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大提琴（Cello）
應用譜號：低音譜號或中音譜號、次中音譜號。
結構組成：類似小提琴，但琴身大很多，琴弓稍粗且短，定弦比中提琴低八度。
使用材質：琴身：木製結構，以槭木和雲杉為原材料配合製造的音色最佳；
琴絃：金屬絲；
琴弓：馬尾。
是近代管絃樂隊中必不可少的次中音或低音絃樂器。在管絃樂曲中大提琴聲部經常演奏旋律性很強的樂句，也與低音提琴共同擔負和聲的低音聲部。它也是非常為人們所喜愛的獨奏樂器。
大提琴是由古代歐洲的膝琴（Viola de gamba）演變而來的，自16世紀以來即流行於世。但在很長一段時間內，其樂器的大小一直未能固定下來，經過許多年的實踐與改革才算告一段落。現代大提琴標準高約48英寸，具有深厚動人的音色。
大提琴和小提琴或其它絃樂器家族成員一樣，都有四根弦，音域約為四個八度，音高比中提琴低八度（C—G—d—a），樂譜通常用低音譜表，在較高音區有時用中音譜表。大提琴的第一根a弦發音華麗有力，富於歌唱性，第二根d弦，音色較朦朧，第三、四弦（G、C）低沉響亮，能夠承受樂隊的非常沉重的音響。它的發音原理雖然與中、小提琴相同，但其手指的把位在低音區與小提琴迥然不同，尤其是在高音區時能用拇指把位演奏。至於演奏技巧，由於大提琴在琴身大小、琴絃排列與琴絃長短等方面與小提琴均不相同，因而它的奏法與中、小提琴不同，是夾在兩腿之間演奏。演奏時，演奏家將琴身輕輕夾於兩膝間，底部以一根可調整高度的金屬棒支撐。演奏方式則計有用弓毛拉弦、手指撥絃和用弓杆敲弦。
自17世紀大提琴家多曼尼科·加布裡埃利（Domenico Gabrielli）創作了第一首大提琴獨奏曲以來，已有不少作曲家專門為大提琴創作樂曲。如18世紀的維瓦爾第、塔爾蒂尼和萊奧等作曲家，都曾模仿小提琴協奏曲而為大提琴寫了不少協奏曲；後來在英國、奧地利與法國等地也相繼出現了義大利風格的大提琴協奏曲及其他樂曲。至於18、19世紀的古典主義與浪漫主義作曲大師們，如海頓、莫扎特、貝多芬、舒伯特、舒曼、德沃夏克以及柴科夫斯基等，也都大量寫作了大提琴獨奏曲、協奏曲和有大提琴聲部的室內樂，使這一樂器的效能與技巧得到了充分的發揮。其中最常演奏的有巴赫的六首大提琴組曲、博克尼尼協奏曲、海頓的D大調與C大調協奏曲、勃拉姆斯為小提琴與大提琴譜寫的a小調協奏曲、舒曼的協奏曲、德沃夏克的協奏曲、柴可夫斯基的《羅可可主題變奏曲》、聖·桑的協奏曲等等。
其他如拉洛、埃爾加、柯達伊、興德米特等近、現代作曲家亦創作了許多優秀的大提琴樂曲，深受人們的喜愛。
一、學習大提琴需要什麼條件
按照日本著名小提琴教育家鈴木先生的說法：“所有的人都應該學一樣樂器，也可以學好它。”
這種觀點是對的，但是落實到某一個孩子，要讓他學習大提琴，我想還是要看他是否具備以下一些條件：
首先是對音準、節奏的感覺怎樣，有的人天生五音不全，找不到音準的準確概念，還有人對節奏記憶很差，不會模仿最簡單的符點和切分，這樣的孩子就不要勉為其難了。
其次如果要學大提琴，相對來說手應該大一些，個子要高一點，自然條件好，將來學習也會順利些。
在確定了這兩點後，最後也是最重要的是要找一位好的教師。啟蒙老師，第一位教你學琴的師長，對你未來學琴一生，如何走好這一漫長的路程，是十分關鍵的，現在社會上魚目混珠，請你慎重選擇。
二、初學大提琴注意事項
到底幾歲開始學大提琴好，各人說法不一，我想六歲開始是合適的。最好在四歲先學點鋼琴，打下一個學習器樂的基礎，會對今後的學琴很有益的。
