繪畫總要向前發展的，任何一種文化發展總要有一個漫長的過程，需要很多文化的交融，慢慢的嘗試融合，固守只能阻礙發展，我倒認為國畫與油畫如果真的可以取長補短學習彼此的優勢，進行一些創新嘗試也不是不可能，畢竟繪畫也需要向前發展，國畫也不能老祖宗教了怎麼畫就一成不變的一直那樣，千篇一律總有看煩的時候，為何不可以同時學習國畫與油畫，都是繪畫只是表現方式不同，如果有哪位大師能夠分析透油畫的優點而且是國畫非常欠缺的何不嘗試改進下，或在國畫顏料種類運用上，或在繪畫方法上，應該也可以使國畫有一定的創新，不止油畫可以借鑑插畫的創意，遊戲原畫的思維，嘗試沒有錯畢竟國畫的展現也有它的侷限性，多數空間感很弱，優點也很多融合沒有壞處，但不一定能成功，如果堅持可能會有好的效果也不一定，吸收有點大膽嘗試也是藝術家的責任，至於攝影繪畫很好的只要對照相機效能掌控好一般都能拍出好的片子，畢竟繪畫藝術講究的構圖，色彩與光影比攝影師更具有敏銳的洞察力。

油畫與國畫風格是不一樣的，油畫的顏色是多次覆蓋，普遍偏厚，有抽象、具象和印象；國畫有的有留白，有的有題字，講究的是意境，我個人認為兩種畫風還是有區別的，會有一定的影響，但繪畫是講究構圖的攝影也講究構圖，會畫畫，攝影可以更好的入手！僅個人見解

油畫，國畫，攝影都是藝術的表現形式，不同的只是所用材料和創作手法。從追求藝術的本質來說是一樣的。因此，學習國畫，再學習油畫是很好的選擇，可以促進兩種繪畫理念的融合，激發出更多新的創作靈感，也是現代繪畫藝術發展的一個重要方向。徐悲鴻，吳冠中等大藝術家們都是國畫與油畫的大家，他們的作品就有鮮明的國畫與油畫理念融合的風格。

真好笑！我感覺，這個說法本身就是四不像了！事實上，國畫，油畫，攝影都是平面藝術的一個形式，只不過內容大同小異，形式各不相同罷了！其實，三者之間是有聯絡的，那就是必須掌握光與影，明與暗的對立統一關係。而且，三者都要寫實與寫意相結合，以寫實為基礎，以寫意來昇華作者的蘊含。先學國畫再學油畫，並不矛盾。先學油畫再學國畫，也沒關係。學過油畫對學習攝影當然有作用，沒有繪畫基礎，對學習攝影的影響並不大，畢竟，攝影需要學習者經常出去採風，可能走出去一百次一千次，才能夠捕捉到一次成功的一剎那，有時候還需要冒險，比如戰地攝影師捕捉硝煙瀰漫的鏡頭，這就是攝影！

表現方法不同，最終是表現事物或者表達情感。能融合的都是大師，不能就割離前面專心學習後面。強行兩頭掛那是玩票。

有了繪畫的功底去搞攝影，有駕輕就熟的感覺。有了構圖的理念，章法佈局，還有謝赫的六法，在攝影中尤為重要的是”經營位置”。要拍的主人公在畫面中究競在什麼位置讓人看了舒服。就要有點攝影的知識了。我的一位同事在瑯牙臺遊玩時，同事間互相用手機拍照，而這位女同事給同伴拍的照片恰好被秦始皇的手指戳到頭上。這就讓人看了很不舒服了。還有就是把人物恰好放在一座很高的塑像下面，讓被拍攝者頭頂一座雕像這樣就不妥了。即沒有空間感，還有點破壞主題的意味。關於學了國畫幾年再去畫油會有不好的效果，這種觀點有失偏頗。姊妹藝術，不同畫種可以相互借鑑，吸取精華。中國畫的看點是散點透視。而西洋的油畫是焦點透視，是藝術理念的本質不同。大多的情況一般是畫油畫的老畫家晚年畫國畫。中國畫的毛筆一筆落紙會出現濃淡焦三種色調，是與油畫不同的表現方法的。而我學了二年素描後恰逢一九七八年春在北京舉辦《法國十九世紀農村風景畫展覽》。藝術家的精美作品讓我有了急切切想要臨摹的衝動。終於等到印刷的畫冊出售，選了最喜歡那幅《看管的很好的奶牛》，一週的時間臨摹完成。效果很讓人愜意，畫面的翠綠色也很養眼。不久畫被朋友索去，至今還很想那幅畫。

