繪畫有多種風格，攝影能夠取代的是寫實風格，也就是再現，而表現型繪畫，譬如蒙德里安、米羅，蒙克、梵高（表現型再現）、修拉、夏加兒等型別的作品，具有打動人心的神奇力量，是攝影所不能取代，兩者其實不是對立的，就像詩歌和散文，都有獨自的美。

配圖1是米羅的作品，充滿童心，攝影永遠不能取代。

配圖2是我給學生講米羅時的再創作，試想攝影如何達到？

攝影拍出的畫面是比較精準，可比較繪畫作品，少了個人對不完美景象的修飾和加工，缺少了想象力，增加了侷限性。至於侷限性，我能畫出神仙，攝影拍不到神仙。

繪畫和攝影在很多地方是相同的，有繪畫基礎的人更容易拍出好看的照片，因為這裡其實都有對構圖，色彩的理解。

繪畫可以簡單點理解成是加法，在白紙上按照自己的想象，用各種技巧把景物表現出來。根據不同技法的運用，作者可以主動選擇畫面上內容的多少，好的畫家只需要寥寥幾筆就可以表現出主題。另外具備了敏銳的觀察力以後，繪畫畢竟主要不是在現場還原，作者可以有更寬裕的時間構思，創作，甚至再創作自己的作品，也允許對瑕疵作品進行從容的修改。

攝影可以理解成是減法，其實我們每個人在同一時間看到的景物從廣義上說是一樣的，但拍出來肯定不一樣。好的攝影作品一定是畫面簡潔，主體突出，換句話說，相同地點相同光照條件，熟練的攝影者會用自己的拍攝技巧，發揮器材特點，利用構圖角度，光線，儘量把畫面上不需要的東西去掉，留下來的才是想要的作品。對比一下，他的照片中一定比初學者拍到的內容少，能更好的表現主體。

另外攝影是現場還原，面對的是隨時都在變化的光線環境。尤其是一些複雜環境下的光線變化，比如日出日落，變幻的燈光等等，還有一些重要的場合，比如婚禮，會議等等，都可能是唯一的，不可複製的場景，不可能完全依靠相機的自動功能，需要在短時間內準確作出分析，判斷，再合理運用手裡的器材，完整的留下這個瞬間。如果沒有前期拍攝的良好基礎，一旦出現明顯的瑕疵，後期技術再好，也不能完全彌補回來。

和攝影相比，繪畫作品優勢是：

1、打比方，攝影就像是流水線的產品，都是千篇一律的機器生產出來的，就算是不同的人不同的季節同一景點拍出來的結果都一樣，只是表達的手法不一樣而已；而繪畫呢，就像是匠人手工，經過千錘百煉而成，不可複製，在創作的過程中透過不同的靈感表現不同手法得到不同的表達；

2、舉例子，就像開飲食店一樣，吃飽且價格不貴的店多的是，有特色的、手工的就少但生意好。我們生活中流行的飲食習慣一樣，現代的做法已經不能吸引、誘惑到客人的喜好，只有返回傳統方法去迎合，卻生意興隆，座無虛席。同樣道理，一塊錢一杯的機打豆漿比不過兩塊一杯的手磨豆漿銷量，原汁原味；機做麵條沒有手工做的麥香味，質感好。

3、說現實，這個年代條件好了，人人都有手機，多人有相機，專業的更是太多專業裝置，見到自己覺得喜歡的、別人都拍的就卡卡拍下來做個紀念或好的專業的叫做作品，各有各的用處，普通的就發個朋友圈和親人朋友分享，笑一笑或讓人羨慕哇，哇，這人好好過，天天去旅遊；有專業水準的就拿去參加各種攝影比賽、活動，一舉成名天下知。但話說回來，有多少人會繪畫？真正大師級的，拿得出手的作品都是經典的（靠醜畫醜書出名的更是不行），像冷大師的人像那細節表達聽說能和相片媲美，且價格天價，雖說各人審美不一，這也是繪畫的優勢。