大提琴有1/8、1/4、2/4、4/4之分，根據自己的身高、手形由老師來確定你應該有一把什麼型號的琴，這是學琴前第二件要做的重要事情。當然小琴質量不必太好，因為隨著年齡、個子的增長，還要不斷地換琴，但是有一把合適的琴，是學好琴的先決條件。
三、怎樣拉好大提琴
在我40餘年的教學過程中深感到要拉好琴，首先是演奏方法要好，也就是說要放鬆自如地拉琴，要做到這一點很不容易，但是卻必須做到。
你可以注意觀察和傾聽，凡是琴拉得好的人，不論他是大師還是學生，他的演奏方法必須是放鬆自如，掌握了好的方法之後，高超的技術就是接著來的課題。
大提琴的技術包括左、右手兩個方面，我喜歡問學生左手難還是右手難。不能回答說兩隻手都難，要強調的是右手比左手更難。
右手指的是握弓和運弓，弓子觸弦才能發出聲音，想發出一種什麼樣的聲音，這是憑自己的感覺，可以說每個人的發音都是不一樣的。
老師只能告訴你應該怎樣握弓，每個手指的作用，放在什麼位置，弓子，靠近琴馬，手臂和手腕要怎樣協調配合，拉長弓時要發出寬廣、歌唱、自如的感覺，拉短分弓時，要控制手腕，是一種連綿不斷、似斷非斷的感覺。
你若再進一步追問是一種什麼感覺，這就不好回答了，因為它不是酸、甜、苦、辣是能形容的，所以我一直認為右手是比較難教的，而右手是拉好琴的關鍵。
談到左手,它包括音準、揉弦、雙音、換把和大跳的音程，也是很難的技術，但只要刻苦，勤奮，是可以練出來的。
在掌握了正確的方法和高超的技術後，最後就是音樂表現和風格的問題。
演奏巴赫組曲和貝多芬的奏鳴曲，表現手法是不同的；柴可夫斯基的羅可可變奏曲和德彪西奏鳴曲又是兩種不同的風格。
當然，這些問題會透過年齡的增長，接觸面越來越廣，理解力的增加而逐步提高的。
四、科學練琴事半功倍
要使自已成為一個高水平的優秀樂手，在學習拉琴的同時也要學會如何去練琴，做到事半功倍。
因為每個星期老師給你上課只一、二次甚至還有二週一、二次和一月一次的，而練琴則是每天一、二次，所以如果練琴的方法、習慣好，能掌握住要領，效率就高，進步就快。讓我們先來看看前輩們的千古名言：
誰能像我一樣勤奮，也就會有我一樣的成就。（巴赫）
浮生有限，藝海無涯，學習也無涯。（劉海粟）
天才就是勤奮。（托斯卡尼尼）
中國古人云：寶劍鋒自磨礪出，梅花香自苦寒來。
熟能生巧，巧能生華，能行雲流水，出神入化。
要立志！志不強者智不達，言不信者行不果。
要追求！學而不厭，誨人不倦，學而後知不足。
要勤儉！勤能實拙，儉以養廉。
以上都是側重於學習精神方面的警句。學習大提琴這一門樂器的道路是漫長的，它不只是有鮮花掌聲，還有攀不盡的一個又一個高峰，流不盡的汗水，有時甚至是淚水。
學習如逆水行舟，不能苛求什麼好條件。越是艱苦越能鼓人心志。那麼在具體的練琴方法有些什麼需要介紹的，我們在各種演奏家的傳記中讀到。
一天不能少於八個小時，缺一分鐘都是不能成才的。
我想每天練兩小時就足矣。
要不斷地練音階，由慢到快，每天從一弓一音開始，從不懈怠。
我只是拉一些困難片斷，活動一下雙手就上臺了。
以上種種都是出自演奏家之口，每人都強調了自己的一個側面，都有道理，都可借鑑。下面我想推出近幾年來我親自見到聽到的一些演奏家對如何練琴的精闢見解。
1966年第三屆柴科夫斯基比賽金牌得主，前蘇聯的女大提琴家格羅吉拍·戈齊昂1999年9月22日來中央音樂學院授課時強調:練琴時視覺、聽覺要先有要求,在想象中眼前出現的是一幅怎樣的畫面,什麼色彩,耳朵想聽到一種什麼聲音,怎樣的音響,你做到了嗎?
