讓·奧古斯特·多米尼克·安格爾（Jean Auguste Dominique Ingres，1780年8月29日-1867年1月14日），出生於法國蒙託（Montauban），畫家。他從小父親就有意培養他對藝術的興趣，17歲就是一個畫家，成名後被譽為新古典主義的旗手。

從美術史的角度講，安格爾表現最為出色的是肖像畫和人體畫，二者相比較，藝術成就最高的該是人體畫了。他是拜倒在女人面前創造的真正藝術品，他的自然道路就是愛神道路，對女色的嗜好是深刻的，當他的天才藝術與青春美麗的相結合的時候，創造力是空前的。

安格爾追求的是一種永恆的、純粹的美。他認為最美的線條是曲線，最美的形體是帶圓弧形的形體。因為柔和的圓弧線在人的心理視覺上不受任何阻力，故能引起舒適的快感。安格爾在女性人體上找到了這種理想的典型，所以大量描繪圓潤飽滿富有曲線美的女體。 不清楚他到底有多少這種作品，從他的作品看出他確實找到了他想要的那種最美的線條，曲線、圓弧，有點唐朝女人的那個味道。

如果說安格爾的繪畫有什麼特點，一句話可以代表：學院派的文藝青年。

一、文青的創新

作為新古典主義繪畫的佼佼者，他的外在是較為保守的學院派，內在卻是一個尋求創新的文藝青年。由於那個時期剛剛發展起來浪漫主義繪畫，如果繼續保持傳統的繪畫風格是很容易落後的，於是骨子裡那個文青琢磨出一種既不得罪學院派又能創新的方法——小幅度改變人物的比例（他提倡繪畫需要研究人體比例但不可因為人體解剖學知識而阻礙了藝術創作）。

圖為文青本人自畫像

二、強化IP

安格爾這樣做雖然有一定的風險，但恰恰是這種顯而易見的“錯誤”引起了更多人的注意，如果在他無法改變古典主義繪畫風格時（古典強調結構、浪漫強調色彩），他的這一舉動無形間強化了他的個人IP，在人氣上佔據優勢。

三、理性與感性

古典主義表達理性，浪漫主義抒發感性，但人類對於“美”的認知是偏感性的，安格爾的繪畫屬於以理性的思維表達感性的美麗，其代表作《泉》就是這種風格混合的完美展現（下圖是區域性）。

Jean-Auguste-Dominique ingres（讓-奧古斯特-多米尼克·安格爾1780—1867）是雅克-路易.大衛的學生。他是個線描的行家，或者說，他畫的線條都非常精美。而對線條的追求是所有古典派畫家千方百計耍讓畫面上的線條顯得比色彩更重耍。那怎麼會對他有「造形不準」的提法？這顯然是個對人體美學看法的問題。

在討論該答題時，耍清楚，對人體的美的討論離開了時代背景是無意義的。

安格爾曾說：「美的形體是那麼結實而豐滿的形體，在這些形體中，細節不能損害整體的外貌。」這一論述完全復合十八未至十九世紀初歐洲人對人體的審美觀唸的。甚至可以說，在整個西洋歷史上，人們總期待女性耍身材窈窕、柔軟、肉感，這些才是真正的大地之母，散發出感官的生產力。同時，也揭示了為何我們在觀賞文藝復興時期一直到比加索的裸女形象時，大多都是結實及豐滿的人物造型。

