畫的不像能說是好作品嗎？這就是個文字遊戲！

藝術要多元，各種風格流派；如太極陰陽，有寫實就有寫意，有具象就有抽象；

像與不像不是評判藝術作品的唯一標準！

一件藝術作品的好壞不是以像不像為標準的。作為美術來說，畫的像是基礎，而要想成為一件藝術品，這件作品必須有一定分內涵，給人以啟迪，讓人有領悟。只有這樣才算是一件好的作品。如果只求像不像，那就只能算是一件複製品了，沒了什麼藝術可言了。

無論是資深的繪畫愛好者，還是業餘的繪畫愛好者，在欣賞一幅畫作時，都會去思考評價眼前的那幅畫到底好在哪裡？只不過資深和業餘的人思考評價方式有所不同，問題來了：“畫得像”的油畫作品，就是好作品嗎？

由於現在油畫的流派風格很多，不同程度的麻痺了人們的視覺感受，特別是那抽象畫，導致人們會有疑惑，什麼樣的油畫作品才是好作品呢？似乎沒有一個確切標準的答案，因為畫得太像的油畫成了照片，畫得太不像的油畫叫塗鴉，照片和塗鴉對於油畫而言都沒什麼意義，

不過話說回來，寧可把油畫畫得和照片一樣逼真，也不願把油畫畫得跟塗鴉一樣模糊不清，無法辨認，為什麼這麼說呢？原因很簡單，能讓人看清楚畫裡面的人物場景，這才有最直觀的視覺效果，這也是一幅油畫成為好作品的最基礎的要求，如果一幅畫連畫家自己都不知畫的是什麼，又怎能要求其他人看懂呢？

評價一幅油畫是否是好作品，我們有必要拋開那些冠冕堂皇的哲學理論，這樣才能保持清醒的頭腦從直觀的視覺去感受到底好還是不好，避免“皇帝的新裝”這樣愚蠢可笑的評價；畫山要像山、畫人要像人、畫雞要像雞，不能把一個東西畫得“四不像”，這是寫實油畫最基本的條件，

還有就是所謂的“似而非似”，並不是說畫得不能太像的意思，而是畫家要巧妙靈活藉助自己的筆法和色彩光影效果，讓畫中的人物場景，體現出豐富的藝術效果，要能讓感受到藝術化作品與機械化作品的區別，綜上所述，“畫得像”的油畫作品，是成為好作品的基礎。

一直都有這樣的印象，油畫與中國畫最大的區別就是寫實和寫意，普通欣賞者對於油畫最大的興趣就是畫的像不像，其實這肯定不是評價一幅油畫好壞的標準，至少不是唯一標準。

一油畫的分類

油畫的歷史雖然沒有中國畫歷史悠久，但其發展過程也是經歷了古典、近代、現代等幾個時期，不同時期的油畫受著時代的藝術思想支配和技法的制約，自然會呈現出不同的面貌。油畫的流派大概可以分為兩大類。

第一類是以客觀的再現為主的創造性作品;

如文藝復興後出現的巴洛克、洛克克、古典主義、學院主義、浪漫主義、現實主義、寫實主義、照相寫實主義、印象主義都是以再現自然為基礎，表現畫家不同的思想與目的。

第二類是以主觀表現為主的創造性作品：

如後印象主義、野獸派、立體主義、未來主義、抽象主義、超現實主義等，它們不再是對客觀物件的真實描繪，而是根據畫家的主觀意圖進行自由創作

所以說，油畫並不都是要畫的像，甚至很多是畫的很不像，那麼欣賞評價一幅油畫作品的好壞，自然不能只看像不像。

二如何評價油畫的好壞

既然畫的像並不評價一幅油畫的好壞，那麼還應該從這些方面來看

第一，色彩。

由於油畫色彩極具豐富性和力度感，被業界稱為是“繪畫中的交響樂”，所以，好油畫對色彩的運用就像好音樂一樣能引起觀眾的共鳴，它能把人帶入一個神秘的特殊境界——或典雅、或莊嚴、或壓抑等。

第二，筆觸。

觸是帶有顏料的油畫筆在畫布上運動的痕跡，恰當的筆觸應當述說著畫家的情感和對美學偏好，也能敏銳地顯現著不同時代審美趣味的變更。比如，魯本斯飽蘸稀薄明亮顏色的大筆，塗抹留下的自由奔放、多呈曲線的筆觸，給人強烈動勢和戲劇性衝突之感；哈爾斯輕快靈活的筆觸下描繪的肖像，讓人讀出人物神采奕奕的生動感。

第三，構圖。

構圖是作品形式美的一個重要因素，在滿足人審美需求的同時，也傳遞著某種思想，欣賞者可以從不同的構圖中得到或平靜或穩定或傾斜或壓抑之感。

三油畫也有立意

其實油畫雖然與中國畫的區別是寫實和寫意，但並不代表油畫沒有意，也許由於中國畫特殊的表現手法，用寫意形容中國畫更為貼切，而油畫用立意比較適合，所以一幅油畫的好壞還要看其立意，看看有沒有更好的內容。