練音階應該揉弦,這樣在練音階的同時也練了揉弦,要非常連貫。在低音時手搖擺的動作幅度大些，高音時手動作的頻率快些。
1998年第十一屆柴科夫斯基比賽銀牌得主，中國青年大提琴家秦立巍於1999年9月2日來我院進行學術交流時談：練琴不在於時間的多少，時間少同樣也可以練好琴，關鍵是目的性要明確，練什麼怎麼練。
我喜歡練習音階、琶音，這是基本功。我也喜歡拉練習曲，Piatti Popper等，這是技術功底。中學生階段，自已還幼稚，主要是把基礎打好，對音樂理解不多、不深，在同我母親合伴奏時，她經常要求我要這樣那樣去表現。現在不同了，經常是我要求媽媽的伴奏這裡或那裡多給我一點支撐。
中國青年演奏家王健。是DG唱片公司一百年來簽約的第一位中國演奏家，被小澤征爾稱為世界級的演奏家，在1999年10月來京演出的一次交談中說：音樂是線條，特別搞絃樂的人要對此很敏感，一串音下來總是有線條在裡面，有起有伏，你首先要具備被打動的能力，才能夠去打動別人。衡量演奏的唯一標準，就是能不能先打動自己，慢慢找到最佳的感覺。
德國羅斯托克音樂院著名教授彪羅1999年5月10日——22日來我院講學期間，反覆強調了演奏巴赫第五組曲時的要點：巴赫的音樂對音色的要求是非常講究和十分重要的，弓子要放在指板和碼子中間的哪 個部位，弓子本身是放平還是用某一個側面來拉，使之發出不同的音色和音量，這是需要嚴格區別和仔細琢磨的。演奏巴赫音樂不許有滑音，不可用跳弓，每一句每一段都要認真思考，耳朵裡要先有音樂，再用雙手錶現出來。
世界著名大提琴家麥斯基1999年11月1日在我院的大師課上反覆強調了在練琴中，一些極為重要的、宏觀上的，也可以說是他集40多年來演奏經驗的精華：一定要自讀樂譜，仔細再仔細，這是最好的學習，這也是練琴，要在字裡行間去尋找音樂的真諦。
貝多芬的樂譜標有的記號和術語最多，一個也不要遺漏：巴赫在譜面上什麼也不寫，但音樂卻都在他的樂譜中：奏鳴曲應該看譜演奏，這樣可以做得更好。
反覆不等於重複，因為每一次演奏的感覺都是不一樣的。他自己經常幻想音樂，用心去體會音樂。想一想，再往深層次去想：要想得寬一點、遠一點，要透過自己的演奏去開啟人們的想象力，讓聽眾喜歡，向他們傳達最新的資訊。
筆者認為：到底應該怎樣練琴才是效率最高的，這是每個人自己會從每天的練習實踐中不難悟出的，例如練習音階時可以揉弦和絕對不能揉弦，不然會影響練音準，我想是因人而宜，百花齊放。不然眾說紛紜，無所適從，拿不定主意，這也是要防止的。
關鍵是要從實踐中去不斷改進，探索出新的方法、新的思路，我把練音階比喻為摸一根線，一根光滑和沒有一點小結的線，從上到下，從下到上手指在指板上觸弦是滑溜和十分通順的：練琶音我則比作為畫圓圈，一個沒有稜角的非常圓的圓圈，這不是畫三角，也不是八角，要圓圓滿滿，從裡畫到外，從外畫到裡。
有一次在上課結束前，一位家長對我說：“老師，你多給孩子佈置一點作業，上次留的功課他只用十五鍾就練完了“。我立即意識到這是對練琴的誤解，我說：“練琴不是做數學作業，十道題做完了就是完成了作業，練琴是個無限迴圈，反覆磨鍊，循序漸進，不斷推敲的漫長過程！”
我拉琴整50年了，至今每天開始練琴時還是空弦長弓和我喜歡拉的音階。
（呵呵，兄弟上面的東西不知道對你是否有幫助，我是摘抄中央音樂學院宗柏教授的文章！分給我吧，嘎嘎）
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大提琴（Cello）