怎麼理解東方（國畫）和西方（油畫）的主要區別？大師們告訴我：國畫中，筆墨最為重要。筆墨的佈局，功力，氣勢，模仿自然而又體現人格化的精神面貌，乃是國畫的本質。看潘天壽的畫就是看他的筆法之豐富、強勁，佈局之宏大，到位。——比如這一筆，那一片，都是他人難以企及的。而且和歷史上都有傳承關係。（就像詩歌用典？）

我承認我看到摺疊出褶皺的舊畫卷和泛黃的背景時，總不免擔心裝裱粗陋的感覺，對於這些畫的魅力是有損的。對於用典、致敬，和模仿、抄襲、門派主義的區別何在，我有時也不免會有疑問。那麼，如果超越這些容易滋生的偏見和“眼障”，國畫看到什麼程度，就算產生了審美呢？我小時候家裡經常掛著鄭板橋，還有仇英，唐寅，八大山人，這些我似乎很有感覺。獨釣寒江雪，快雪時晴，宋元山水，我都非常熱愛，書法的頓挫風姿，也很熱愛，但近現代國畫，我似乎一直不太能進入。我對近現代國畫最高境界的感觸，除了“哇，好大的畫”，“筆墨好豐富”，似乎就是“心隨所動”，感覺到畫面的整體性，感覺到山風，感覺到鷹的眼在看我，動植物要活過來，空間忽然開始變深遠有層次，植物上的葉子要復活。不知這是不是進入審美狀態？——館長說，當然是。（但我不知別人是不是這樣？他們是不是更高階，可以一閉眼就複製這張畫並樂在其中、隨時品味呢？）

回到東西方對話上。從如何鑑賞國畫，到其他，今天倒是有所收穫。

筆墨是什麼？筆墨的本質何在？為什麼當代水墨的有些手法，被館長認為是“背道而馳”，完全沒有筆墨的“風骨”而無法為其所接受？風骨又是什麼？崇高又是什麼？我不禁想到，西方國畫，筆墨本質是由內而外的，而西方油畫的工具，則是由外而內的。兩種工具、媒介不同，結果也就不一樣。大致我的想法如下：

1、東方的筆墨，從本質上是人體的延伸。柔軟的毛筆，柔軟的紙或絹，本身都不足以引發人鬥爭的力量，於是試圖在軟的紙上用軟的筆表現“硬”的力量，無異於一種挑戰。所以，東方繪畫更多是一種“內力外化”出來後，藉助媒介實現對話的一種內在想象的“浮現”。不求與外物同，但求與內心通。所以感官上直接了當的審美，似乎反而不是第一位的。東方的筆墨重在“遊動的生命之外化”。

2、西方的刻刀、筆刷與顏料，從本質上是人體的武裝和工具。（人體本身反倒可以成為被刻畫的物件）以硬的工具對抗硬的材料（石頭、木板、繃緊的畫布），人們可以堆砌，可以刻鏤，可以砍削，可以潑鬧，可以掩蓋，最終目的是塑造神殿一樣的空間，使之與上帝的世界完全對應。不求與畫家個人內心相關，但求與神的世界相通。所以感官上直接了當的審美以及吸引人的精神震撼，必然是第一位的。西方的刀刷重在“神啟的場景之再現”。