進化論的邏輯帶來了一套結實的對於普遍美麗標準的期望。宛如人們對大自然的標準-對水資源、獵物和庇護所的暗示，那麼人們對於女性美麗的標準也體現出對女性繁殖能力的一些暗示。這些都體現在健康和青春的兩類中：身體外貌特徵-豐滿的身體、明亮的膚色、光滑的面板、明亮的眼睛、富有光澤的頭髮和良好的肌肉狀況。這些都是關於繁殖能力的身體訊號，構成了男性眼中的女性美的標準。安格爾的女性裸畫充分發揮了這一女性身體的美學觀。例如，1808年作的《瓦平松的浴女》一畫，構圖雖簡潔，但更具力量。左邊厚實的棕綠色幔帳形成垂直的平面，受眾視線自然而然地集中到右邊。坐在白色臥榻上的裸女，身體豐滿而真實，溫潤的身體與暖調的白色臥榻之間，用纏繞在祼女左臂上的衣物作為聯系。畫中的形式、光線與色彩、線條都承襲了義大利文藝復興時期大師們的筆觸，體現了美妙的綜合，讓浴女沉浸在熾熱誘人的氣氛中，引人遐想，尤其是裸女背向受眾，但頭微微旁傾，彷彿知曉背後有人想一窺她的面容，所以不完全轉身，安格爾成功地令人產生性感與猜疑之中。

那麼，是什麼時候改變了對女性身體豐滿美感看法的呢，是工業革命，女人同樣要工作。西蒙娜.波伏瓦有專門的論述。她在她的《第二性》一書中強調「新的」身體美學挑戰了傳統的女性理想-蒼白的、柔弱的、被不實用的服裝包裝起來的豐腴肉體。它旨在發展女性關於力量的普遍感覺「透過她的身體來確認自己、面對世界」：「讓她游泳，攀登山峰，駕駛飛機，同大自然的暴力做鬥爭，這樣，當她面對世界時，她就不會（因為她自己的身體而）感到膽怯」。也就是說，平胸及小臀部的審美風尚-男孩子的外型。這就是二十世紀女權主義宣言～

安格爾是我最欽佩的西方畫家，我喜歡上油畫就是從安格爾的《泉》開始的。

做為法國十九世紀最重要的畫家之一，新古典主義和學院派首席代表，安格爾以他獨到的藝術見解、深邃的目光和精湛的技巧為世人奉獻了大量的油畫精品。尤其是在人體藝術創作上，安格爾更是建樹不凡，他的《泉》、《大宮女》、《沐浴的瓦平松夫人》、《土爾其浴室》等被世界許多國家列為人體藝術教學的範本。

少年安格爾就表現出少有的繪畫天賦。6歲時父親就將他送入教堂跟著畫師學習繪畫。13歲安格爾考入巴黎皇家美院，畫技日瑧成熟，17歲時的安格爾已經成了一個小有名氣的畫家了。

安格爾最崇尚的前輩大師是義大利文藝復興時期畫壇三巨匠之一的拉斐爾。他潛心研究拉斐爾的繪畫技巧和藝術特點，並結合自己對藝術的見解，學習先人而不拘泥於古法，借鑑前輩而又勇於創新，探索出一條寓唯美於真實自然之中的新古典主義的繪畫途徑。

安格爾擅長人物繪畫，尤其擅長對女性人物的刻畫，他對女性特點的觀察之細膩把握之精準使其往往能將自己的審美思想理念透過作品恰如其分恰到好處地表現出來，給人一種十足的美感和震憾的力量。

我觀安格爾油畫的最大特點是莊重、典雅、大方、寧靜、清純、乾淨，美而不豔，裸而不淫。非超一流大師是達不到這種境界的。

個人覺得，比起同時代的許多畫家，新古典主義大師安格爾（1780年——1867年）油畫作品的造型還是相當嚴謹和精準的。在同時代絕大多數畫家都在努力把油畫向現代性轉變時，安格爾依然堅守著文藝復興前期達芬奇、拉斐爾等人的畫風，旨在給繪畫中灌注“理想化的完美”。

《朱庇特與海神》

西方繪畫發展到19世紀時，已經經歷了多次變革，這時期的法國巴黎，變成了西方名副其實的繪畫中心，許多有思想有才華的畫家聚集於此，組成了多個藝術流派，他們之間相互競爭，相互學習，繼文藝復興之後，把西方繪畫推向了另一個高峰。安格爾就是眾多探索者裡邊極有成就的一個。

《大宮女》

當然，安格爾並不是完全剽竊達芬奇、拉斐爾等人的藝術思想和繪畫技法，安格爾認為：在繪畫中，不能過分得追求肌肉的精確和造型的準確，那樣勢必會讓繪畫陷入平庸化，陷入到描摹世俗生活和大自然的附庸中。

