謝邀，其實原因有很多，我這裡就主要從法律和影視劇普及上談吧。

從法律上講，以前的電視電影沒有植入廣告的概念，廣告法裡也沒有明確的關於酒的規定，所以就沒所謂了；

從影視終端的普及度，其實也可以說是從道德層面上講，隨著影視劇的覆蓋面越來越廣，承擔相應的社會和道德責任也是必然。

考究起來，一要說到武術指導行業的起源和發展；二要說到電影拍攝理念的變革與創新。

說到這，繞不開兩個人物。一是袁小田，二是徐克。

先講袁小田，也就是袁和平的爹。他是電影史上第一位武術指導，算是這行的祖師爺。

《蛇形刁手》劇照——袁小田（1912-1980年）

袁小田生於北京，1937年應粵劇名伶薛覺先（也就是電影《南海十三郎》中的薛五爺）之邀，在薛家班的演出中負責北派武打場面。兩年後，他涉足電影，主要擔任武打、替身工作。

1960年，王天林（王晶的爹）拍攝《鐵臂金剛》，邀請袁小田專職負責電影中的動作場面，香港電影業正式有了“武術指導”的概念。早期的動作電影中打鬥動作的設計，脫胎於戲劇表演。

當時戲劇表演中的武打動作主要分為兩派，一是袁小田為代表的北派；二是于占元為代表的南派。兩派都是出身京劇世家，由外省入港，關係要好，授藝並無成見。袁小田還讓兒子袁和平等人拜于占元為師，袁氏兄弟和于占元門下的“七小福”從此結下不解之緣。

另外一個知名武指是洪拳傳人劉湛，但他入行晚點，1950年才投身電影圈。他雖出身於武術世家，但其子劉家良與袁小田徒弟唐佳要好，兩人早期合作較多。劉家良後來一手締造了劉家班。

1973年，動作巨星李小龍突然去世，這對香港動作片市場來說簡直是個災難。因為李小龍拔高了香港乃至整個東南亞觀眾的口味，過去那套死板的動作沒有李小龍陽剛凌厲，之後出的電影都是對李小龍的拙劣模仿。之後幾年內，武打電影的票房和口碑勘稱嗚呼哀哉。

一直到1978年，思遠影業的老闆吳思遠大膽啟用武術指導袁和平做導演，讓武行出身的內行人來拍一部武打電影。袁和平在之前《鷹爪鐵布衫》中的動作設計已獲不錯反響，但這次，袁和平決定搞就一票大的，乾脆拍一部跟從前市場不一樣的電影出來。為保證品質，他請隱退八年的爸爸出山，給之前鬱郁不得志的好兄弟成龍配戲，於是有了《蛇形刁手》。

《蛇形刁手》中的武打場面雖然也講究招式、一板一眼，但卻加上了許多肢體動作的歪曲設計，詼諧幽默，妙趣橫生。這部電影在香港影壇一炮而紅。同年，思遠公司再用原班人馬趁熱打鐵拍攝《醉拳》，越發勢不可擋，其他公司紛紛效仿，帶火了一大批武行。比如洪家班、成家班、劉家班、袁家班，而這幾套班子都和袁小田有關。

袁小田在醉拳中的形象深入人心，此後被改編為《拳皇》中的人物鎮元齋，喝酒能夠回血，擅用葫蘆攻擊。至此，袁小田、袁和平父子將武術指導一行發揚光大。袁、劉、洪、成四大武指班子爭奇鬥豔。

在《蛇形刁手》、《醉拳》大火之後，武術指導一行的動作設計更加純熟。這在現在來看滑稽而不真實的動作設計，在當時來說，卻是顛覆性的。

再說徐克。 一招一式對練似的武打設計死於徐克之手。

進入80、90年代以後，隨著武指行業的快速發展，武打設計的各種奇思妙想層出不窮：布衣針線也能作為武器、茅山道術也能融入武功招式。這階段，受時代影響，都市動作片開始賣座，傳統武打劇中一板一眼的動作設計開始大幅減少，但仍然存在。林正英的殭屍武打喜劇風靡一時，劉家良仍然堅持功夫招式電影的創作。

徐老怪來了，然後傳統武俠死了，連同那些一招一式打來打去的武打動作。

無巧不成書，一手發掘了袁和平的吳思遠，在《蛇形刁手》推出的第二年（1979年）看中了初出茅廬的徐克，投資他拍了一部怪片《蝶變》。這是一部懸疑驚悚外加獵奇的武俠片，被後來的影評人列為香港新浪潮代表作之一，感興趣的自己去看。

在這部影片中，徐克就已經顯現他的劍走偏鋒，不同尋常。電影中傳統的動作戲再滑稽，導演都要給觀眾強調真實感。鏡頭是固定的，攝影機忠實記錄武打演員的動作，無論凌厲或者詼諧。

《精武門》中的動作戲；片中演員為李小龍與林正英。

這場激烈的打鬥場面，每個場景切換的頻率在4秒左右，當時算快的了。

徐克不這樣，他喜歡天馬行空，他用武俠去表現電影，而不是用電影去表現武俠。這種想法體現在他的剪輯、構圖和特效使用上。

從1979年的《蝶變》，到1983年的《新蜀山劍俠》，徐克的激進非常明顯。他請來《星際大戰》的特效團隊給《新蜀山劍俠》做特效，電影中的演員衣袂飄飄，高來高去。武打動作不再是真實的、單調的，而是與畫面、服裝協調起來，以達成飄逸唯美的效果，形成新的視覺刺激。

