雖然，2020年才過了一個季度，但文兆傑的這張EP專輯《其後》，已經可以讓他預定今年的年度最佳新人，起碼也是之一，最重要的之一。
才華、獨特、新穎，這樣的表述，當然都適合用來形容文兆傑的這張專輯，但如果要用更精準、精確的語言，來描述《其後》的話，那麼我會用……打破！
是的，文兆傑在《其後》這張專輯裡，完成的是一種打破，而不是通常意義對音樂形式的挑戰和突破。在文兆傑及製作人陸希文的協力下，他們打破的是一種對傳統流行音樂表達方式和音樂結構的繼承，並且還重建了一種全新的表達體系。
這種體系，對於習慣傳統流行音樂的人來講，反倒是一種挑戰。但如果你一旦開始沉浸於文兆傑的音樂，其實也是對你固有審美認知的一種打破。
雖然只有六首作品，但《其後》既有相當整體性的音樂氣質，又有著一定的層次和轉折。尤其是一首一分半鐘的《興致》，更是在整張專輯裡，起到了一種Interlude的作用。
以此為分水嶺，專輯的前三首歌曲，用力、厚重，而後兩首歌曲，則相對輕鬆、放緩。這樣的設計和編排，不僅能讓情緒，有一個恰到好處的釋放出口，這種張馳的轉換和平衡，也很符合聽覺習慣。
而《其後》在作品上，最大的特點，就是結構不是傳統的結構、演唱不是傳統的演唱、編曲不是傳統的編曲。它們很難以一種固化的標籤去定義，每一首作品，更像是一個難以複製的生命體。
如果要類比，《其後》確實比較接近於The Weeknd之類的Alternative R&B（雖然這張專輯和R&B沒太大的關係），更強調音樂的氛圍，那種去結構化的無限可能性，甚至在音樂的任何一個時間點，都會出現即興的可能，或者說往往整首作品，就是有不同的即興組成。
同名曲《其後》，更像是整張專輯的Intro，北歐氣質的鋼琴，加上氛圍音效、甚至包括噪音音效的籠罩，就像是還原了混沌的世界，極光和無垠、死亡和新生。“恨透了活著也害怕著死去”，是整首作品的重點。如果說死亡代表了人生沒有意義，活著的意義本身，不正是賦予死亡以生的意義？
《抱歉》的底色，有著舊金山迷幻樂的色調，但卻不僅如此。模擬管樂的宏偉感，加上撕裂音效的破壞慾，也很好表現出“一面驕傲一面卑賤”的主題。
用偏搖滾的表達，則讓《廢派》這首歌曲，在專輯起到了一個情緒至高點的作用。但所謂搖滾，同樣並非Band Sound這種三大件或四大件的套路搖滾。《廢派》裡有難以捉摸的吉他噪音，那種既Buzz又Fuzz的音色，明顯去掉了吉他英雄式的表達，那種更無形的“散漫”和隨性，和“廢了我吧”的情緒表達，更顯同步。
除此之外，情緒化的演繹，也是《其後》這張專輯的特點。
這幾年的新人歌手，確實離傳統華語流行音樂的表達方式，已經漸行漸遠，並且有了更多屬於自己演唱層面的Flow。但即使如此，文兆傑的這張《其後》，依然是獨特的，對於傳統歌曲的演繹，更是完全顛覆的。
那種“不好好唱歌”的演繹，包括了嘆息、囈語、呢喃、傾訴、顫慄、吟唱，總而言之，都是無法曲譜化的表情。其中充滿了自得其樂、自娛自樂的歡暢、盡興，也包括了自由不羈、無所顧忌的宣洩，將一個歌手的情緒最大化。這，其實也是一種對歌曲演唱形式的打破，因為打破，就沒了束縛。
