肯定有好有壞，同一項工藝，每個人的藝術手法不同，水平也參差不齊。按照自己的審美觀評判，不要人云亦云，不能受他人影響。欣賞一件作品，首先要從他的工藝，造型，還有線條，色彩，筆墨功夫……等一系列的因素來決定，名頭、職務……外在因素都無關緊要，重要的是按照自己心中的標準就作品本身來打分。

對自己不瞭解領域的藝術品，如果感興趣的話，可以多接觸，多學習，然後觸類旁通。

你們對內畫鼻菸壺瞭解嗎？可以和我一起學習、探討！

藝術，在普通人心目中是美好的代名詞。藝術中的所有門類，都有其特定的表達方法和審美標準。一百多年來，伴隨著現代主義的粉墨登場，傳統的藝術審美標準逐步解構。

尤其是近年來，藝術創作領域可謂光怪陸離，原來的藝術話語體系面臨極大的挑戰。當代藝術，既是一個時間概念，同時也是一種思想理念，和傳統的藝術主張涇渭分明。

波普藝術的領軍人物安迪·沃霍爾曾說過：每個人都能成名15分鐘。這句話用在當代藝術領域同樣合適。今天彷彿是人人都能成為藝術家的時代，藝術家也成為了所有不可名狀的職業或事件的代名詞——佈置餐桌擺盤的人叫餐桌藝術家，提個灑水壺在白紙上肆意噴灑的人叫現代派水墨藝術家。某些當代藝術家好像意識到了這一點，而在大家都將藝術家這頂帽子扣到頭上的時候，有人卻努力和藝術家這個頭銜撇清關係。馬塞爾·杜尚說過，我的行為像藝術家，但我不是藝術家。

什麼是藝術，什麼是藝術家？經過了上千年的爭論，我們並沒有越辯越明，反而在當代藝術中越來越迷糊。坦率地講，當代藝術的審美忽隱忽現，就如同霧中的花朵。其實，當代藝術審美的話題，也是部分當代藝術家迴避的一個話題。因為，當代藝術已經無法單純從技法、傳統審美需求上來評價好與壞。

當代藝術創作中，原來界線分明的藝術形式，已經走向交融。比如，裝置藝術就是涵括了繪畫、產品設計、展示設計及其聲光電等科技手段的綜合藝術形式。而對於什麼是好的裝置藝術，什麼是失敗的裝置藝術，沒有一個清晰的評判標準，唯有裝置藝術家和先鋒評論家在“一問一答”，與大眾藝術審美毫不沾邊。總之，面對裝置藝術作品，很多人都是一頭霧水，不知道從哪個角度進行欣賞。一種創新的藝術形式，如果在欣賞中失去了基本的標準和底線，這是好還是壞，確實是個難題。

在當代藝術領域中，行為藝術頗受人們的關注。行為藝術是20世紀五六十年代興起於歐洲的現代藝術形態之一。行為藝術是經藝術家親身加入，精心策劃而推出行為或事件，並透過與人交流，一步步發展，形成特定的社會效果。這種藝術必須包含時間、地點、行為藝術者的身體，以及與觀眾的交流與互動。比如，有的藝術家把自己的身體裝扮成雕塑，一動不動地站立在人群之中；也有的藝術家把身體裝扮成一條魚，躺在大街上。

有的行為藝術家是為了倡導環境保護理念，有的是呼籲人們熱愛動物，而還有一些行為藝術是不可理喻的，比如把身體全部塗上黑色的墨汁，在偌大的白紙上用身體寫字、作畫。也有一些所謂的行為藝術家，大庭廣眾之下，拿著剪刀把衣服裁成碎片，然後赤身裸體地站立……行為藝術中，有的行為是正能量的，我們一目瞭然；有的行為則完全突破了我們的道德底線，令人匪夷所思。

當代藝術中，繪畫無疑是顛覆性的。就油畫而言，傳統的油畫講究造型、透視、結構的準確，寫實性、逼真性是傳統油畫的內在價值追求。可是進入現代以後，伴隨著光學發展及其現代思潮的影響，油畫逐漸從“逼真性”中走出來，更加強調畫家的觀念和瞬間情緒的表達，乃至油畫逐步走向了抽象。我們熟知的畢加索、康定斯基等畫家的晚期畫作，已經完全看不到繪畫中的造型，是藝術觀念的熱情宣洩。

在中國，近年來無論是油畫還是水墨畫，抽象表達似乎成為一種潮流。這到底是好還是不好，沒有人能說得透徹，也許只有時間才會做出最後的回答。當代藝術的好與壞，每個人都有不同的視覺和心理的體驗。我所顧慮的是：傳統的藝術審美標準，在當代藝術面前“失效”，而當代藝術的價值判斷標準，並沒有完全建立起來。否定傳統的藝術審美標準輕而易舉，而重構新的藝術審美觀念，不僅需要藝術勇氣、更需要思想和智慧。既然當代藝術體系如此模擬兩可，我們就不能全然放棄藝術傳統，要在守正中逐步創新。