應用譜號：低音譜號或中音譜號、次中音譜號。
結構組成：類似小提琴，但琴身大很多，琴弓稍粗且短，定弦比中提琴低八度。
使用材質：琴身：木製結構，以槭木和雲杉為原材料配合製造的音色最佳；
琴絃：金屬絲；
琴弓：馬尾。
是近代管絃樂隊中必不可少的次中音或低音絃樂器。在管絃樂曲中大提琴聲部經常演奏旋律性很強的樂句，也與低音提琴共同擔負和聲的低音聲部。它也是非常為人們所喜愛的獨奏樂器。
大提琴是由古代歐洲的膝琴（Viola de gamba）演變而來的，自16世紀以來即流行於世。但在很長一段時間內，其樂器的大小一直未能固定下來，經過許多年的實踐與改革才算告一段落。現代大提琴標準高約48英寸，具有深厚動人的音色。
大提琴和小提琴或其它絃樂器家族成員一樣，都有四根弦，音域約為四個八度，音高比中提琴低八度（C—G—d—a），樂譜通常用低音譜表，在較高音區有時用中音譜表。大提琴的第一根a弦發音華麗有力，富於歌唱性，第二根d弦，音色較朦朧，第三、四弦（G、C）低沉響亮，能夠承受樂隊的非常沉重的音響。它的發音原理雖然與中、小提琴相同，但其手指的把位在低音區與小提琴迥然不同，尤其是在高音區時能用拇指把位演奏。至於演奏技巧，由於大提琴在琴身大小、琴絃排列與琴絃長短等方面與小提琴均不相同，因而它的奏法與中、小提琴不同，是夾在兩腿之間演奏。演奏時，演奏家將琴身輕輕夾於兩膝間，底部以一根可調整高度的金屬棒支撐。演奏方式則計有用弓毛拉弦、手指撥絃和用弓杆敲弦。
自17世紀大提琴家多曼尼科·加布裡埃利（Domenico Gabrielli）創作了第一首大提琴獨奏曲以來，已有不少作曲家專門為大提琴創作樂曲。如18世紀的維瓦爾第、塔爾蒂尼和萊奧等作曲家，都曾模仿小提琴協奏曲而為大提琴寫了不少協奏曲；後來在英國、奧地利與法國等地也相繼出現了義大利風格的大提琴協奏曲及其他樂曲。至於18、19世紀的古典主義與浪漫主義作曲大師們，如海頓、莫扎特、貝多芬、舒伯特、舒曼、德沃夏克以及柴科夫斯基等，也都大量寫作了大提琴獨奏曲、協奏曲和有大提琴聲部的室內樂，使這一樂器的效能與技巧得到了充分的發揮。其中最常演奏的有巴赫的六首大提琴組曲、博克尼尼協奏曲、海頓的D大調與C大調協奏曲、勃拉姆斯為小提琴與大提琴譜寫的a小調協奏曲、舒曼的協奏曲、德沃夏克的協奏曲、柴可夫斯基的《羅可可主題變奏曲》、聖·桑的協奏曲等等。
其他如拉洛、埃爾加、柯達伊、興德米特等近、現代作曲家亦創作了許多優秀的大提琴樂曲，深受人們的喜愛。
一、學習大提琴需要什麼條件
按照日本著名小提琴教育家鈴木先生的說法：“所有的人都應該學一樣樂器，也可以學好它。”
這種觀點是對的，但是落實到某一個孩子，要讓他學習大提琴，我想還是要看他是否具備以下一些條件：
首先是對音準、節奏的感覺怎樣，有的人天生五音不全，找不到音準的準確概念，還有人對節奏記憶很差，不會模仿最簡單的符點和切分，這樣的孩子就不要勉為其難了。
其次如果要學大提琴，相對來說手應該大一些，個子要高一點，自然條件好，將來學習也會順利些。
在確定了這兩點後，最後也是最重要的是要找一位好的教師。啟蒙老師，第一位教你學琴的師長，對你未來學琴一生，如何走好這一漫長的路程，是十分關鍵的，現在社會上魚目混珠，請你慎重選擇。
二、初學大提琴注意事項
到底幾歲開始學大提琴好，各人說法不一，我想六歲開始是合適的。最好在四歲先學點鋼琴，打下一個學習器樂的基礎，會對今後的學琴很有益的。
