畫的美是表現在色彩上的。

有人說，油畫藝術是色彩運用的藝術。的確，色彩或豔麗或飽滿或明快或柔和或簡約是油畫最突出的特點，也是油畫區別於其它畫種的一個顯著特徵。

油畫自誕生以來，如何讓色彩在油畫中達到最佳效果，從一開始就是藝術家致力探索的課題。文藝復興時期繼達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾、貝里尼、喬爾喬內之後，提香和魯本斯是油畫中色彩運用的集大成者。提香擅長在比較粗糙的畫布上用紫褐色或紅褐色的顏色做底色，再用更深重的顏色在這種底色上塗抹，使畫作呈現出一種熱烈飽滿大氣厚重的氣象。在背景處理上，提香善於用豐富的色彩來烘托氛圍，使油畫背景處理趨於成熟。提香被譽為是“提供了威尼斯全部色系的畫家”。巴洛克繪畫藝術開創者魯本斯充分運用色彩表現人物的張力和情緒，他的作品極富動感，具有很強的視覺衝擊感染力。

到十九世紀，印象主義產生後，更是把油畫的色彩關係處理向前推進了一大步。印象派認為，色彩在自然天氣和光照條件下是隨時變化的，提倡戶外寫生，強調畫家主觀感受，把眼睛看到的自然狀態下的色彩呈現和色彩變化在畫中表現出來。印象派代表莫奈、雷諾阿、梵高、高更等大師的作品都充分體現出了這一點，是把色彩運用到最佳效果的典範。

多學習學習經典油畫的色彩運用，多領悟領悟大師們的創作心得，在創作中不斷總結提高，對油畫色彩的運用一定會越來越好。

你好，親，很開心回一起探討油畫中的色彩。

由於油畫風格多種多樣，抽象油畫，寫實油畫，古典油畫，意象油畫

色彩是油畫的靈魂，油畫也有許多不同的色彩風格

比如女畫家閆平的色彩語言，是用蒼勁潑辣的筆觸，抒發豔麗，鮮明的強烈對比的色彩

義大利畫家靜物畫家莫蘭迪，他的色彩語言是高雅，低沉，古樸的復古高階灰色調，他用復古的中間色調，向觀眾傳達一種優雅，寧靜，和諧的藝術氣氛。

在西方美術史上，由於印象派之前的畫風，一直是寫實，模仿，客觀的古典畫風，所以對色彩的表達，同樣也是傳統，客觀的色彩，比如畫油畫人物，其人物的膚色是什麼樣的色彩，就在畫布上客觀地再現膚色的色彩。

新古典主義安格爾，崇尚素描藝術，所以他畫筆下的女人體，比如作品《泉》，毫無繽紛的色彩，甚至可以說他在用素描關係畫色彩。

自二十世紀西方現代藝術，人民的思想逐漸開放，思想不再傳統藝術的束縛，現代藝術，可以容納許多各種各樣的畫風，比如立體主義畫家畢加索，他畫筆下的女性，其色彩突破了西方傳統美術的客觀色彩，他大膽用綠色，藍色，黃色，白色畫膚色。

那麼，在油畫創作中，其色彩應該如何發揮到最佳效果？

一 既然油畫色彩，包含各種各樣不同的色彩風格，那麼首先，你要找準自己擅長的色彩風格，比如閆平那種豔麗多彩的繽紛色調，低沉高雅的莫蘭迪高階灰色系，還是懷斯那種淡雅傷感的色調

二 無論你以什麼樣的色彩風格進行，都不能脫離色彩四大原理，明度對比，純度對比，冷暖對比，面積對比

畫家莫蘭迪營造的色調氛圍，寧靜，和諧，統一了高階灰色調，所以他畫筆下的瓶瓶罐罐，都純度很低的複色調，如果畫中安排一個純度高的豔色調瓶子，那麼整幅畫面的色調就不會那麼和諧了。

其次，畫面必須有主色調，以免造成畫面色調的混亂，毫無章法

比如油畫家羅爾純的下圖油畫，明顯看出畫面主色調是綠色

後印象派畫家保羅高更，他的下幅油畫，主色調明顯是黃色，紅色。

三對於色彩的運用，我完全支援你大膽創新，突破客觀色彩

一般來說，黑色白色，是兩種極色，沒有色相，不提倡大家廣泛運用

但是17世紀義大利畫家卡拉瓦喬，敢於大膽廣泛運用黑色調，比如作品《以馬忤斯的晚餐》

你可以大膽突破客觀色彩，特別是你想創作抽象油畫，既然抽象油畫都不是遵循物象的嚴謹結構，準確的光影，可以大膽誇張變形，那麼抽象油畫的色彩，也不一定非要遵循客觀的色彩，比如立體主義畫家畢加索，他可以把膚色畫成紫色，綠色，藍色。