無論是在藝術創作中，或者是在藝術教學中，守正創新才是真正的出路。例如我們熟知的油畫《父親》出自出羅中立之手，該畫在技法上傳承了油畫的寫實技巧，而在構圖和思想性上有明顯突破：上世紀80年代，這是第一幅將平凡老農民以巨幅頭像的形式描繪出來，在改革開放初期，這無疑需要藝術膽略和創新勇氣。

總體上講，當代藝術不是孤立的存在，和當代社會發展、當代文化建設、當代倡導的思想價值緊密地聯絡在一起，若脫離了宏闊的時代背景談當代藝術，所以它的好壞沒有一個固定的“標準”。

當然有好壞之分啦。玉石雕刻，蘇工因線條柔和、佈局精緻等而受到大家的普遍青睞，雕工的價格也相對偏高。其他派別的雕工相比之下弱點。但如果是學徒工，恐怕倒貼錢也不會交給他（她）去雕。賈平凹是諾貝爾文學獎獲得者、趙本山是小品中的泰斗、朱之文是大家普遍喜歡的哥手，他們在這些藝術領域較為成功，生活中偶爾學一下書法、秀一下書法來體現自己的愛好廣泛，無可厚非，但如果非要拿自己的書法去炫耀、甚至去拍賣，就顯得不自當力、甚至糟蹋書法藝術了。

在日常生活審美化的今天，當代藝術解構了業已形成的藝術概念和審美價值，所謂的藝術彌散於生活之中，判斷藝術好壞的標準失效了，模糊了。觀看當代藝術的人，大約有三類:一類是藝術家，一類是知曉各種文化知識的智者，另一類就是憑直覺作出判斷的普通人。直覺是一切觀看的開始，不應把普通人排除在外，似乎普通人就是被教育者。普通人也有觀看和判斷的權利。好壞是相對的。有一些“不好的畫”，技法雖然糟糕，但卻因真誠而呈現稚拙天真的效果。這類畫的存在，說明了當代藝術的鑑賞和評估存在多重標準。

好壞之分，就是當代藝術的評論上，當評委的眼觀與修養達不到操作者的水平，就會糟蹋好的藝術，現在普通人的眼光再好專家，評委，比賽入圍 入展，獲獎上，所以當代藝術上是出不來大師的，大師也會扼殺在這個物質浮躁年代。演技派，復古派在佔據著這個社會主流，圈子決定你的藝術價值，所以評論當代藝術，只能說沒有大師年代。不知道其人朋友意下如何？

不僅當代藝術，任何藝術都有所謂的“好壞”之分，否則就失去了評判標準，陷入了一種歷史虛無主義。而題主會提出這個問題，顯然是覺得當代藝術有些混亂，讓人“看不懂”，價值標準紊亂，所以才會有此疑惑。

從長期來看，當代藝術的好壞，需要交給時間去篩選、提煉，去蕪存菁，經得起時間檢驗的藝術，才有穿透歷史的生命力。所以假如你是藝術評論家，就可以嘗試去從藝術史的角度，去深度地評判當代的藝術。而假如你只是一個普通的觀眾，那麼不妨從以下幾個層面，簡單地對當代藝術有一個簡單的評判，雖然難免主觀化，但是起碼可以避免在收藏或者投資的時候“踩雷”，或者和人聊天的時候可以多一些談資。

下面，我就簡單講一講自己對藝術評判標準不太成熟的觀點。我認為藝術的“好壞”可以從以下三個層面進行考量：

左邊是袁武的人物畫，右邊是某成名已久的大家，哪一幅作品更能給你帶來直觀的震撼呢？其實圖片已經將畫作的效果打了很多折扣，現場觀摩畫作的時候，你能清楚地感受到作品給你帶來的生理反應。拋開所有的名氣、評價，直觀的開啟心靈，去感受，才是最真實的。

左側是任重畫的山水細節，右側是某畫家所繪山水。我們需要去學習每種畫作的一些基本常識，以國畫為例，線條是否流暢優美，渲染是否細膩得當，皴擦是否遵循畫理，功夫不同，呈現出來的的效果也不同，我們至少要知道什麼樣的線條是自然的，是美的，是精妙的，一幅畫的好壞高下立分。

當我們面對一些自己“不太懂”的藝術，我們在前兩個層次去感受、學習的同時，也可以嘗試著去思考這件作品是不是具有一些突破性的意義，比如圖中所示，徐冰的“天書”，它還原了漢字作為一種圖形的本質，直指語言存在的一些悖論，可以引發人們的思考，同時置身其中，又是十分震撼的，給人一種強烈的刺激，像這種藝術，我們就可以說它是“好的”。