《土耳其女奴》

從另一個層面講，安格爾創作時，是追求理性的，即在畫面中去除個性化的感情色彩和思想傾向，讓繪畫呈現出符合大眾的共性審美，把繪畫向純藝術方面推進。但安格爾並沒有全部按照這個藝術思想畫下去，比起達芬奇、拉斐爾等前輩，他的作品中還是多了一絲人情味在其中。

《百合聖母》

用一句話來概括，那就是追求“理想化的完美”，繪畫中的形體都是按照他自身的審美趣味，經過細微變形處理後的完美形象。這從他的代表作《大宮女》、《瓦平松浴女》等作品中完全能看出來。

《大宮女》草圖

《大宮女》創作於1814年，描繪了一個宮女斜躺在床榻上，露出美輪美奐的背影。從視覺上看，宮女脊背顯得過於修長，似乎不符合比例，實質上是安格爾故意為之。他以稍微誇張的手法拉長了宮女背影，並把背影畫成一個圓潤的弧度，目的是為了襯托女性嬌媚陰柔的性別特徵，可以讓觀者把目光較多地停留在這個部位，感受他的與眾不同，以及對藝術的探索意識。

《瓦平松浴女》

《瓦平松浴女》創作於1808年，同樣是描繪了一個背對觀者，坐在床上的浴女背影。這個背影給觀者的視覺感受就是，畫面中的少婦好像沒有腰肢，有點五大三粗，不像女性應有的體型。因為，在這幅作品中，安格爾重點展現的不是人體本身，而是色調的細微變化，以及節奏的自然過渡，對造型不是那麼在意。但從另一個角度來看。此畫描繪的是中年婦女，體型多多少少會變得臃腫走形，安格爾只不過把這種特徵放大了。

《裡維耶小姐肖像》

整體來說，安格爾的作品色調比較單純，色彩以柔和為主，造型在追求嚴謹精準的基礎上，根據個人審美趣味，會做一些適當變形，常在繪畫中塑造自己認為的理想化形體。在整體格調上，則追求清新脫俗，靜穆莊嚴的風格。

安格爾是新古典主義的巔峰代表，一生特別崇拜拉斐爾，是拉斐爾的死忠粉，創造性的繼承和發展了拉斐爾的藝術風格完美，純潔，空靈。因為這些特點，他的線條和造型登峰造極，甚至為了體現線條的美不惜破壞真實的人體骨骼的結構，他的作品背影很多，這些背影看上去都修長美好，把女人的柔美完完全全的表現了出來，這是可是他的“獨家秘方”他在作畫時故意把骨關節拉長，因此才能達到這樣的效果。既然安格爾是新古典主義的傑出領軍人物，本應更嚴格的遵守古典主義的繪畫理念，嚴謹，理性，他這樣做當然會引起一些人的詬病，但，安格爾有他的道理，他認為繪畫必須重視骨骼，肌肉倒在其次，肌肉繪製得過分精確會成為造型純真的最大障礙，甚至會造成獨特構思的浪費使作品平庸化。可以說他是個純粹的“為藝術而藝術”人。他一生鍾愛線條和造型藝術，在八十七年漫長的人生裡，把它們推向另一個新的高度。效果怎樣呢？美是美了，確實有點不真實的感覺，不過從藝術的角度來看，真的很美。有人喜歡，有人則不以為然。這些都無所謂，你喜不喜歡，那些最美的“背影美女”她們都在那裡。

這樣的藝術理念安格爾一生都沒有改變過，他是個保守的人，也是個固執的人，固執到不願正視正在風起雲湧的革命風暴，固執到抨擊正在興起的進步的浪漫主義畫派，謾罵除古典主義畫派一外的畫派是“懶漢的藝術”，這些恰恰說明了古典藝術到了窮途末路，不改變則被淘汰。安格爾的古典主義探索至此已經完成了自己的使命。

