早在1915年，卡濟米爾·馬列維奇（Kasimir Malévitch，1878——1935）就因他“至上主義”繪畫聲名大噪，成為二十世紀初抽象藝術的開拓者之一。

那一年，馬列維奇與同伴在聖彼特堡舉辦了一次展覽，用一些純粹的平面幾何圖形展示了一個“無物象的世界”，展出的《黑十字》《白底上的黑方塊》等作品是史上首批純粹幾何圖形的抽象畫，被稱為“至上主義”（Suprématisme）。

所謂至上主義，就是徹底否定繪畫中主題、物象、內容、空間，將人的意識在接近於零的內容中表現出來，“無”是至上主義的最高繪畫原則。

馬列維奇早就徹底拋棄繪畫中所有的具象形式，怎麼過了十多年，他又開始轉具象繪畫了呢？

蓬皮杜藝術中心收藏的這張《奔跑的男人》，是馬列維奇生前最後完成的作品之一。1978年，一位藏家匿名將它贈送給法國國立現代藝術博物館的，一同贈送的還有同期作品《人與馬》。兩件作品都完成於1930至1931年間。

原來，斯大林上臺後，發動了“大清洗運動”，蘇聯的“藝術只能代表社會現實”，馬列維奇的至上主義繪畫屬於“異端”前衛藝術。不得已，他只得在具象繪畫中植入至上主義的幾何圖形和純色。

在《奔跑的男人》作品裡，一片藍色的背景下，一個極端簡約的人形正奔跑在田地裡。這片田地是一些寬窄不均的黃、紅、黑、綠、白的長方形純色色塊拼湊而成，這是至上主義極簡約的風格。

畫面右邊，有兩棟沒有窗戶的小房子，那是兩座監獄。監獄中間，插著一把帶血的劍，象徵著危機重重。這是馬列維奇對自身經歷不滿的控訴。1930年，他被指控為德國間諜，在獄中煎熬了兩個月後因證據不足被無罪釋放。

因此，這幅畫還有一個名字叫“危機感”（Sensation du danger），馬列維奇完成了多幅相同主題的素描稿，後來被統稱為“監獄的威脅”系列。

一般認為，這個面部僅為黑色橢圓形，有著凌亂的白髮和鬍鬚，在田間奔跑的男子，代表了當時蘇聯農民的窘迫處境。在蘇聯的第一個五年計劃中（1928-1932），激進的農業集體化運動席捲全國農村。1932年，蘇聯南部以及馬列維奇的老家烏克蘭發生了大饑荒，造成幾百萬人死亡。

背景中的紅色十字架更突顯了農民的窘境。二十世紀二十年代末，烏克蘭有一首流行歌曲，其中歌詞為：“路旁紅色的十字架，子彈穿透了它，帶血的眼淚染紅了它。”

清，為神清，渾，為神濁。

清為貴，濁為賤。以清濁分貴賤。

一個畫手，作品渾濁，說明神志不清。別看他們的作品，傷神氣。

畫，以線條精細、用色清晰、整體成象、氣質尊重、為大貴。

馬列維奇1878年出生在當時的俄國基輔一個貧困而保守的家庭，去世於1935年，他一生貧病交加，生活相當不幸。

但在藝術思想上，他並不保守，對新生藝術流派和理念都能很容易接受，跟當時世界藝術潮流是一致的。

馬列維奇作品

在繪畫初期，印象派作品奔放的筆觸，熱情的色彩，簡約的格調讓他著迷。於是，他從印象派繪畫入手，並透過自己不斷探索，以及跟其他畫家，如抽象主義創始人康定斯基長期交往，讓他的繪畫風格產生了重大變化。

他沿著抽象主義繼續深挖，最終形成了看起來既樸實無華，又抽象神秘的幾何形體的繪畫，在晚期，他又嘗試把黑白或者鮮豔色彩融入到幾何形體中，形成了另一種表達圖式，像迷一樣吸引著人。

馬列維奇作品

也因為他這種迷一樣的幾何體繪畫創作，具有獨一無二的風格和藝術魅力，讓他最終在繪畫史上佔有了一席之地，受到了人們的尊重。

總體來說，馬列維奇的畫屬於前衛藝術，注重構成和設計感，跟俄國當時的傳統畫法格格不入。

馬列維奇自畫像

19世紀末期，20世紀初期的沙皇俄國是一個相當保守的國度，人們喜歡以列賓為首的現實主義風格。這種風格比較理性，把人物畫得很像很逼真，普通人都能看明白畫的是什麼。

而馬列維奇的畫，不被國家喜歡，也不被大眾理解，他的畫很難賣出去。

馬列維奇《起飛的飛機》

因此，在殘酷的現實生活面前，他不得不停止了自己的藝術探索，改畫現實主義風格。

他改善畫風發生在生命的最後10餘年，大約從1920年開始，到他1935年去世。

純外行，瞎說，湊回答。

是不是那個三階段理論所說的：

第一階段，看山是山，看水是水。

第二階段，看山不是山，看水不是水。

第三階段，看山又是山，看水又是水。？

那列維奇因為“至上主義”名噪一時，就是徹底否定繪畫中主題、物象、內容、空間，將人的意識在接近於零的內容中表現出來，“無”是至上主義的最高繪畫原則。作為20世紀初期前衛藝術的先驅，他的藝術觀念一直受到眾多質疑。