 4、講感受，其實攝影和繪畫可以相輔相成，它們都是給人視覺上的感受，各有優點，各佔領域，創作的方式一樣，思路不同。如繪畫的攝影的都要經歷感受不同地方的山川河流，風俗人情，名勝古蹟，甚至於人跡罕見的地方，寫生啊，拍攝啊等，不出去採風尋找靈感，什麼都創作不出來，也拍不出讓人震憾的作品、畫不出有靈魂的高作，抽象派等就不說了；攝影和繪畫也可以關在室內創作，但首先得有素材，也就是胸有成竹的意思。

我個人覺得，攝影和繪畫各有各的長處，但從各方面來說，好的繪畫作品應該技高一籌，特別是經得起時間的考驗。

不針對，個人劣解望諒！

題主所說攝影的“方便”，其實只是攝影代替了寫實繪畫在紀實方面的部分功能。攝影重在發現與還原，還原作者看到的，感受到的東西；而繪畫重在創造與表現，表達作者想要的東西，傳遞更多的情感與思想。

相對於寫實快捷的攝影來說，繪畫確實已經去掉它記錄的功能了。

還沒有出現攝影的時期，有畫家為宮廷服務作肖像畫，也有為了記錄場景事件，如《步輦圖》所繪祿東贊朝見唐太宗時的場景等等。

但繪畫之所以成為藝術，並不是因為它的功能性，而是它獨特的藝術性。

繪畫即便是寫實，也不是完全的描摹現實存在的寫實。像繪畫中的寫生，不能只畫看到的，而是要畫表達的。每一個細節都經過了畫家的提煉昇華，一定程度上是一種主觀創造，表現作者的內在精神。

繪畫可以畫沒有的東西、可以畫未來的東西、可以畫過去的東西，這是攝影所不具備的想象力。

比如很典型的，以神話或宗教為題材的作品中出現神明、神獸等等，都是靠想象去創造的。

繪畫強調的是相機永遠代替不了的人的感性，主要還是主觀性的，攝影強調的是“所見即所得”，主要是客觀性的。

在中國，寫意國畫中就是隻求神似，不求形似。縱筆揮灑，墨彩飛揚，用簡練的筆法描繪景物，加上構圖中的留白，更是一種簡約、抽象的表達。

西方藝術史中，從19世紀的印象派開始，就開始追求外光和色彩的表現，尤其到了後印象派，藝術家有了更主觀的藝術觀念和藝術創造。他們將繪畫的形和色發揮到極致，幾乎不顧及任何題材和內容，用主觀感受去塑造客觀現象。發展到近現代，更出現了立體主義、超現實主義……

▲《星月夜》梵高（後印象派作品）

重點在這裡！！！其實抽屜在這想說，如果沒有理解錯的話，題主的問題應該是“拍照很方便，相比拍照，繪畫作品的優勢是什麼？”攝影與拍照不同，人人都會拍照，可不見得人人都會攝影，攝影也是有他的理論體系和審美標準的。

從藝術角度出發，其實攝影和繪畫同為創作，沒有可比性，也沒有誰高誰低，都是透過媒介表達美感，只是畫家和攝影師在用不同的工具進行藝術創作罷了。

再加上如今有Photoshop等軟體將照片進行後期製作，可以把照片透過技術注入意識創作成“超現實”作品，這種藝術作品就更難界定類別了，往往是攝影與繪畫的集合體。

如果按照博弈論的觀點判斷，我個人以為很方便的現代攝影，隱藏了一個幽深的動機。科技試圖透過傻逼式的批次化生產技術，剝奪人類受造於神的描述自然的直接能力，最後把人類自己的權力統統交出去。這是一場規模浩瀚又細密如雨的博弈，而畫家幾乎是這場博弈中唯一的堅持。這種堅持讓畫家手繪的作品，充滿了感恩的喜悅並構成了繪畫作品最大的優勢。

先不說畫畫作為表達作者思想情感等其它功能，就作為與攝影類似的記錄功能而言吧，有一類很重要的繪畫叫科學繪畫——比攝影更準確的藝術。

相機捕捉的畫面和肉眼還是有區別的，人的眼睛觀察到的細節和重點，攫取所需的資訊是相機不能比擬的，這類繪畫就能忠實於肉眼和大腦去畫。有相關專業，專業性非常強，需要有科學與藝術雙重素養。

