謝謝邀請，對不起，我不懂畫，我喜歡的油畫是前蘇聯的"又得了一個二分"，小孩子在學校又不及格，垂頭喪氣的進了家門，手揹著，拿了張二分的卷子，爺爺奶奶，父親母親都十分苦惱，只有那條狗，還一如既往地歡迎小主人，一幅畫，畫出了一個家庭的小故事。大概分類為工筆吧。最後的晚餐、聖母、愛之夢，大約也是工筆。

畢加索的是否可以算寫意？可惜我欣賞不了，至於趙無極的是什麼，那得問專家。

不論是油畫，還是中國傳統的中國畫。寫實和寫意都同樣的存在。只是表現的手法和形式不同而已。

我認為喜歡什麼樣的畫是因人而異的。只要發揮好自己的才智，都是可取的。

德加·藍色舞者

眾所周知，西方油畫從14世紀文藝復興初期發展起來後，一直以“摹仿論”和“寫真性”作為繪畫依據，旨在展現物象本來的真實面目，表達畫家客觀的審美情趣，不似中國畫那樣，以主觀趣味作，以及理想化的審美為藝術理念的支撐。

塞尚·殤

可以這麼說，寫意油畫的風格介於寫實油畫和抽象油畫之間，畫面中沒有寫實油畫那樣完整的造型，精確的形象，精細的筆觸，以及逼真的色彩，也不像抽象油畫那樣怪誕不經，誇張離奇，擁有天馬行空般的表達自由。但物象的整體輪廓是清晰的。

蒙克·青春期

寫意油畫在本質上跟中國文人畫的表達技巧一樣，主要看重畫面形式和語言技巧的展現，畫面結構以平面構成為主，同時突出畫面中的二元對比關係，比如，強化虛和實的對比，來展現畫面起伏跌宕的節奏。突出筆觸厚和薄、輕與重的對比，體現畫家的主觀情感。加強明暗關係的對比，體現視覺張力，等等。

馬蒂斯·羅馬尼亞人的上衣

從19世紀中期到20世紀中前期這將近100餘年，油畫的寫意性得到了極大發展，像當時相繼出現的各種油畫流派，如印象派、後印象派、野獸派、表現主義、象徵主義，等等，它們裡邊都或多或少的出現寫意性質，因為寫意性的加入，讓油畫獲得了很大活力。

油畫屬於西洋畫，是以用快乾性的亞麻仁油、罌粟油、核桃油等植物油調和顏料，在亞麻布畫布、紙板或木板上進行製作的畫種。油畫的“寫意”，是中國油畫家揉合西洋油畫與中華文化結合的表現形式，寫意油畫成為當代中國油畫新的學術現象。

中國寫意油畫最早的先驅為徐悲鳴、劉海粟、關良、常玉、潘玉良等畫家，曾創作出大量優秀且帶有鮮明中國寫意精神的作品。

寫意就是寫心會意，在藝術上追求主客觀相融，使油畫展示現實和情感碰撞達到天人合一的境界。

如劉海粟的寫意油畫融入自由和民族氣節，他十上黃山，與黃山為師、與黃山為友，其黃山寫意油畫體現為整體形象、區域性形象和奇特特寫三種表現形式，將黃山精神與畫家情操形成統一。

潘玉良的寫意油畫含有中國水墨畫技法，用清雅的色調點染畫面，色彩的深淺疏密與線條相互依存，很自然地顯露出遠近、明暗、虛實，色韻生動，切合了她“中西合於一治”、“同古人中求我，非一從古人而忘我之”的藝術主張。