後期因為政治因素（自行度娘大清洗運動），不得已轉入具象繪畫。

簡簡單單答題，字數不夠生平來湊。哈哈

馬列維奇是俄國幾何抽象派畫家，是至上主義畫派的倡導者。他的繪畫以極簡幾何抽象畫風而聞名，最有名的代表作《自畫像》《飛機起飛》《一個英華人在莫斯科》……先說說什麼是畫家所倡導的至上主義？ 簡單地說就是繪畫時所投入的感情或感覺達到至高無上的意境，這種主義強調的是畫家感覺的純粹性，原來我們所熟知的大自然裡的具體真實的造型統統都不要了，表現接近於“無”的意識，繪畫創作僅僅存在於繪畫本身。馬列維奇將自己的藝術形式高度簡化，形成極度簡約的幾何形體繪畫風格。這種繪畫風格，不僅是非專業的普通人，就是很多專業人士也看不太明白他繪畫裡所蘊含的深刻的東西究竟是什麼，但是他的至上主義繪畫確實引人注目。有人說他是具象繪畫的終結者。確實，至上主義是傳統繪畫時代終結的標誌，而整個至上主義藝術團體中幾乎只有他一個人。

可這種畫風經過了十幾年後，馬列維奇的繪畫風格又轉回了具象。具體原因可能是出於各方面的影響吧。在畫家生活的時代,西方抽象藝術此起彼伏，,迴歸具象繪畫風格，並不是所有抽象藝術家的普遍選擇。但抽象藝術“物極必反” 回到具象,可能也是畫家們重歸古典美學的必然趨勢吧。

馬列維奇因極簡幾何抽象繪畫出名，為什麼十幾年後又轉具象畫呢？、他是烏克蘭至尚主義倡導者、幾何抽象派畫家、俄未來主義藝術的英奠基人、莫斯科繪畫雕塑建築學校學習過、在嘗試印象主義風格後、形成俄農民使形像更加幾何化、白底上的黑方塊、是至尚主義的一件品、一正歹形再用鉛筆將均勻塗黑、極簡單的幾何抽象畫、畫中所現並非是一個空洞方型、有極豐富的藝術意義。

對繪畫藝術我不是很懂，但是有一則畫家故事深深的記在我的心裡。

一個年輕的畫家帶著他的理想來到了一座城市，他在找工作屢屢失敗中，找到了一份替教堂作畫的工作，收人極低。由於他的生活窘迫，只能在一家被廢棄的車庫裡生活和工作。每天晚上陪伴他的只有老鼠。後來不僅是在黑夜裡連白天這隻老鼠也不懼怕他了，也跟他一塊兒做畫。再後來，老鼠竟敢大膽的爬到他工作畫板上。並且在畫板上跳、蹦，他和老鼠交上了朋友。

不久這個畫家被介紹到好萊塢去製作一部動物為主的卡通片。使他得到了一個展現自己的機會，但是在他的腦海裡沒有能夠創造出奇蹟的畫來，他又跌進了低谷。他一直在苦苦的思索。偶爾有一天她又聽到了老鼠的叫聲。就在那一剎那他的靈感被喚醒了。這就是有史以來，最偉大的動物卡通形象米老鼠。就是這隻老鼠讓他才華橫溢。也讓華德.狄斯耐名噪全球。

這個故事說明了，人經過磨鍊之後才能得到感官世界。人要憑藉自己超凡的意志不斷的改變自己，憑藉他的敢於夢想的品質，藉助手裡的筆，創造豐富的感官世界。馬列維奇從極簡幾何抽象繪畫轉具象繪畫也是如此。最終在《白色上的白色》成了繪畫藝術的最高境界。

圖片來自於網路。

馬列維奇1878年出生在當時的俄國基輔一個貧困而保守的家庭，去世於1935年，他一生貧病交加，生活相當不幸。

但在藝術思想上，他並不保守，對新生藝術流派和理念都能很容易接受，跟當時世界藝術潮流是一致的。

今天這個題主的問題，回答起來好象頗有深度，也就是很有難度。就是藝術與現實，藝術家與現實，到底有多大的距離？

這個問號，暫且做為一個思考題撂這。

單就馬列維奇個人的轉變，其實沒那麼複雜，就是他的“抽象的幾何形體”、他的“至上—構成主義”不能融入到現實當中。也正是因此，他的“至上主義”才不被上世紀二十年代初的蘇聯文藝界所容納。他不被包容的原因，也沒有一些人臆想的那麼複雜。當時的蘇聯社會，雖然新政權初建，很複雜，但那是在政治上，還扯不到一個抽象派畫家身上去。

“模仿性的藝術必須被摧毀，就如同消滅帝國主義軍隊一樣。”這句話，只能是他的個人獨白。“一個人獨舞的舞臺”能堅持多久？

其實一個藝術家，活在一個自己封閉的藝術世界裡，作為探索，或者傳道，有被後人推崇的價值。但是，在當他面對現實的時候，他的藝術“創新”之路只會越走越窄。就像他自己認為的那樣：觀眾之所以對該畫難以接受，是因為他們習慣於將畫視為自然物象的再現，而沒有理解藝術品的真正價值。

他的這種認識，可能不只是他自己，也是一些“現代”、“前衛”、“先鋒”等等藝術與現實的距離。

也許，他的探索、他的藝術，在他那個時代，只能屬於未來，而不屬於現實。

“我的新繪畫完全不屬於地球。地球像個被蛀壞的房子一樣，已經被遺棄了。確實，在人的身上，在人的意識中，有一種對空間的渴望，一種脫離‘地球’的嚮往。”(《致馬秋申書》)

在他的話裡，我感覺，他的藝術，不僅是屬於“未來”，也在迴歸“原始”。