這種情緒化的演繹，可以用《鼻鼻》作為例子。很多人在評價一首歌曲的歌聲時，往往會涉及到轉音、高音、低音等等技巧層面，或者另一種聽者層面的感知，比如讓人感到溫暖、音樂有溫度之類的。
但在《鼻鼻》這首歌曲裡，你卻可以直觀感受到文兆傑演唱者，嘴角輕輕上揚的微笑、幸福，以及滿足的樣子。用“很幸福的樣子”唱出“很幸福的日子”，這大概就是情緒化演繹的妙處。
當然，所謂情緒化的演繹，其實並沒有像文字本身那樣玄虛。事實上，文兆傑在《其後》裡的歌聲，雖然極具情緒化，卻並不虛無飄渺、肆意放任。
整張專輯裡的人聲，之所以聽起來既任性和個性，又非常立體飽滿，恰恰就是因為在製作過程中，運用了大量的和聲。甚至在一些作品裡，還用了多聲部的下行和聲，來保證人聲的力度和層次。
音樂，既和情緒有關，也從來和技術相關。沒有技術的情緒表達，永遠達不到藝術的高度。
他對《其後》專輯的氛圍設計、音色選擇，比如像《抱歉》裡，用音效軟體始終模仿不了的Fender Rhodes，來營造那種古舊的溫暖感這樣的細節，都讓音樂因為這種精妙的佈局而變得完美。
至於文兆傑，即使《其後》是他個人的首張音樂作品輯，但他卻已經透過六首作品，完成了他個人音樂體系的初步建立。用迴圈Chorus的方式，讓作品在情緒化的延伸中，依然能夠完成對Verse的遞進，那種將氣息與旋律結合、情緒與力度平衡的創作及表達，都讓他在這個世代的唱作新人中，有了獨一無二的Flow。
文兆傑，就像一個Inide的Chet Baker，也像一個黑白色調的Blood Orange，或者一個更溫和的King Krule，這些都是文兆傑喜歡的歌手，他沒能做到和他們一模一樣，卻已經做到了屬於自己的不一樣。
雖然，2020年才過了一個季度，但文兆傑的這張EP專輯《其後》，已經可以讓他預定今年的年度最佳新人，起碼也是之一，最重要的之一。
才華、獨特、新穎，這樣的表述，當然都適合用來形容文兆傑的這張專輯，但如果要用更精準、精確的語言，來描述《其後》的話，那麼我會用……打破！
是的，文兆傑在《其後》這張專輯裡，完成的是一種打破，而不是通常意義對音樂形式的挑戰和突破。在文兆傑及製作人陸希文的協力下，他們打破的是一種對傳統流行音樂表達方式和音樂結構的繼承，並且還重建了一種全新的表達體系。
這種體系，對於習慣傳統流行音樂的人來講，反倒是一種挑戰。但如果你一旦開始沉浸於文兆傑的音樂，其實也是對你固有審美認知的一種打破。
雖然只有六首作品，但《其後》既有相當整體性的音樂氣質，又有著一定的層次和轉折。尤其是一首一分半鐘的《興致》，更是在整張專輯裡，起到了一種Interlude的作用。
以此為分水嶺，專輯的前三首歌曲，用力、厚重，而後兩首歌曲，則相對輕鬆、放緩。這樣的設計和編排，不僅能讓情緒，有一個恰到好處的釋放出口，這種張馳的轉換和平衡，也很符合聽覺習慣。
而《其後》在作品上，最大的特點，就是結構不是傳統的結構、演唱不是傳統的演唱、編曲不是傳統的編曲。它們很難以一種固化的標籤去定義，每一首作品，更像是一個難以複製的生命體。
如果要類比，《其後》確實比較接近於The Weeknd之類的Alternative R&B（雖然這張專輯和R&B沒太大的關係），更強調音樂的氛圍，那種去結構化的無限可能性，甚至在音樂的任何一個時間點，都會出現即興的可能，或者說往往整首作品，就是有不同的即興組成。
