香港電影的黃金時代已經過去了，而且很難恢復，主要原因是大陸的市場太大了，更多的資本更優秀的人才，會選擇北上大陸發展，這就導致了香港娛樂業的蕭條，但是大陸的娛樂雖然蓬勃發展，但是我們總是感覺缺少一些港片的味道，主要原因是大陸的審查太嚴了，港片得益於香港的自由和創作環境

以前的電影，街頭上有小商販帶來的那種煙火味兒。吃喝拉撒很真實。

從英雄本色到雷洛傳到無間道，人物都有人情味兒。不是簡單的黑與白。

音樂做的用心，上海灘，一生所愛，傳唱至今。

一部片子，劇情飽滿不拖沓，角色展示立體飽滿，故事線豐富。

現在基本看大陸片子了。比如無名之輩。

第一、大陸的影片現在不是以前的影片了，喜歡看的人多了

第二、港片找不到可以突破之前影片的出口

第三、香港現在是中國的（以前在每個人心中香港什麼都是好的）

在上世紀80年代到90年代是香港電影的鼎盛時期，很多優秀的電影人，導演拍的電影很符合當下那個年代的情景，因為它真實記錄了當時香港的獨特環境。

隨著香港迴歸，商業，政治等因素，香港其實對比之前走了很大的變化，人們的生活，經濟等方面都有所改變，觀眾的口味，品味也有所改變，個人覺得還是商業利益的變化，讓很多人不能專心做好電影，香港電影沒有之前的港味主要還是香港不再是當年的香港，老一批優秀的電影人也老了，後繼無人。

其實從當年《古惑仔》、《黑社會》、《暗花》等黑幫電影到《無間道》，曾經紅極一時的《英雄本色》、賭片系列到現在的《導火線》、《澳門風雲》等，我們可以看到觀眾的口味也是在變化的，觀眾的年級，人群也是在不斷變化，所以這是一種自然正常的現象，要適應新的環境，新的觀眾，不管是香港電影也好，大陸電影也好，都是面臨一個轉型期，過度期。

而現在的電影大多都是純粹的為講故事而講故事。看後就忘無法讓你產生任何可以思考的地方。

現在的好電影是有的，現代的好的港片也是有的。但是每年上映的電影太多了太多了。自然糟粕多了，精華便變得少了。

¹先說香港電影的“港味” 70年代到90年代的香港電影 那時候的電影拍的很真實 很容易給人一種帶入感 那時候追求細節感 哪怕是電影小小的一個細節 導演和演員都要過好幾遍 ²再有就是演員很敬業 很能吃苦 不像現在吃飯喝水都要人伺候(這個我只是說某些明星 不代表全部) 70年代到80年代香港電影造就多少大明星 大導演 也留下了很多經典的電影 以至於現在看都覺得比現在的電影好看 再說說感覺 現在的電影多了太多特效 尤其是武打電影 特效太多 當然現在都講就安全第一 但就是感覺現在的某些電影真沒法看 這就是我對香港電影一些看點 謝謝 評論呦

80、90年代的香港，正處於經濟騰飛的黃金時期，是整個東南亞的電影文化中心。在香港電影中，周圍地區都是附庸和落後的角色：菲傭“瑪利亞”、大陸來的“老表”、臺灣來的黑社會；儘管港片中的本港人也都是些市民小角色，卻個個樂觀向上，結局一團和氣。那時候的香港電影，充滿人間煙火氣。

隨著大陸經濟的高速發展，香港已經失去它作為華語電影市場中心的地位。原本香港的資金和人才很早就流向內地了。

在電影市場重心的轉變過程中，原本香港是有機會把重心留在本土，吸引大陸人才和資金流向香港發行電影的。但是香港電影人並沒有展現這種包容的態度，相反的，他們對於和大陸的合作，從一開始的高姿態，到轉變為防禦姿態，最後只剩下一小部分堅持本土創作，對外界呈現出一種抵抗姿態。

這一點不在此展開。因為如果香港電影以包容的心態去迎接內地影人，沒有粵語和其他束縛，那時候港味也可能會產生另一種變化。

只從目前看，“港味”變質了。

港片最繁榮的時候，大概是上個世紀八九十年代到這個世紀初，早年內地影視行業不比香港臺灣，加上最早一批的題材新穎種類繁多，滿足不同觀眾不同年齡層次的喜好。

比如當年堪稱萬人空巷的《上海灘》，武俠電影《神鵰俠侶》《倚天屠龍記》等都是炙手可熱的影片，著名的還包括星爺的《大話西遊》《大內密探零零發》等帶有喜劇色彩的電影，這些影片也一手捧紅了如周潤發、劉德華、郭富城在內的一眾明星。