但這兩部電影都太過激進，票房不佳，以致徐克隨後又去拍了些賣座片，不碰武俠。時隔8年之後，直到1991年起，徐克找來袁家班，再搭配李連杰，導演了《黃飛鴻》系列。《黃飛鴻》三部曲宣告徐克的武俠電影成熟。

在《黃飛鴻》系列電影中，李連杰的武術套路表演發揮的淋漓盡致，袁家班固然功不可沒，但更重要的是徐克的剪輯。徐克的鏡頭推拉搖移，或快或慢，全景或是特寫，來回變換；鏡頭切換經常只有1秒，從多個角度解構了武打場面，令人目不暇接，心生暢快。

1992年的《新龍門客棧》是徐克武俠電影的巔峰之作。林青霞與張曼玉在客棧那段互扒衣服 的動作戲就如同舞蹈一般。徐老怪在一個狹窄的空間內打造一段別樣的浪漫，這一段的鏡頭運動、光線處理、剪輯、動作設計、演員表演已經成為影史經典。大家自己去看。

香港動作電影在90年代風靡世界，令好萊塢感到恐懼。

之後袁和平受邀指導了《殺死比爾》、《黑客帝國》等好萊塢電影的動作設計；幾乎同時，徐克、吳宇森等人對動作場面的剪輯手法也被世界各地導演所效仿。

這一切都始於早期香港動作電影那一招跟著一招的武打設計。

我覺得這與這個時代的發展的是離不開的，之前的影視業產業落後，裝置落後，技術落後，好的鏡頭我們沒有能力拍攝，而且需要藉助真喝，真打的劇情來描述故事情節，而現在我們有了技術，有了裝置，有能力演出來了，就不必要使用那些情節了。

其次真喝，真打對演員有極大的考驗，現在太多的流量明星，已經無法滿足這方面的需求，導演也根據這個時代改編的拍攝方式，也算是一種與時俱進。

最後，真喝真吃也是一種資金，而使用道具就可以減少這一方面的投入，但是真打的情節在需要的時候還是會出現的。我想到的真喝真打鏡頭應該是成龍大哥的，早起成龍的電影都是真喝真打的劇情。而真吃我想到的是《武林外傳》，沙溢在某綜藝上提到過，他們當時劇中窮，沒有錢提供便當，所以在戲中演時吃的東西就是當飯吃的。

我們應該致敬那一個時代，他們雖然窮且落後，拍攝條件極其艱難，但是演員卻是真演員。

我覺得首先是時代科技，已經技術的成長，一些打鬥鏡頭已經可以用特效來完成，並且不會比真喝，真打的效果差。其次就是演員，當時的袁家班，成家班，洪家班等武術班演員的功底是很好的，拍攝時雖然很苦很累，但是他們卻能完美的完成這些鏡頭。現在的小鮮肉哪裡能吃那些苦，只能用特效來完成了。

我們電影市場不成熟，從最早的賀歲大火，大家喜歡有演技又特別有特點的演員，並且劇情要好，類似天下無賊，非誠勿擾，馮小剛葛優，劇情需要支撐，當然對演員的演技，劇組的道具都需要有個品質把控。之後大家發現明星帶動流量，一部電影要一百多個明星，一人一句話，其實這時候電影已經走下坡路。突然一部電影，劇情狗血，就因為主角是流量小花，小鮮肉就能獲得幾億十幾億的票房，例如某時代1某時代2。這個時候資本就已經瘋狂了，拍電影不再注重劇本，不再苛責演技，需要的是流量，需要的是一兩億的投資能有幾倍的回報，並且的回本快。那偷的錢大部分也給明星了，明星再弄個陰陽合同什麼的，反正不管電影如何，有錢大家一起賺，這個時候誰還在乎是不是真吃假吃啊，說臺詞都123457了還真吃？

拍電影並不是件容易的事情，往往都是幾十幾百個人，用時幾年耗費巨資，才能弄出一部電影。

上映能回本的都不多，賺得盆滿缽滿的更是鳳毛麟角，能出個萬人頌揚的經典談何容易！

有些沙雕青年評價電影，不但滿嘴噴糞，罵張藝謀陳凱歌像罵孫子似的，而這些人都是他們的爺爺輩，是為電影事業奉獻一生的老藝術家。

電影不是廉價商品，而是包羅永珍的複雜藝術！

多謝邀請

以前老電影老電視劇為什麼會有許多真吃真喝的片段，可以從以下方面思考（個人見解）:

1、當時社會科技不發達，人們對影視的想法沒有那麼天馬行空，劇情貼近生活及把控每一個片段的細節，考驗演員每一個細節的能力。而現在的影視劇都是老套路，注重顏值，注重劇情的炫麗及扣動人心，而放棄了對細節的把控。

2、當時的娛樂圈注重的是演員實力，把控每一個細節描寫，對於演員的能力特別注重，我想當時真吃真喝這些應該都是一些基本功呢。動作及神情等演技才是重點，所以那是才會出現成家班與洪家班等武術班。而現在的影視劇注重的是人氣，某人因為某件事火了，說不一定下一部影視劇就會有他們的影子，因為現在的投資方注重的人氣能夠帶來更多的錢。而那些人能有什麼演技，真吃真喝怕只會掉身價，不如來點霸氣扣動人心的劇情來出出名。

老藝術家遊本昌老師出演【濟公】這部電視劇，有一個片段是吃狗肉，聽說那狗肉都是臭的，這才是演員，真吃啊，放在現在生活中，也不會有人去吃吧。