回答完畢

色彩是油畫創作最重要的效果，在油畫作品中起著非常重要的作用，是畫家表達審美情感的所用於的技法。利用色彩調配畫面，利用色彩表達畫家的心靈，表現出畫家審美理想的世界，是油畫創作最佳的藝術手法。

油畫作品之所以能帶給人極為強烈的視覺衝擊，很重要的一個原因在於油畫有著非常濃烈且鮮明的色彩。色彩對於油畫作品的藝術表達非常重要，這也是呈現畫家內心一種最為直接的創作手段。透過作品的用色效果，人們能夠體驗出畫家當時的情緒與情感，也能感受到畫家想要傳達給人們的思想內容。

油畫作品的情感表達，是作品靈魂基於畫作的色彩表現。畫家應當讓色彩富有情感，並且有效進行色彩和情感的轉化，這樣才能賦予油畫作品的色彩效果。

造型、色彩、光影、筆觸是創作和欣賞油畫時，都要考慮的元素，造型透過科學寫實手段，可以讓油畫畫面的外在形象貼合真實性的要求，色彩不但可以表現強化造型的精確性，還能展現畫家的情緒和思想，更能提升視覺衝擊力。光影和筆觸是體現畫面節奏感和韻律感必不可少的元素，同時，筆觸跟色彩結合起來，能展現出強烈的主觀情感。

（雷諾阿風景）

自始至終，色彩在油畫創作中扮演著非常重要的角色，文藝復興中期，威尼斯畫派大師提香是第一位重視色彩感受的畫家，透過他對色彩的發揚，自此後，從巴洛克、洛可可、浪漫主義，一直到印象派，色彩在油畫中的比重越來越高。

（雷諾阿作品）

尤其到了印象派時代，色彩的作用在油畫創作中上升到了第一位，給油畫進入現代性開了一個好頭。

實際上，色彩是一把雙刃劍，用得好能很好地提升畫面趣味，若用不好的話，畫面會呈現出凌亂，跳躍，拼湊，沒有主題的感覺。歸根結底，畫面中的色彩組合到一起，以和諧為基準。

（雷諾阿·河邊沉思的姑娘）

中國畫中經常有濃破淡、淡破濃、幹破溼、溼破乾等畫法，是指先在紙上畫出濃墨或淡墨，未等它們乾透後，在濃墨或淡墨的基礎上，繼續施加淡墨或濃墨，這樣畫出來，等畫面完全乾透後，就能看到濃淡相宜，虛實相生的層次感，讓畫面體現出一種自然節奏，給觀者沒有死板的感覺。

（梵高·花園花開）

油畫跟國畫都是視覺藝術，它們的畫理實際上都一樣，都是採取一定方法，讓畫面色彩不產生衝突和遏制。

從這個意義來講，油畫中在設色時，不能使用同一種色彩或色調，每種色彩或色調在畫面不同地方使用時，要有明顯的區分，哪裡輕哪裡重都要貼合畫面的主題。在這一點，完全可以參考梵高和雷諾阿的油畫色彩。

（梵高·收穫）

同時，相鄰色彩或色塊之間要自然過渡，要有緩衝餘地，不能從一種色彩直接跳到另一種色彩上，如同把它們拼接在一起，看起來生硬、扎眼，這是使用色彩的大忌。

梵高是色彩大師，我以他的名作《收穫》來闡釋他的畫法。

《收穫》描繪了一幅麥田成熟，人們即將收穫的場景。畫面中的主色彩是金黃色，符合麥子成熟時的顏色。但細看之下，那些方方正正的麥田裡的金黃色，在色調上都有細微差別，由近到遠，金黃色逐漸減弱，到山巒附近，麥田的顏色已經變成暗黃，這就給人非常有層次感。

（梵高·亞爾附近的花田）

更重要的是，梵高在麥田與麥田之間，用一條不同於金黃色的線條把它們隔開，觀者可以想象這條線條是小路，是草叢，是地界，等等，這就給畫面增加了許多趣味，若是整片的金黃色連在一起，藝術效果肯定沒有這麼好，還容易讓視覺沒有緩衝餘地而感到疲勞。這就是梵高正確使用色彩的高明之處。

色彩在於油畫藝術中的作用及意義是非常重要的。色彩作為油畫創作中的必要條件和表現手法，是藝術家創作時一種自然的情感表現，是油畫創作主題思想表達的關鍵。用主觀色彩來塑造形體是油畫的本質。畫家對於不同色調的運用在抒發自我情感的同時也向觀賞者傳遞以不同的審美體驗。藝術創作作為一種帶有強烈個人色彩的精神活動，其魅力就在於創作者獨特的藝術風格中，這種風格藉助色彩來達到畫家與觀賞者之間心靈和思想的溝通。色彩是油畫諸多形式中最有表現性的一面，可以說油畫的美是表現在色彩上的。