這個領域歷史也非常悠久，屬於常識。

以人像寫生創作為例，繪畫相對於攝影的優勢在於無窮的想象力空間，同樣是對現實肉眼所見的複製描摹，前者基於畫家的技能水平和繪畫門類表現力不同，有幾乎無限的對現實進行創作昇華的空間，如中國的名畫《清明上河圖》，而攝影的藝術再創作空間卻是有限的，或者說是狹窄的，單一的，基本上等同於現實肉眼所見，過分失真就不是攝影了是數碼藝術。另外，考慮到藝術價值，或者說作為一個物品的價值，繪畫作品具有時間和空間存在上的唯一性，越是名畫越是帶有創作者鮮明唯一的繪畫風格烙印，如蒙娜麗莎，真偽可辨。而照片不僅可以列印很多張，甚至可以拍攝很多張，都是真的，且可以以實物和電子兩種形態存在於這個世界。常識道，物以稀為貴，一個人物肖像，兩張大版掛在牆上，繪畫比攝影的優勢是什麼，不言自明。

另外，繪畫可以畫出超現實的東西，如神話傳說中的天神，還有抽象概念的東西，如畢加索，而攝影對此只能表示強烈推薦。

首先明確一點，這裡所指的攝影和繪畫作品，不是隨意拍照和隨筆習作，而是歷經千辛萬苦嘔心瀝血的創作作品。無論是攝影創作還是繪畫創作，二者都是優秀的藝術作品，沒有高低貴賤之分。

誠然，繪畫史上有很長的一段時間，極力追求過再現現實，惟妙惟肖地刻畫出近似攝影作品的效果，這源於當時沒有照相技術，或者照相技術很不發達，而人們有對此有需求。

誠然，照相技術曾經嚴重衝擊了繪畫藝術，曾經的攝影作品極力模仿繪畫效果，人物一定要擺出奇怪的姿勢在佈景中拍照等，一時間畫家們迷茫、憤怒和怨恨了。

誠然，直至現在，仍然衝擊著一些人的創作，這些人也還在用照片去追求繪畫效果，或將照片投影到畫布上去完成繪畫。

創作都是艱苦的，都需要有創作的衝動，有素材的積累，有主題的構思，有畫面的安排，有 達到目的的技術，有實現創作的過程。二者不同的是實現作品的方法，攝影者需要安排甚至等待拍攝機會，而畫家要一筆一筆地描繪，都需要耗費大量的時間和體能。

具體到繪畫作品的優勢，個人認為創作者在主觀意識上更具優勢，表現出強烈的個性。對景物、色彩的抽象描繪，體現共性的東西，如對色塊對線條的追求；對景物、色彩的誇張描繪，體現個性的東西，如扭曲變形的事物；將所有精彩片段集中刻畫於同一畫面，體現時空錯位的震撼，如眾多人物或虛幻的景別；描繪景物、色彩的虛實，體現突出的主題，如繪畫作品中的散點刻畫等。這些都是攝影作品難以完美表達的。

兩種藝術形式應該都有各自的優勢和侷限。

一方面，繪畫與攝影有著無法割裂的關聯，假如過去沒有版畫，木刻和銅版畫，攝影術的產生也斷不可能。

世界上第一個銀版攝影術的發明者達蓋爾就是畫家。攝影相對於繪畫而言，在表現自然物的力量上，遠遠超越了顏料和繪畫語言描述自然物的力量，它賦予物體自我成像和不用句法表述的手段。

攝影發展至今也出現了現代攝影，現代攝影的思潮有其文化淵源， 這些現代理論在所有藝術領域都打下了深深的烙印，他們是思想文化變革的折射和物質化。

所以攝影是與現代繪畫在這種思潮下並齊發展的藝術門類。當然攝影有攝影的發展規律，但也可以借鑑繪畫這個近親的發展來了解自己的不足和弊端。

攝影的最初是攀繪畫的高枝，因此才能得以生存。因為當初的攝影一經誕生，並不知道應該向哪個方向發展，加之投身於攝影行當中的人多是繪畫之人士，因此從技法與表現手法上參照繪畫是理所當然之事。於是，最初的攝影，從構圖、用光到題材表現，都是以繪畫為參照物。