而且加上當時整容還未普遍，當年的熒屏女神是真的稱得上女神，張曼玉、關之琳、朱茵、劉嘉玲等女星美得出眾，獨具一格，出彩的劇本配上出彩的演員，自然而然地火遍大江南北。

早期的港片呈現一派欣欣向榮的姿態，影響了一大批八零九零後。只不過隨著觀眾年齡的增大，當年的天王天后也已老去，一代新人換舊人，但新人未必能如同“老人”一樣繼承當年的榮光。如今的觀眾更傾向於多元化的影片，隨著網際網路時代的不斷髮展，又先後引進歐美等國家的優秀影片，而內地影視行業的崛起，算是徹底對港片產生了威脅。

總之，還是希望港片能越來越好，重現當年輝煌，內地影視行業也穩中求進，穩健發展。

港片最繁榮的時候，大概是上個世紀八九十年代到這個世紀初，早年內地影視行業不比香港臺灣，加上最早一批的題材新穎種類繁多，滿足不同觀眾不同年齡層次的喜好。

比如當年堪稱萬人空巷的《上海灘》，武俠電影《神鵰俠侶》《倚天屠龍記》等都是炙手可熱的影片，著名的還包括星爺的《大話西遊》《大內密探零零發》等帶有喜劇色彩的電影，這些影片也一手捧紅了如周潤發、劉德華、郭富城在內的一眾明星。

而且加上當時整容還未普遍，當年的熒屏女神是真的稱得上女神，張曼玉、關之琳、朱茵、劉嘉玲等女星美得出眾，獨具一格，出彩的劇本配上出彩的演員，自然而然地火遍大江南北。

早期的港片呈現一派欣欣向榮的姿態，影響了一大批八零九零後。只不過隨著觀眾年齡的增大，當年的天王天后也已老去，一代新人換舊人，但新人未必能如同“老人”一樣繼承當年的榮光。如今的觀眾更傾向於多元化的影片，隨著網際網路時代的不斷髮展，又先後引進歐美等國家的優秀影片，而內地影視行業的崛起，算是徹底對港片產生了威脅。

總之，還是希望港片能越來越好，重現當年輝煌，內地影視行業也穩中求進，穩健發展。

港片衰在太有腦。近幾年的都在燒腦。看多了煩，反感，討厭。好好好，你最有腦，你最聰明，觀眾都是大傻瓜。事後呢？誰會提起？甚至哪部跟哪部都搞不清了，你告訴我《赤道》《暗戰》《暗流》等等區別在哪？裡面有什麼經典對白讓人記住的？以前的電影，畫面沒有現在的好看，首先在技術方面就肯定沒有現在好。但是那個時候電影有靈魂，能夠走入人心，看完很久還是在回味。

首先，是香港電影裡一些重要的符號消失了，而且這種符號缺乏替代品。

比如說九龍城寨，它為什麼能成為一種文化符號？因為它曾經是香港最負”盛名“的貧民窟，在這裡充斥著各種三教九流、底層亂象。它作為一種背景被展示出來，就隱性的表達出各種社會問題。比如在《省港旗兵》的後半段，九龍城寨就為警匪對峙、兄弟反目提供了一個相當緊張的空間環境。警察、渴望留下的小弟、有情有義的劫匪大哥‘、安心做娼的舊情人，九龍城寨將這些人物襯托得真實且鮮活，最後也加重了這群省港旗兵的悲劇色彩。

在1997年的《香港製造》和2008的《天水圍的日與夜》中，導演也用了屋村和深水埗貧民樓來構造空間，但它們並未能化身成九龍城寨這樣形象的符號語言。

另外一個消失的符號是演員。香港演員在今天斷層的局面十分明顯。三十年前的老電影，我們看成龍、周星馳、周潤發、梁家輝、任達華、吳君如這些人，三十年後的新電影我們還是看他們。其中更有一些已經離世了，張、梅兩位大牌不說，還有像大傻成奎安、老道長午馬這樣的綠葉演員。

香港電影當真沒有本土氣質的接班人嗎？答案是有的。

但遺憾的是，出現了“豔照門”事件。

”豔照門“，整整毀了香港一代希望之星。謝霆鋒、張柏芝、陳冠希、TWINS。尤其是謝霆鋒和張柏芝，他們本是香港唯二的影帝、影后夫婦。他們本來擺脫了壞孩子的形象，年紀輕輕演技就獲得廣泛認可。但今天呢？一個成了傳說中脾氣暴躁的單身母親，一個心灰意冷無心電影事業開始低調做人。事件的另一位主角，說到做到徹底離開了電影圈。觀眾只有在觀看《狗咬狗》和《無間道》時才感嘆：啊，他原來是那麼有表演天分。