油畫中的寫意屬於表現主義形式，寫意油畫是中國藝術家將油畫揉合東方精神、中華文化的創造領會。

你好，親，很開心一起探討一下油畫中的“寫意”元素

你可能會認定，寫意是中國藝術的專利，特別是中國意象油畫，具備濃厚的中國畫寫意風格，追求“似與不似之間”的意境效果

西方傳統油畫重寫實，具象，重客觀再現，不可能有寫意的風格，其實不然

一 雖然西方美術的繪畫傳統是寫實,具象,模仿,但是到了後期,有些畫家的繪畫風格，偏向寫意

羅馬尼亞畫家巴巴，他的油畫作品頗具寫意性，有很強的主觀藝術色彩

比如他的畫作《恐懼》，畫家也沒有詳細深入刻畫人物五官，畫家為了透徹表達生活重的苦難，對人物進行了誇張，變形的主觀寫意手法

畫家筆下的人物形象，瘦削，扭曲，臉部拉長，空洞的雙眼顯得扭曲痛苦，還有畫面主觀，陰霾，沉悶壓抑的色彩，都是用單純，概況的寫意手法來表現底層人民生活悲苦的絕望

二那麼，西方油畫中的寫意，中國意象油畫中的寫意，有什麼區別和不同？

西方美術史上，印象派畫風具備強烈的主觀寫意性

比如梵高的作品，具備很強的主觀寫意性，星空，柏樹，麥田，在他的畫筆下，融化成奔放的線條，旋轉動盪的筆觸，鮮明激昂的色彩，那是畫家心中渴望激情，熱愛生活的瘋狂

而中國意象畫家徐裡的上邊右圖油畫作品，其作品的寫意因素，是和西方油畫寫意因素是南轅北轍的，為什麼？

畫家筆下的意象風景，是清新，淡雅的灰色調，大塊概括單純的色塊，給觀眾一種淡雅，靜穆，空靈平和的意境，正是中國文人們內心所追求的，平靜，淡雅的心境和格調

如果說西方油畫的寫意性，是梵高般的瘋狂，激盪，熱烈的寫意，而中國油畫的寫意性，是中國文人們追求內心靜穆，平和，淡雅，空靈的意境

畫家巴巴油畫中的寫意性，是透過變形，誇張，扭曲的形象，悲觀壓抑的主觀色彩，表達生活中的苦難，但是卻沒有中國文人們淡雅，平和的繪畫意境

油畫的主流還是寫實的，比如達芬奇、倫勃朗等，但隨著社會的發展，人們追求精神的解放，繪畫種類逐漸發展，出現印象派、抽象派等等流派，這些派別的人們追求的便是自我精神的表達。比如抽象大師羅斯科的作品，我相信百分之九十九的人並不會理解這些作品。單作品恰恰是畫家內心的感受，像極了中國古代山水畫畫家們寄情于山水之間，這似乎就是寫意。

油畫中融入寫意性是中國畫家提出的概念。欣賞寫意油畫，給我的直覺是怪怪的，有四不像的感覺。畫家所要表達的意思，很難被人理解。

（寫實人物油畫）

一、寫意油畫的概念。

寫意油畫的概念是中國美術界提出來的。美術界提出，油畫來自西方，本來應該姓“油”，但傳入中國，融入中國元素後，也要姓“中國”。如何才能讓西方的油畫姓“中”呢？沒有別的辦法，改良唄！即要求中國的油畫家在創作油畫時，引進中國畫的創作手法：以意率境，淡化對細節寫實，不要求外形逼真，要求神似，虛實結合，講究風骨、神韻。看看，多麼高深的理論啊！其實，慢慢品味後，可以用一句老百姓聽得懂的話來概括，就是中西結合，國畫與油畫相結合。

（寫實人物油畫）

二、國畫與油畫能結合嗎？

這問題需要時間和作品去驗證。但就目前中國寫意油畫的作品來看，似乎還沒有什麼著名的寫意油畫作品問世。玩概念容易，提出口號也不難，要落實到實處，需要一代代畫家不計名利地去探索，去奮鬥。在當今熙熙攘攘皆為利往的年代，誰願意去做這種看不到實惠的基礎探索與研究呢？