另一方面，現代繪畫認為敘事性屬於文學，表現立體感屬於雕塑，繪畫的根本屬性是平面性。

繪畫在儘量拉開與別的藝術門類的區別，那麼攝影又如何與繪畫拉開距離呢？

早在文藝復興時期，畫家就與雕塑家之間有過激烈的競爭，現代繪畫的特質告訴我們，攝影也不要與繪畫再作爭議，繪畫因為攝影的出現而走向平面性的表現主義，攝影也應該與繪畫拉開距離，體現出攝影的特質。

就攝影本身來說它具有繪畫所不能比擬的特點，比如攝影能凝結瞬間，擷取空間，攝影的紀實性及攝影不同於人眼的觀看方式等等。攝影史上也曾出現過攝影分離派，提出應該多考慮攝影本身的規律和特點以及獨立於繪畫之外的觀點，在當時引起了巨大的反響。

當然，就繪畫本身來說也具有攝影無法比擬的特徵，比如可以境由心生，相由心生，可以違反自然規律透視規律，可以在一個畫面表現不同時間不同空間，更重要可以自由表達內心。

自繪畫發展以來畫家們就在平面上做各種表達技巧的研究與實驗，如對人體平面側面背面同時展現在畫面中的嘗試，又如畢加索的各種繪畫遊戲實驗。

還有利用鏡子等道具，把平面不可能實現的多面性變為可能，研究看與被看之間的關係等等。

其實技巧雖然是以表達情感和表現內容為主要任務的，但是每一次技術上的突破，都會將繪畫又向前推進一步。

畫家用各種手段在平面上全方位的呈現主體形象，從表現空間到去除空間，其實藝術就是透過不斷的變化，來滿足人們探知慾的過程。

正如畢加索那樣，發現一種表現方式，就把它玩到極至，然後放棄，去尋找新的方式。作為攝影，技法的表現也相當重要，這些可以從繪畫那裡借鑑一下。

現在也有玩畫意攝影的，研究用各種美術上的表現形式來表現自己認為的美感。以後也還可能有更多的新銳形式出現在我們面前。這是一個百花齊放的年代，有人對此表示反感，認為那不是攝影，只要是用相機拍出來的，不論以何種形式表現，雖然有的不能算是主流派別，也算是一種攝影的新穎形式，應該給予包容。

繪畫在發展中做夢也沒想到要依附於攝影，或者確切地說，在速寫或素描上要走攝影這條捷徑。無論上卓有成就的畫家，或是剛剛出道的愛好者，差不多都是這樣。

但現在，很多繪畫就開始利用攝影，因為畢竟這樣做精準而快捷，如果需要細節，單獨拍攝幾張也就是了，比如有一些超寫實繪畫。自己覺得，這不一定是偷懶，而是現代科學技術發展中的必然，就如數碼攝影的出現，而且誰也無法預料，未來，又會有怎樣的技術能影響繪畫或是攝影。

繪畫作品是攝影作品不能代替的，雖然都是平面視覺藝術，但表現的東西是不一樣的，攝影作品僅是科學的表現光影效果的藝術，而就中國繪畫藝術而言，是表現人的思想性，文化藝術性，繪畫給人們更多啟迪意義。

攝影是對已存的人或物和風景等，透過機鏡頭在攝影師的精心構圖進行取捨後的記錄，以達到藝術表現的一種形式。而繪畫是按畫師的構思，用筆黑展現的一種藝術形式，其與攝影相比，作品可以隨心所欲更完整地表達作者的意圖，而攝影受外部環境影響更大，如天氣、光影、器材的優劣，更重要是客觀環境攝影師無法改變，不能增加、更不能改變形態、大小、位置。而繪畫就能更生動的表現。

靈魂吧！我覺得，好的作品含有作者的情感，思想，靈魂在裡面！無論多久，就只要作品在，作者的靈魂就在，也是作者另外一種生命的延續吧！相反攝影不能代表作者，只能代表作品裡面的內容！內涵也差很多

攝影有方便直接攝取的效果，易於操作，但是個性化的東西很難實現，你要麼幸運獲得時機抓住最好的東西，要麼失去，繪畫語言，則是你的世界，你主掌控 表現的內涵由你而發，甚至修正，改動，變換，這就是繪畫藝術所賜的機會。