在《狗咬狗》中大部分時間裡都沉默的陳冠希，用他內斂的表演，表現了角色的孤獨痛苦與不馴。

其次，是觀影人群的變化。

是什麼導致了香港電影的繁榮？

不誇張的說，是一群女人，一群車衣女工。麥兜的媽媽，就是一位車衣女工。

上世紀七八十年代，香港製造業興起和繁榮，製衣就是其中重要一項，大量原本只能在家相夫教子的女人走進了工廠，成為賺錢養家的勞動力。當時車衣女工被認為是”一份可以做一世的好工“，許多女孩甚至小學畢業十三四歲就借身份證進工廠養家。儘管工作很苦很枯燥，但是女性有了消費能力以後，她們開始走進電影院，以此作為消遣。當年輕的女人走進電影院後，年輕的男人還能去哪裡呢？

這群文化程度不高的年輕人（沒有貶義），最容易接受的，就是不用思考逗人發笑的生活喜劇，而且他們主要的目的也是為了放鬆。所以，他們能吃得下“香港電影”這碗叉燒飯。

另一方面，由於艱苦的生活，他們對於電影中小人物的理解，對於樂觀向上的精神，更容易產生共情。生活經驗彌補了他們文化知識的不足，使他們更能理解這些電影的表達。

而今天，不只是香港的觀眾，包括大陸的觀眾，很多都是含著金鑰匙長大的，接受過高等的教育，他們對於電影視效的要求提高了，對於苦難的理解降低了。娛樂、刺激和”燒腦“成了更直接的需求，也難免投資方和創作人員把資金投向一些大片當中了。

有各種各樣的佛跳牆，喜歡叉燒飯的自然少了，何況是少了幾味調料的叉燒飯。

《天水圍的日與夜》劇照。在電影中，鮑起靜扮演的阿貴十四歲就進入工廠做學徒，先後資助了兩個弟弟上大學。在平淡生活中展現女人（小人物）的堅強和獨立，是許鞍華電影突出的主題之一，這是隱藏在種種外衣之後，”港味“的內涵。

再次，是電影市場中心地位的變化。

80、90年代的香港，正處於經濟騰飛的黃金時期，是整個東南亞的電影文化中心。在香港電影中，周圍地區都是附庸和落後的角色：菲傭“瑪利亞”、大陸來的“老表”、臺灣來的黑社會；儘管港片中的本港人也都是些市民小角色，卻個個樂觀向上，結局一團和氣。那時候的香港電影，充滿人間煙火氣。

隨著大陸經濟的高速發展，香港已經失去它作為華語電影市場中心的地位。原本香港的資金和人才很早就流向內地了。

在電影市場重心的轉變過程中，原本香港是有機會把重心留在本土，吸引大陸人才和資金流向香港發行電影的。但是香港電影人並沒有展現這種包容的態度，相反的，他們對於和大陸的合作，從一開始的高姿態，到轉變為防禦姿態，最後只剩下一小部分堅持本土創作，對外界呈現出一種抵抗姿態。

這一點不在此展開。因為如果香港電影以包容的心態去迎接內地影人，沒有粵語和其他束縛，那時候港味也可能會產生另一種變化。

只從目前看，“港味”變質了。

用許冠文2005年的話說：香港在成為“四小龍”之前，香港人沒錢，但是有情，他們很快樂；成為“四小龍”之後，香港人感情淡薄了，但是有錢，他們也很快樂；但是金融危機之後，香港人既沒有錢，也沒有情，於是他們不快樂了，不僅不快樂，而且很憤怒。

在香港人“憤怒”以後，更多香港電影人傾向拍攝反省港人港事的題材，試圖找出本港人的精神內涵。從《老港正傳》、《金雞》到《細路祥》再到去年的《老笠》，莫不如此。但年代越近，越發透出死氣沉沉的宿命感。在《香港製造》、《老笠》中，都有年輕人跳樓自殺的場景。在今年的電影《毒誡》中，本來是一個救贖的主題，但影片灰暗的基調卻讓人印象深刻。導演著力渲染了空間對人的束縛力。

同樣是生存在狹小的空間，以前的小市民樂觀、堅持，相信努力會有收穫；現在香港電影中的小市民，更多是感到悲觀、絕望，認為衝不破這樣的空間。

在這種心態下，他們緊縮身體，下意識的認為這樣更安全，表現出的自我意識更加強烈。個人認為這部分香港人對現狀存在這種矛盾心理：一方面認為空間限制了自己，一方面又蜷縮於這種空間當中，懷念過去甚於迎接新的未來。

但是，如果香港不能以更樂觀開放的心態，去包容和麵對外部世界的變化，那麼我們，只能在老電影中緬懷曾經的香港精神了。