油畫寫實，國畫寫意，一虛一實，一中一西。藝術本來就提倡百花齊放，為什麼油畫引入中國後，中國畫家就提出改良呢？而西方人為什麼沒有提出用油畫的技法來畫中國畫呢？西方油畫家如果看到他們的油畫被中國畫家改良得“四不像”，會作何感想呢？

（寫實人物油畫）

外華人怎麼想，我們摸不透。但如果有一天，我們看到西方人用毛筆寫他們的26個字母，而且還是臨摹顏體？咱們一定會笑，顏體書法只適合方塊字，不適應於畫圈似的26個字母！

（寫意人物油畫）

凡畫都是寫意的。有具象寫意和抽象寫意之分。

油畫是寫意的。寫實的油畫，抽象的油畫同樣是寫意的。最起碼是寫美之意的。寫實之油畫如果沒有寫美之意，那麼，油畫也就失去了存在的意義。

理解油畫的寫意，首先要從藝術作品都是表現人的理解起。文藝美學認為一切藝術作品都是表現人的，描繪物的是間接寫人，繪畫人的是直接寫人。只要是寫人的，也就是寫意的。

有人把中國的寫意畫稱為抽象畫，有人把西方的寫實油畫稱之為工筆畫，具象寫意畫，也不無道理。

縱觀西方寫實油畫，無一不是寫意畫。即便是文藝復興時期的純美女靚男裸體油畫，可以說所表現之意更加濃烈。那些不厭其煩畫裸體美女的大油畫家，是在表現社會意識形態由神的統治轉變成人為萬物之靈時段，人本身所表現的無限自由，無限崇高和無限之美。以致於達到完美無缺的地步。是無限的思想解放之大意。

華人學西方油畫，也是洋為中用。把西方的寫實美和中國的寫意美高度融合，創作出了具有油畫之真實美和國畫的寫意美的至美作品。是東西合美的結晶。

凡畫皆有意，託物而言志。寓美意象中，虛實生情趣(認同請關注)。

一提到“寫意”，人們往往會想到國畫，想到國畫的山水，那磅礴的氣勢，那重重疊疊的山川，那似與不似的朦朧，都透著一種幽遠高深的意境，令人心潮起伏，回味雋永。

其實，國畫有意境，油畫也有意境。意境是什麼？意境就是一幅畫的思想內涵、文化底蘊和情感寄託。所謂詩有詩情，畫有畫意，就是這樣的意思。每幅畫有每幅畫要表達的意思，有每幅畫的主題。廣義的講，主題思想就是一幅畫的意境，而並非只是畫面看上去深沉、朦朧或者抽象才算是有意境。

油畫與國畫文化背景不同，繪畫工具材料不同，創作理念不同，技法和表現手法也不同，因而對畫的意境的表達和體現也不同。簡單說，國畫的意境是含蓄的，油畫的意境是直白的。

文藝復興時期創立的古典主義寫實油畫，從畫面上看，造型準確，形象逼真，栩栩如生，乍一看給人一種一目瞭然一覽無遺的感覺。比如達芬奇的《蒙娜麗莎》、拉斐爾的《聖母子》、喬爾喬內的《入睡的維納斯》、提香的《田園合奏》等。但是仔細審視，會發現這些寫實油畫包含著深刻而豐富的人文主義思想，體現出“主宰世界的應該是人而不是神，人有爭取和獲得自由幸福的權利”的人文精神，像《蒙娜麗莎》的微笑，《聖母子》中母親的慈愛，《入睡的維納斯》美麗恬靜自在的神態，《田園合奏》中兩對青年男女在一起演奏樂曲的美妙場景等等，體現的不都是一種人們嚮往的美好幸福的意境嗎？

同樣，安格爾的《泉》是一幅正面全身站立的人體油畫。畫面中，一位裸體美麗少女站立於綠色的壁龕中，雙手託舉著一隻盛滿泉水的紫色陶罐，雙腿略呈彎曲，展示出青春的活力和女性特有的身體曲線美。少女表情單一，目視前方，明眸中透著青純無邪的神韻。從陶瓶中傾瀉的泉水給畫面增添了明快流動的韻律，也更加烘托出少女皎好的容貌和清澈純淨的心靈。整個畫面美麗莊重清純典雅，看不到絲毫的低俗，給人以心靈的陶冶和美的享受。這不就是《泉》要表達的意境嗎？