事實上，藝術的標準不是唯一的、永恆不變的，但是我想，起碼它得是真誠的，才能到“好壞”的評價這一步。藝術家真誠地去創作，觀眾真誠地去感受，而不是被一些虛名所累，或者被資本裹挾，它才是有意義的。以上，共勉。

當代藝術是一個容納各種主題、選材、風格、技巧、內容、目的和審美品位的斑斕世界。

當代藝術是對自身文化的戲仿，它有時走的太遠了，有時走的太偏了，有時過於標新立異而讓人摸不著頭腦，成為一堆散亂的積木，而不是完備的周密的系統。對於藝術家來說，時刻保持豐盈的靈感，也幾乎是不可能的。

當代藝術對作品功能性的模糊，決定了我們對所見藝術品的評價可以有很強的主觀性，也就決定了它將有更大的開放性，容納更多的自我，個性和個人價值主觀。

當代藝術植根於多元化的全球文化，許多有影響力的藝術家和藝術作品都在世界各地廣泛流動，伴隨著相應理念的傳播。我們都是這個世界的遊牧者，置身於現實與藝術之間，有時靠近，有時遠離。

藝術思想界內部基本沒有對藝術形式和藝術內容的限制。(統治階級藝術要求不再考慮之範圍內)允許各種藝術形式自展其優勢，所以從寫實到最抽象，現實主義到概念化，任何一種藝術形式都可以找到自己的生存空間。這就是當代藝術的特點，不是侷限於某一種或幾種藝術形式而是給所有的藝術形式，一個出場機會，現實主義力作和街頭塗鴉，在初登舞臺時都是公平的。

藝術，說到底，不過是文化思想，價值理念的載體之一，不管藝術流派發展了多少，都不能改變藝術

始終與思想價值體系相互依存的事實。

專業方面我們可以試著去了解，內涵方面我們可以試著去理解，以優秀技法塑造出的藝術美感體驗，表達某種正確價值觀，(不是政治正確，也不是上峰指示的正確)，並能夠被受眾理解，引起受眾共鳴和反思，這樣的藝術作品就可以被稱為好的作品。

照片裡的女性來自五大洲，這些女人誰最美呢？你又會最欣賞誰呢？（她們都很健康）

當代藝術就是一個反映當下的《理念與觀念》為前提的藝術。

近年來，影像藝術在《當代藝術》展中越來越受到了關注，這與影像藝術的普及性、便利性、及時性密不可分。

這正是《當代藝術》的魁力所在，我們的祖先為發現樹上能納涼都作畫介紹呢……

工藝有好壞之分，藝術則不存在好壞之分，當代藝術則更無從談論好壞。

放眼當下，我們現在所認為的藝術孤品、世間絕唱，正是在作品面世幾百年後才被認可，再往藝術的領域歸類。

所以，藝術沒有好壞之分，當代藝術更沒有好壞之分。

任何人看過20世紀以前的藝術作品，都會驚歎：過去時期的藝術真好，至於有多好、好在哪，這不是三言兩語可以說清楚的；任何人看了當代藝術，再和過去的藝術相比較，都會這樣問，當代藝術好在哪？或者說，當代藝術，還有好壞之分嗎？

平心而論，當代藝術家（那些真正用心創作藝術的藝術家）面臨中很強大的壓力，人們希望他們創新，希望他們在一夜之間取得成功，卻又要求他們穩紮穩打；要他們追求時髦，卻又要他們追求持久的藝術價值，總之就是要“繼承+創新”，只創新，人們會認為作品沒章法；只繼承，人們會認為作品沒有緊跟時代審美，

所以說，眾口難調，要兩全其美真是好有難度啊，於是為了滿足人們不同胃囗的審美，當代藝術便開始“雅俗共賞”了，有高雅與低俗，你是否能欣賞到高雅的藝術作品，全憑藉自身的審美能力、藝術素養了，當然了，有些人欣賞到低俗的作品，也不會承認是低俗的，

從藝術的“雅俗共賞”層面來理解，當代藝術是有好壞之分的，很顯然，高雅的藝術是好的，低俗的藝術是壞的，至於為什麼要有好壞之分，上一段就簡單說明了，那麼，又是誰規定藝術可以“雅俗共賞”的呢？其實，這並不重要，之前有人這麼解釋，藝術的雅俗共賞中的“俗”是讓那些沒有藝術認知的人欣賞的，大眾化的意思，

開篇簡單提到20世紀之前的藝術作品，那時期的藝術絕對沒有“雅俗共賞”的存在，只有高雅才叫藝術，藝術的宗旨是表達一切“真善美”，生活的不完美，在藝術中就會顯得完美，抽象藝術“以醜為美”就是最好的說明，到了20世紀開始，越來越明顯，在當代，“以醜為美”就成事實了，比如，繪畫、書法，以醜為美的作品隨處可見，很遺憾，沒人阻止這種“藝術亂象”，所以，當代藝術就有好壞之分。