由這個視角出發，我覺得我似乎開始有點理解太極和搏擊的差異。太極之妙處，在於參與者都有功底，互相都以“氣”相認，可以互相“推手”，綿綿不絕，風格差異，如同觀者與畫者一同共舞，一同猜謎，一同切磋，三觀相似，樂在其中。而搏擊之特點，則在於武器剛硬，使之過癮，雖然訓練乏味緊張，但嚴謹之後必然精確，直接可與外景相接，可造就人神不分的宏大敘事。以“物”相認，則有如生活本身，光怪陸離，層次激盪，如同畫者帶觀者歷經奇景，一路講解，一路抖包袱，一路展示啟發，一路奇招盡顯，互相挑戰三觀，互相征服，不斷上進。

而當搏擊與太極相擊時，則論速度，後者必然比不上前者，論裝備，前者亦比後者豐富完善得多，當代藝術不止是平面顏料，加上多媒體裝置行為空間種種可能之後，那幾乎可以說是全身武裝，滿滿的彈藥庫，要硬比震撼是很難比較的。要能比的，也就是國畫本身嫻靜的氣度，或者畫者透過精心流暢表達後，展示的個人心性人格細膩曲折婉轉溫柔乃至寬宏悲憫之人格與情懷魅力，而這魅力該用什麼語言，也應該具有多種可能性。

國畫本意為舒緩心靈，這些年也承載了極為淺白，“外露”的諷刺、讚美、紀實、吐槽等多種功能，但其白描、敘事、表意、抒情的氣質似乎仍然應該是它的主體價值之所在。國畫內在的宗教觀，似仍不大可能超出儒釋道，對人體的認識儘管長期往西方人體靠近，但囿於色彩媒介等，很難有那份自然和圓潤充沛。（沒見過國畫表現基督教的，也沒見過國畫人體特別到位的。）

迄今為止，國畫與油畫之間，要麼像潘天壽先生堅持的，各走各路。要麼就是很多嘗試後混雜的工具應用，最終似乎還是更多油畫滲透進了國畫。

但國畫能滲透進油畫嗎？似乎也有，但東方禪宗經油畫創作後，很多都顯得很通俗，不夠空靈，但也似乎可以承載更多的理性思考和批判力量。我想到這，覺得是個很有意思的話題，也許應該先去尋尋西方畫家裡面的“東方派”。

言及此，我覺得我個人的體會還是認真的，以後也不著急照搬教科書怎麼介紹了，也爭取不再為東方式雲山霧罩的詩意畫論迷惑了，那些評論很容易讓我更加無法把握事物的本質。我仍然還是忠於自己的感覺，不以任何作品為絕對，自己來體會吧。以後沿著這條路，試試能否再去解讀更多的，東西方的顏色、情感、節奏、體例……也許終有一天可以比較清晰地形成自己的藝術史觀，形成對個人化創作的新的領悟。我誠實了，對外介紹、翻譯、傳播交流時，也才可能更加自信，更加通順。萬一在對話中，獲得了更多的營養和知識，能促成中西方、中外國美學理論的深度對話與啟發創新，那就更加是功德一件了。阿彌陀佛。畫畫終歸是一件幸福的事，從本質上，只要畫的人高興，怎麼畫都是對的。也許未來，人人都是藝術家，就會誕生一種適合每一種角色在每一種情境下用不同材質畫出不同畫作的無邊界評論，包括自己家裡孩子的評論。繪畫終於會重新走向私人化、基本技能與無所不為的未來世界。

藝術都是相融合的，在中國初期留洋的一幫學生中有一個著名的人物，他的名字在中國婦孺皆知，他就是徐悲鴻！他很好的把油畫和國畫相結合，形成新的派別並沒有說出現什麼四不像的說法，反而把中國元素融於油畫中有了不一樣的視覺感受。如一下作品《田橫五百士》《愚公移山》……

