後期厲害的人，可以把前期拍攝想表現出來的東西，都可以表現出來，後期就是照片加工廠，原始到精品的塑造，真實的東西會消減，但是會變得更為精緻。

關於在攝影作品中後期調圖，是近些年才被人們接受的事情。之前在人們的認識中，擺拍都是一個錯誤的行為，更談不上後期p圖了。我認為後期p圖有兩個方面的作用：其一是在拍攝紀實攝影作品中，自我感覺有一些不足，比如構圖，色彩，或者是透視方面有些不盡如人意。其二是加進一些帶有觀念藝術內涵的元素在裡面，使這個作品有了一些讓人去思考的主觀表達。所以，如果要想達到這其中的任何一個目的，都必須學會後期P圖的本領。能夠熟練掌握一些PS的技巧，使其在創作上得心應手，隨心所欲，拍攝與後期調整互為補充，相得益彰，那是再好不過的了。

其實這個問題涉及到了攝影的前期和後期的各自重要性，或者說它們倆在數碼攝影中的重要性裡的比例是多少？這個問題，在攝影圈影友之間也是經常探討和辯論的事情。其實，早在幾十年前世界著名攝影師美國的安塞爾·亞當斯就應給出了結論，攝影的前期是譜曲，後期製作是演奏。所以說，你如果是前期拍攝不好，後期再厲害，它也不能變成一幅好的作品。你曲子譜不好，你怎麼能演奏好呢？可是前期如果你拍攝好了，後期技術不行，也不會把好曲子演奏好，又無法把攝影作品按當時現場還原或者按攝影人的想法後期修飾及烘托出好的作品。就像我們買了很好的蔬菜，不會很好的加工，所以做不出美味可口的菜。想起一個美國的電影，充分說明了這個問題，這部電影描寫一位女主人公到了美國，被男友拋棄，她在酒吧裡頭唱了一首原創的歌曲，被一個經紀人發現，後來經過組織樂隊，演奏了這首歌曲，使這個女的一舉成名，這就是典型的一部說明譜曲和演奏重要性的結合。後期很強大的或者技術很過硬的人，因為我們數碼攝影拍攝的RAW格式，它實際上就是個資料包。可以這樣講，同時兩位攝影人這樣的情況下是拍攝出來的RAW格式分不出好壞的，在同樣的角度，同樣的機位同時拍攝出來的人，後期厲害的人肯定佔優勢，他一定能通過後期製作，表達出自己的創作意圖。而技術一般的人可能這個拍攝的作品，後期製作就不如後期技術過硬的厲害的攝影人，作品就不能還原拍攝現場或者不能表達出攝影人的意圖。總結後期製作很關鍵，但不是攝影的全部。

前期是基礎，後期是提高。

學攝影必須兩條腿走路，兩手都要硬，偏廢任何一個，都是不成功的。

前期是譜曲，後期是演奏。

相得益彰，才能創作美妙的音樂。

前期是原材料，後期是加工。

同樣的材料，為什麼有人能做出美食，而你的只能算是充飢!

有些所謂的大師不重視後期，這就極大的限制了他自己的發展，也是不懂攝影真諦的表現。

真正的大師，沒有不會後期的，當然，前期功夫也必然了得。

人像後期有情可原。

風景後期，就是對觀眾的欺騙。

我堅決反對風景後期對光影的改變。

我認為，後期製作在攝影中佔有不可小覷的地位。而能夠熟練操作後期的人，在前期的拍攝中，他的頭腦中會不自覺的構想後期的效果。而這些對於前期的拍攝起到至關重要的作用。比如說攝影師要拍一個二次曝光。他在拍攝前期照片兒的時候，就會考慮到光線，構圖，甚至推測出照片合成後的效果。而不熟悉後期製作的人，雖然也想到了二次曝光，但很可能在技術層面有缺失。