題主您的問題問的非常好，啟發我思考了繪畫藝術中關於表現手法的種種問題。

寫意，是中國畫分類的一個重要概念，主要特徵是粗率地用筆用墨，其目的在於追求筆觸形式美的表現

油畫是舶來品，其表現的手法和風格多種多樣，異彩紛呈，藝術史家多以風格為其分類，譬如古典主義、浪漫主義、現實主義、立體主義等等舉不勝舉，但據我所知油畫理論中並無“寫意”這個概念。

儘管油畫理論中沒有寫意的概念，但中國畫對粗率筆觸“寫意”的審美趣味，對西方油畫產生了巨大影響。

莫奈，是西方第一個學習和實踐“寫意”畫法的著名畫家

印象派畫家莫奈最早在19世紀後半葉，接觸到了一些介紹中國畫的畫冊，立刻就開始學習並實踐了“寫意”的畫法，及至其藝術成熟期後的幾乎所有作品，他都使用了粗率的筆觸來表現形象。

譬如這一幅描繪他自己院落中的景色，我們並不能具體分辨哪是一朵花、哪是一根草、水面上漂浮的是什麼，對畫家來說，這些已經不重要，重要的是透過各種絢麗色彩的筆觸，渲染整個自然光照下的環境氣氛，以達到抒情表意的目的。

追求意境之美，追求筆墨之美，這是典型的中國畫大寫意的審美邏輯，莫奈顯然愛不釋手，並以此成就自己，成為現代藝術的里程碑式的偉大畫家。表現筆觸之美的“寫意”畫法，自印象派之後，逐漸被許多畫派廣泛使用，成為了西方油畫的主流繪畫語言

繼莫奈之後，印象派中幾乎所有的畫家都採用了“寫意”這種最時髦的筆觸表現語言。

最有個性特點的譬如修拉的“點彩”、梵高的“短棒彩”等；其他如雷諾阿、高更等儘管筆觸形態多種多樣，但一筆就是一筆，強烈的筆觸感依然十分搶眼，以致有人惡意詆譭雷諾阿的名作《Sunny中的裸女》，譏諷其Sunny穿過樹葉映在肌膚上的光點為“屍斑”。

不過100年前的貶斥和譏諷，終究擋不住人類審美觀念的不斷進步，

粗率的筆觸，反差強烈甚至突兀的色彩，“寫意”成為現代藝術的必然

為什麼“寫意”畫法在短短几十年時間就風靡整個西方畫壇？

恐怕還是和照相機的發明不無干系。傳統的精細表現方法，對細節刻畫無論如何精緻，也是敵不過一張高解析度的照片的，從這個角度說，改用“寫意”也是個人有意識、集體無意識的無奈之舉。

隨著“寫意”油畫的普及，更為極端的“寫意”藝術形式漸次登場，譬如野獸派畫家馬蒂斯《讀書的女人》，衣衫以及背景物的輪廓和紋理解釋用粗率的黑線構成，簡直和中國畫的寫意線條別無二致。