同名曲《其後》，更像是整張專輯的Intro，北歐氣質的鋼琴，加上氛圍音效、甚至包括噪音音效的籠罩，就像是還原了混沌的世界，極光和無垠、死亡和新生。“恨透了活著也害怕著死去”，是整首作品的重點。如果說死亡代表了人生沒有意義，活著的意義本身，不正是賦予死亡以生的意義？
《抱歉》的底色，有著舊金山迷幻樂的色調，但卻不僅如此。模擬管樂的宏偉感，加上撕裂音效的破壞慾，也很好表現出“一面驕傲一面卑賤”的主題。
用偏搖滾的表達，則讓《廢派》這首歌曲，在專輯起到了一個情緒至高點的作用。但所謂搖滾，同樣並非Band Sound這種三大件或四大件的套路搖滾。《廢派》裡有難以捉摸的吉他噪音，那種既Buzz又Fuzz的音色，明顯去掉了吉他英雄式的表達，那種更無形的“散漫”和隨性，和“廢了我吧”的情緒表達，更顯同步。
除此之外，情緒化的演繹，也是《其後》這張專輯的特點。
這幾年的新人歌手，確實離傳統華語流行音樂的表達方式，已經漸行漸遠，並且有了更多屬於自己演唱層面的Flow。但即使如此，文兆傑的這張《其後》，依然是獨特的，對於傳統歌曲的演繹，更是完全顛覆的。
那種“不好好唱歌”的演繹，包括了嘆息、囈語、呢喃、傾訴、顫慄、吟唱，總而言之，都是無法曲譜化的表情。其中充滿了自得其樂、自娛自樂的歡暢、盡興，也包括了自由不羈、無所顧忌的宣洩，將一個歌手的情緒最大化。這，其實也是一種對歌曲演唱形式的打破，因為打破，就沒了束縛。
這種情緒化的演繹，可以用《鼻鼻》作為例子。很多人在評價一首歌曲的歌聲時，往往會涉及到轉音、高音、低音等等技巧層面，或者另一種聽者層面的感知，比如讓人感到溫暖、音樂有溫度之類的。
但在《鼻鼻》這首歌曲裡，你卻可以直觀感受到文兆傑演唱者，嘴角輕輕上揚的微笑、幸福，以及滿足的樣子。用“很幸福的樣子”唱出“很幸福的日子”，這大概就是情緒化演繹的妙處。
當然，所謂情緒化的演繹，其實並沒有像文字本身那樣玄虛。事實上，文兆傑在《其後》裡的歌聲，雖然極具情緒化，卻並不虛無飄渺、肆意放任。
整張專輯裡的人聲，之所以聽起來既任性和個性，又非常立體飽滿，恰恰就是因為在製作過程中，運用了大量的和聲。甚至在一些作品裡，還用了多聲部的下行和聲，來保證人聲的力度和層次。
音樂，既和情緒有關，也從來和技術相關。沒有技術的情緒表達，永遠達不到藝術的高度。
他對《其後》專輯的氛圍設計、音色選擇，比如像《抱歉》裡，用音效軟體始終模仿不了的Fender Rhodes，來營造那種古舊的溫暖感這樣的細節，都讓音樂因為這種精妙的佈局而變得完美。
至於文兆傑，即使《其後》是他個人的首張音樂作品輯，但他卻已經透過六首作品，完成了他個人音樂體系的初步建立。用迴圈Chorus的方式，讓作品在情緒化的延伸中，依然能夠完成對Verse的遞進，那種將氣息與旋律結合、情緒與力度平衡的創作及表達，都讓他在這個世代的唱作新人中，有了獨一無二的Flow。
文兆傑，就像一個Inide的Chet Baker，也像一個黑白色調的Blood Orange，或者一個更溫和的King Krule，這些都是文兆傑喜歡的歌手，他沒能做到和他們一模一樣，卻已經做到了屬於自己的不一樣。