大提琴有1/8、1/4、2/4、4/4之分，根據自己的身高、手形由老師來確定你應該有一把什麼型號的琴，這是學琴前第二件要做的重要事情。當然小琴質量不必太好，因為隨著年齡、個子的增長，還要不斷地換琴，但是有一把合適的琴，是學好琴的先決條件。
三、怎樣拉好大提琴
在我40餘年的教學過程中深感到要拉好琴，首先是演奏方法要好，也就是說要放鬆自如地拉琴，要做到這一點很不容易，但是卻必須做到。
你可以注意觀察和傾聽，凡是琴拉得好的人，不論他是大師還是學生，他的演奏方法必須是放鬆自如，掌握了好的方法之後，高超的技術就是接著來的課題。
大提琴的技術包括左、右手兩個方面，我喜歡問學生左手難還是右手難。不能回答說兩隻手都難，要強調的是右手比左手更難。
右手指的是握弓和運弓，弓子觸弦才能發出聲音，想發出一種什麼樣的聲音，這是憑自己的感覺，可以說每個人的發音都是不一樣的。
老師只能告訴你應該怎樣握弓，每個手指的作用，放在什麼位置，弓子，靠近琴馬，手臂和手腕要怎樣協調配合，拉長弓時要發出寬廣、歌唱、自如的感覺，拉短分弓時，要控制手腕，是一種連綿不斷、似斷非斷的感覺。
你若再進一步追問是一種什麼感覺，這就不好回答了，因為它不是酸、甜、苦、辣是能形容的，所以我一直認為右手是比較難教的，而右手是拉好琴的關鍵。
談到左手,它包括音準、揉弦、雙音、換把和大跳的音程，也是很難的技術，但只要刻苦，勤奮，是可以練出來的。
在掌握了正確的方法和高超的技術後，最後就是音樂表現和風格的問題。
演奏巴赫組曲和貝多芬的奏鳴曲，表現手法是不同的；柴可夫斯基的羅可可變奏曲和德彪西奏鳴曲又是兩種不同的風格。
當然，這些問題會透過年齡的增長，接觸面越來越廣，理解力的增加而逐步提高的。
四、科學練琴事半功倍
要使自已成為一個高水平的優秀樂手，在學習拉琴的同時也要學會如何去練琴，做到事半功倍。
因為每個星期老師給你上課只一、二次甚至還有二週一、二次和一月一次的，而練琴則是每天一、二次，所以如果練琴的方法、習慣好，能掌握住要領，效率就高，進步就快。讓我們先來看看前輩們的千古名言：
誰能像我一樣勤奮，也就會有我一樣的成就。（巴赫）
浮生有限，藝海無涯，學習也無涯。（劉海粟）
天才就是勤奮。（托斯卡尼尼）
中國古人云：寶劍鋒自磨礪出，梅花香自苦寒來。
熟能生巧，巧能生華，能行雲流水，出神入化。
要立志！志不強者智不達，言不信者行不果。
要追求！學而不厭，誨人不倦，學而後知不足。
要勤儉！勤能實拙，儉以養廉。
以上都是側重於學習精神方面的警句。學習大提琴這一門樂器的道路是漫長的，它不只是有鮮花掌聲，還有攀不盡的一個又一個高峰，流不盡的汗水，有時甚至是淚水。
學習如逆水行舟，不能苛求什麼好條件。越是艱苦越能鼓人心志。那麼在具體的練琴方法有些什麼需要介紹的，我們在各種演奏家的傳記中讀到。
一天不能少於八個小時，缺一分鐘都是不能成才的。
我想每天練兩小時就足矣。
要不斷地練音階，由慢到快，每天從一弓一音開始，從不懈怠。
我只是拉一些困難片斷，活動一下雙手就上臺了。
以上種種都是出自演奏家之口，每人都強調了自己的一個側面，都有道理，都可借鑑。下面我想推出近幾年來我親自見到聽到的一些演奏家對如何練琴的精闢見解。
1966年第三屆柴科夫斯基比賽金牌得主，前蘇聯的女大提琴家格羅吉拍·戈齊昂1999年9月22日來中央音樂學院授課時強調:練琴時視覺、聽覺要先有要求,在想象中眼前出現的是一幅怎樣的畫面,什麼色彩,耳朵想聽到一種什麼聲音,怎樣的音響,你做到了嗎?