更極端的“寫意”，我們華人反而有些看不懂了

這幅華裔法國抽象表現主義畫家朱德群的«冬季意境»油畫，5年前標價150萬-230萬美元拍賣。

如此粗率、豪放的筆觸，點、線、皴擦像極了中國畫的用筆、用墨之範，其中蘊含的極其豐富的變化以及強烈的黑白灰色彩、色調的對比，使得形象的肌理感十分自然，貌似天成。

當然，如果沒有《冬季意境》這個題目，我們並不知道畫家究竟要表現什麼。

西方抽象繪畫，總的來看，與“寫意”有著千絲萬縷的瓜葛，我們或許可以從中窺見，與中國畫家“寫意”同樣的率性和意氣，也蘊含於西方抽象油畫家的心裡。

無論中國水墨畫還是西方現代油畫，“寫意”無論從技法上說，還是從藝術境界上說，都是最高階的表現形式

在繪畫也好，雕塑也好，有個影影綽綽的現象不可忽視，就是越成熟、越有成就、藝術境界越高的頂級畫家，越是追求“寫意”的畫法。

可見真正高階的藝術不再糾纏於細節，而只在於澄懷味象、直抒胸襟，以畫家心中的形象取代自然的客觀形象，將繪畫推向更純的“寫意”藝術之巔。

人老、筆老、畫老，“天若有情天亦老！”此處之“老”，是成熟、是豐富、是廣博、是完美；“大寫意”或許就是繼續引領全世界繪畫語言的那一股滾滾洪流，也是中國畫和油畫得以不斷髮展、不斷提高的的不二法門。

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繪畫在語言形式上一般分為具象繪畫、意象繪畫、抽象繪畫。

“寫意”油畫就是所謂的用油畫材料表現的意象繪畫。

有些油畫作品形象怪異，比如西班牙畫家達利的《內戰的預感》、挪威蒙克的《吶喊》、塞尚的《聖維克多山》、畢加索的《格爾尼卡》等，這些繪畫讓人看起來不像。按照一般人的理解，所謂的繪畫就要畫得“像”，否則可能會覺得“不真實”，“像不像”就成為這些人判斷一副油畫作品的唯一標準。

《內戰的預感》

所以當他們看到“不像”的繪畫作品時，就會產生排斥心理、覺得無法理解。尤其是對那些變形、誇張的作品，更是覺得怪異而不可思議。這些都是因為對意象繪畫還不太瞭解的緣故。

其實，從很早的時候開始，人們就認識到，繪畫不僅可以再現客觀現實，而且更可以表現畫家的個人情感、觀念和意識。

這種認識很重要，因為它的進一步發展就是，使人們把畫家主觀表現的能動性提高到更加突出的地位，在這種主觀能動性強調到至高無上地位的時候，就為畫家們自由繪畫打開了方便之門，就產生了那些經過畫家主觀意識改造的、各種各樣與我們在現實世界中看到的不同的藝術形象。

格爾尼卡區域性

這樣，畫家們的感覺和表達的意圖越獨特、越強烈，其畫出的油畫就可能越是與眾不同。

那麼我們怎麼去理解油畫中的“意象”呢？

所謂的“意象”是與“實象”相對而言的，也就是不是畫家按照實物表現出來的再現性形象，而是“意”中之象。是由畫家的感覺、想象和表現意圖所呈現出來的形象。

例如英國畫家培根曾畫過一幅叫《被牛肉片包圍的肖像》的作品，我們一看就知道里面那個模糊的人物就是西班牙畫家委拉斯凱茲的《教皇英諾森十世》中的教皇，可教皇在這作品中卻變成了另外一個樣子。（下圖是培根後來畫的另外一幅）

《教皇英諾森十世》《被牛肉片包圍的肖像》

培根在《教皇英諾森十世》中所感覺到的不是人物的性格魅力，而是人物極度的緊張和惶恐，所以他就模糊了人物的面部加強這種感覺。

這就是給我們理解表象提供了兩個角度，一種是從藝術家按照“我”感覺到的樣子來表現現實世界的角度，另一種就是從藝術家根據“我想”表現的意圖的角度。

我們可以理解為：意象繪畫更傾向於心理真實而不是眼見真實的傳達。儘管這些畫我們看起來怪異和誇張，但是它讓我們更全面認識這世界，所以有人說這種意象藝術更為本質地揭示了世界的真實。

因此，在繪畫歷史上，出現了各種各樣風格迥異的流派，各流派的畫家們都按照自己“感覺”到的、“我想表達”地去進行創作繪畫。