我們有理由相信，隨著現代科學技術的發展，相機效能的提高，能夠熟練運用後期製作的人也會越來越多。

學了攝影，不見得就乾的了攝影。 影樓攝影師，估計是最容易找到的工作，現在影樓那麼多。 商業攝影師，雖然影樓是純粹商業，但是影樓攝影師，還真夠不上商業攝影師。去大的廣告公司、出版公司，他們都有自己的攝影機構，拍廣告、時裝等等，沒有點真功夫，估計很難進。 雜誌攝影師，現在各色雜誌成百上千，大都沒有自己的專職攝影，有專職攝影師的只是少部分真正有實力和影響力的。要進這些機構，靠機遇，也靠手藝。 報社攝影記者，這是門檻最低的，雖然做攝影記者不要求有精深的攝影技術，但是很考驗綜合素質，沒兩把刷子，進去容易，被淘汰也容易。 再不行，就只有自己幹了，弄個工作室，想拍什麼，自己做主，但是沒有實力和經營手腕，也是幹不長。 所以，首先得看你的技術、創造力、激情，攝影是個創作的行當，說到底，靠的是實力 人像攝影如果做了很長時間，積累了比較多的經驗，當然需要點名氣的話。還是有前途的。後期製作就比較茫然了，因為做這個的人太多了。而且你覺得比較好的作品，在別人看來就未必好呀！如果你可以攝影和後期製作都掌握好的話，那麼在一定的區域內，肯定有你發展的空間的。會比較吃香的。（但建議你自己開影樓）反正不管做什麼都需要你自己努力。堅持做一件事情，總會做好的，祝你成功。

就像上面這幅照片，除了一眼讓我看出PS過了頭，PS對攝影沒有什麼好處。當然這幅照片根本不是我拍攝的。

前天在上海中心蔚來汽車展廳和影友們進行了一次深入的交流活動。我直言，我展示的每一張照片都沒有經過大幅度的調整，僅僅是對飽和度進行了微調（最多15%左右）。我甚至說：好的照片連飽和度都無法調整。PS對於優秀照片幾乎無能為力。

就想上圖這類本身就已經高飽和度的照片，實在沒有辦法用PS或者LR調整。我試著調整過，拉40%以內的 飽和度，畫面沒有什麼反應，飽和度並不提升；超過40%飽和度，結果變成色調分離的效果了。

原因很簡單，照片原始的飽和度已經到極限了。無需調整。

風光攝影如此，自然類的攝影也是如此。這樣高飽和度的天空，PS根本無法調整。

您可以試著調，但是結果不會好。

街頭攝影也是如此。

PS唯一真正有用的地方就是人像攝影和廣告，可以磨皮加修圖。不過，我的模特天生麗質，PS師傅只好下崗了。

所以做PS的我喜歡稱為師傅，幹活的師傅。廣告公司和攝影公司有很多這樣的師傅。都是出大價錢請的。客戶需要。

攝影圈也有人逢圖必P，上來就是提升40%以上的飽和度。但是除了讓人看出假的離譜，真的實在找不出什麼優點。只是自以為得了大片。

不自然的片子，真好看嗎？

完整的攝影是前期拍攝加後期輸出，不管科技進步到何種程度都不能讓這兩部份分開。

而現在一部分數攝影愛好者來講（甚至80年代前的老一輩攝影人），攝影后期工作反覆就是對攝影破壞而不認可，從而造成一味的追求價值不菲的硬體。

放開攝影的歷史，從來就是拍攝硬體和後期技術同步發展的，因此在此先強調後期製作不是獨立於攝影之外的技術而是本身固有的不可或缺的。

因此後期技術厲害的人比沒有後期技術的人在攝影作品表達上有著不可比擬的優勢！！

首先感謝邀請。作為攝影來講終究是離不開後期的，傳統的膠片時代就是暗房操作，已經有很多的資料做介紹，這裡就不多說了。現在提到攝影，大眾的認知就是數碼攝影了，然而數碼攝影同樣是離不開後期的調整，也就是通常提到的數碼暗房。所以這樣的軟體調整最為關鍵的就是力度問題了，而這樣的調整標準也可以參照各類賽事的規則來決定。通常我們認為的人文紀實類只允許做裁剪和適度的明暗度調整，銳化調整，整體的黑白轉換等等，也就是理解為這是一種題材侷限下的後期。再就是藝術類，相對可以調整的範圍更加廣泛一些，也可以包含素材新增合成等等，攝影師可以根據自己對軟體的掌控程度和創作主題的要求去合理調整，展示出自身的藝術素養和更廣泛的創作主題。再有一類就是商業廣告設計類，搞這些的肯定是極為專業的職業創作者了，和藝術類同樣可以去製作，一般攝影師也很難達到那樣的層次去完成。簡單總結也就是攝影是離不開後期調整的。只是要加強自身對後期的學習和理解，針對題材和主題來合理利用後期調整，一定會讓攝影作品更為出彩。個人見解，歡迎各位老師探討交流，批評指正。