不是學國畫者畫不成油畫，油畫每個人都可以學，因為她是色彩堆積出來的藝術，國畫就不同於油畫了，因為國畫不可以描抹，乃需一筆畫成，國畫畫的是物像的內在神和韻，靈魂，油畫畫的是物像的表象，國畫相對於油畫來說比油畫難，因為國畫包羅了中國五千年的傳統文化，是中華民族文化幾千年沉澱的精神產物，永遠不會被照相機的照片取代，油畫最終將被照相機取而代之。

這種說法應該不成立，首先說藝術的學習都是自由的，而且藝術也是有很多相同互補的部分，尤其像問題中說的，畢竟都屬於視覺藝術，甚至對於影視藝術也是有幫助的，大家都知道的很多著名導演，都是美術出身 。

當然，這種說法也很有道理，甚至也是做藝術的人更值得思考的問題。

一藝術也許專業些更好

藝術需要對其他了解和學習，無論是借鑑還是培養藝術素養都是有益的，但是畢竟每一個藝術的學習，也是一個比較艱苦而且需要花費精力的事情，尤其想要在所從事的藝術方面要達到更高的境界，或許需要一生的努力。

曾經聽過一段國畫大師張大千的話，也許是一種很好啟迪：我對西洋畫吶沒有研究，不是不喜歡它們不去研究，我覺得人生一個人的精力是有限的，我自己國家的自有東西，我們都還研究不完，所以我就沒有精神去學西洋畫，但是我對於別個國家的畫…但相尊重不相思，我很尊重他們的可我沒學過，但是就我一個人的理想，就是這普通一般的可以分這是東方的畫這是西方的畫，我想到了最高的境界啊，沒有分別。

二藝術全才肯定會有隻是比較難

多才多藝是被人經常用到的詞，也許只是一種讚美，能在多種藝術上都能達到很高的水平，才應該是真正的藝術全才，這樣的人也肯定會有。

比如中國的李叔同 弘一法師就是真正“多才多藝”，其可以說是中國話劇的鼻祖，而且不但能作曲，能作歌，又能作畫、作文、吟詩、填詞、寫字、治金石等等。

他對於藝術，差不多全般皆能。而且每種都很出色， 藝術之外，李叔同又曾研究理學（陽明、程、朱之學，他都做過功夫。後來由此轉入道教，又轉入佛教的)，還研究外文。

另一個世界都知道的就是達芬奇，其曾作過編劇、導演兼舞臺設計 達芬奇的音樂造詣也深。他曾設計過樂器，也是演奏家， 他也是作曲家。

繪畫是達芬奇研究科學、工程、解剖等等的手段，同時他的科學和解剖學知識又讓他的繪畫技藝更加出眾，也被感嘆文藝復興之後不可能再有達芬奇這樣的全才了。

就像最後的感嘆一樣，這樣的全才可謂鳳毛麟角實在難得，需要天賦環境甚至個人愛好等等很多方面的綜合。

三問題中類似的藝術形式還是比較多的

類似的藝術形式，相通的藝術規律還是比較多的，所以也比較容易都可以取得較高的成就，像學了油畫不能學油畫，會畫成四不像之類並不成立，雖然油畫與國畫有很多差異，但對於繪畫來說相同的理念規律卻也有更多，所謂國畫畫成四不像，並不是學了油畫的緣故，更是自己水平的問題，中國美術史上有很多兩者都有很高成就的，比如徐悲鴻，林風眠，關良，吳冠中等等，甚至反過來，想學國畫後畫油畫也比比皆是，現在最有名的冷軍就是如此。

至於攝影應該更好掌握，比竟審美在，藝術的創意和素養在，只是對於攝影技術的掌握，不說別的，電影的攝像應該比攝影技術更復雜吧，而多數著名的攝影師攝像師都是有美術的出身，甚至都必須要首先學習美術。