安格爾是我最喜歡的藝術家，沒有之一！安格爾是一位古典主義戰士，是以“線”為生命的藝術家。

“他的突出之處不僅在於他性格的坦率和他獨自工作的性格…他是最勤奮的人之一。他很少參與到他周圍的那些亂七八糟的蠢事中去，他比他的大多數同修們更堅持不懈地學習.在他早期的研究中，已經可以看到這位藝術家今天所具備的所有品質，這些品質都體現在這位藝術家的才華、輪廓的精妙、形體的真實而深刻的情感以及一位具有非凡正確性和堅定性的模特身上。當他的幾個同志和大衛本人在他的研究中表現出一種誇張的傾向時，每個人都被他偉大的作品所打動，並認識到他的才華。”線條的重視

安格爾的風格形成較早，變化相對較小。他最早的畫就已經顯示出足夠的輪廓和對造型形式的非凡控制。從一開始，他的畫的特點是輪廓的堅定，反映了他經常被引用的“繪畫是線藝術”的信念。他認為色彩只不過是繪畫的附屬品，他解釋道：“繪畫不僅僅是再現輪廓，它不僅僅是線條；繪畫也是表達、內在形式、構圖、造型。

藝術史學家讓·克萊(Jean Clay)曾說過說：安格爾畫畫總是從確定再確定，結果就是他隨意的草圖也顯示出了與最終作品相同的感覺。”

下圖是安格爾21歲獲取人物畫大獎的男性軀幹作品，從這張作品中依稀可以看見安格爾整個繪畫生涯風格的影子。

筆觸

安格爾非常厭惡可見的筆觸，安格爾不喜歡利用顏色和光線的變化效應。而當時的主流浪漫主義卻是視情況而定。

安格爾與多人構圖

安格爾不擅長處理多人構圖，沒有辦法產生必要的統一效果，在安格爾的多人歷史和神話畫中，最令人滿意的通常是那些描繪一兩個人物的畫。

題材的文學傾向

安格爾不喜歡理論，他對古典主義的忠誠是無與倫比的，在當時的法國藝術思潮中，幾乎是以一己之力撐起整個古典主義的旗幟。他強調理想、普遍和規律。

安格爾對題材的選擇反映了他的文學品味，他喜歡荷馬, 維吉爾, 普盧塔克, 但丁的書。在他的一生中，他畫過一些歷史主題的繪畫，並畫出了多個版本。他不像19世紀其它畫家對戰爭場面的熱愛，就算要描寫類似的場面也是以一種溫和的方式去展現，從不用暴力來表現。

對待作品的態度

雖然安格爾能快速作畫，但他常常為一幅畫費盡心機好幾年。

雖然安格爾認為歷史繪畫是最高階的藝術形式，但他的盛大名聲跟他無懈可擊的肖像畫有關。他完成一張肖像畫的時間跟他完成一張歷史畫的時間是相當的。

顏色

對安格爾來說，色彩在藝術中起著完全次要的作用。

他曾說：“色彩為一幅畫增添了點綴，但它只不過是個女僕，因為它所做的只是使藝術的真正完美更加令人愉悅。”

因為對於古典主義極致的熱愛，對於形體苛刻的要求。安格爾幾乎不要用鮮豔的顏色，這種思想其實是反歷史的，在魯本斯和範戴克的繪畫裡，已經使用大量”張揚“的顏色。而到安格爾時期寧可變成灰色，也不願變成鮮豔的顏色。

對現代藝術的影響

安格爾對後世藝術家的影響是相當大的。印象派畫家德加是他的學生，在20世紀，他的影響力甚至更大。畢加索和馬蒂斯說安格爾是第一個使用純顏色勾勒人物的藝術家。

像畢加索的作品《格特魯德·斯坦因》就是來自安格爾《貝爾丁先生肖像》。

總結

安格爾是一位極致的古典主義大師，對於古典主義和形體的熱愛有一些常人無法理解的”潔癖“。但毫無疑問，安格爾一生為我們帶來了很多賞心悅目的作品，直到今天依然讓我們頂禮膜拜。我喜歡安格爾的作品，沒有之一！