練音階應該揉弦,這樣在練音階的同時也練了揉弦,要非常連貫。在低音時手搖擺的動作幅度大些，高音時手動作的頻率快些。
1998年第十一屆柴科夫斯基比賽銀牌得主，中國青年大提琴家秦立巍於1999年9月2日來我院進行學術交流時談：練琴不在於時間的多少，時間少同樣也可以練好琴，關鍵是目的性要明確，練什麼怎麼練。
我喜歡練習音階、琶音，這是基本功。我也喜歡拉練習曲，Piatti Popper等，這是技術功底。中學生階段，自已還幼稚，主要是把基礎打好，對音樂理解不多、不深，在同我母親合伴奏時，她經常要求我要這樣那樣去表現。現在不同了，經常是我要求媽媽的伴奏這裡或那裡多給我一點支撐。
中國青年演奏家王健。是DG唱片公司一百年來簽約的第一位中國演奏家，被小澤征爾稱為世界級的演奏家，在1999年10月來京演出的一次交談中說：音樂是線條，特別搞絃樂的人要對此很敏感，一串音下來總是有線條在裡面，有起有伏，你首先要具備被打動的能力，才能夠去打動別人。衡量演奏的唯一標準，就是能不能先打動自己，慢慢找到最佳的感覺。
德國羅斯托克音樂院著名教授彪羅1999年5月10日——22日來我院講學期間，反覆強調了演奏巴赫第五組曲時的要點：巴赫的音樂對音色的要求是非常講究和十分重要的，弓子要放在指板和碼子中間的哪 個部位，弓子本身是放平還是用某一個側面來拉，使之發出不同的音色和音量，這是需要嚴格區別和仔細琢磨的。演奏巴赫音樂不許有滑音，不可用跳弓，每一句每一段都要認真思考，耳朵裡要先有音樂，再用雙手錶現出來。
世界著名大提琴家麥斯基1999年11月1日在我院的大師課上反覆強調了在練琴中，一些極為重要的、宏觀上的，也可以說是他集40多年來演奏經驗的精華：一定要自讀樂譜，仔細再仔細，這是最好的學習，這也是練琴，要在字裡行間去尋找音樂的真諦。
貝多芬的樂譜標有的記號和術語最多，一個也不要遺漏：巴赫在譜面上什麼也不寫，但音樂卻都在他的樂譜中：奏鳴曲應該看譜演奏，這樣可以做得更好。
反覆不等於重複，因為每一次演奏的感覺都是不一樣的。他自己經常幻想音樂，用心去體會音樂。想一想，再往深層次去想：要想得寬一點、遠一點，要透過自己的演奏去開啟人們的想象力，讓聽眾喜歡，向他們傳達最新的資訊。
筆者認為：到底應該怎樣練琴才是效率最高的，這是每個人自己會從每天的練習實踐中不難悟出的，例如練習音階時可以揉弦和絕對不能揉弦，不然會影響練音準，我想是因人而宜，百花齊放。不然眾說紛紜，無所適從，拿不定主意，這也是要防止的。
關鍵是要從實踐中去不斷改進，探索出新的方法、新的思路，我把練音階比喻為摸一根線，一根光滑和沒有一點小結的線，從上到下，從下到上手指在指板上觸弦是滑溜和十分通順的：練琶音我則比作為畫圓圈，一個沒有稜角的非常圓的圓圈，這不是畫三角，也不是八角，要圓圓滿滿，從裡畫到外，從外畫到裡。
有一次在上課結束前，一位家長對我說：“老師，你多給孩子佈置一點作業，上次留的功課他只用十五鍾就練完了“。我立即意識到這是對練琴的誤解，我說：“練琴不是做數學作業，十道題做完了就是完成了作業，練琴是個無限迴圈，反覆磨鍊，循序漸進，不斷推敲的漫長過程！”
我拉琴整50年了，至今每天開始練琴時還是空弦長弓和我喜歡拉的音階。
（呵呵，兄弟上面的東西不知道對你是否有幫助，我是摘抄中央音樂學院宗柏教授的文章！分給我吧，嘎嘎）