曾聽過一段張大千關於油畫的話，也許對我們評價油畫的好壞有一些啟發他說：我想最高的時候，用油畫的方法一樣可以畫中國畫，那麼用毛筆用膠水、墨水一樣的可以畫西洋畫，所以我看到外國的畫我們雖然沒研究…我覺得他們出發點用意用心也是一樣的，在我一個人的想法吶，不必要嚴格去分東西之分，到了最高的境界是一樣的。

所以說，對於以客觀的再現為主的創造性風格油畫，畫的像只能說是一幅好油畫的基本條件，並不能說就是一幅好作品，好作品好應該有好的色彩，好的筆觸，好的構圖，好的立意。

西方的油畫作品從畫得像到畫得不像是西方繪畫發展歷程中的一個縮影。早期油畫肖像作品因為是私人定製，因此作品首先得滿足甲方的相似程度的要求，在此基礎上還要有一定程度的審美趣味，因此畫面製作效果必須是光潔的，五官是精緻的，膚色是潔淨的，細節處理是完美的，否則乙方承擔違規責任。這樣的畫師不在少數，因此畫師除了有高超的技藝外，往往還透過光學裝置來武裝自己，以免造成丟失市場的囧境。隨著照相機的出現，這樣人物肖像的定製就越來越少了。人們風景畫和靜物畫的需求加大。加上受到東方繪畫的影響，西方繪畫“畫得像”受到了空前的挑戰和質疑，直到第一次世界大戰爆發，西方傳統油畫遭受重創，畫家們徹底拋棄“畫得像”的束縛，用近乎塗鴉式的感覺，表現自己精神狀態，釋放壓力，這就是德國表現主義繪畫。因此油畫作品“畫得像與不像”不是作品優劣的標準，它受時代審美影響，受個人化修為影響。

對於一個藝術家來說，如果創作的目的只是為了追求“畫的像”的話，這樣的藝術思維無疑太簡單，或者說太膚淺了。

中世紀以及文藝復興時期的油畫作品，都是寫實主義風格的油畫，服務物件也基本是皇室和貴族。所以，那個時候的油畫創作，首要的目的就是需要逼真。我們看看印象派出現之前的那些經典油畫作品，《蒙娜麗莎》、《泉》等等，莫不如此。

但是，就算是古典寫實主義的油畫作品，畫得像也絕非藝術家們的唯一追求。結構之精準，色彩之細膩柔和，神采之靈動，其藝術水準至今仍令人驚歎。

而當代藝術，產生於已經誕生攝影技術的時代。有人說攝影的誕生宣告了繪畫的死亡，這樣的觀點現在受到越來越多人的認同。就連原中央美院院長靳尚誼這樣的老藝術家，也直言油畫作為一種藝術形式已經走到了被淘汰的邊緣，建議更多的年輕人多去學習國畫。

不過，也有不少人持完全不同的意見，認為攝影技術其實是解放了繪畫藝術，讓繪畫可以更加自由的表現情感與思想，不再被畫得像不像束縛。在這樣的審美思維指導下，畫得像不像當然不再是評價一幅作品好不好的重要標準了。

現在的藝術界流行這樣一種認識：不再追求逼真的當代繪畫，才是更像藝術本身的繪畫。

不過面對那些抽象的、現代的繪畫作品，卻依然很難得到大眾的廣泛認可。普通大眾的審美習慣並未得到根本改變，他們在欣賞一幅畫時，首先還是想弄懂畫了什麼、畫得像不像，這才是大家最簡單也最熟悉的欣賞套路。

那些古典寫實主義的經典油畫作品，看上去總是那麼光彩照人。那是皇室和貴族們為炫耀自己而作的，畫家的職責，就是迎合那些有錢人的口味，自己的藝術追求在很多時候都是受到制約的。

隨著時代的發展，藝術不再是貴族們獨享的東西，藝術家們的創作也越來越自由。那些大家接受不了，或者是看不太懂的繪畫作品，可能只是因為藝術家在表達自己和宣傳自己的訴求，而非為了讓外人享受。

就比如說趙無極的繪畫，將中國傳統繪畫的意蘊融入到西方現代油畫的色彩中，創造出色彩變幻、筆觸有力、富有韻律感和光感的新的繪畫語境，被稱為“西方現代抒情抽象派的代表”。趙無極是難得的有著國際影響力的油畫藝術家，但是他的那些天價作品，同樣很難被普通大眾所接受，因為這樣的抽象畫並不符合大眾的審美習慣。

總之，畫得像與不像早已不是評價一幅畫藝術價值的唯一標準，或者說在很多時候已經是被忽視的標準。

畫得像也會是好作品，一個畫家如果連畫的像都做不到，那不是欺世盜名嗎？畫的基本起點就是模模擬實的能力。要想畫出不像的作品，必須從能畫的像做基礎，否則就是欺騙。也欺騙不了。目前我還是喜歡畫得像。都沒錯。

“畫得像”的油畫作品，就是成為好作品，或者不一定就是好作品。畫得像的油畫作品猶如彩色照片，形象逼真具有寫實美的藝術性，有些人喜歡就是好作品。油畫作品畫得不像，反而藝術價值很高，為人們提供了油畫藝術的欣賞性的審美，也是很美的好油畫作品。

二、人們在欣賞“畫得像”油畫作品中，被其畫面人物形象的端莊柔美所吸引，精緻入微的形象與技巧讓人們所折服。對於“畫得像”人物題材與內容的切入給人們在欣賞中，產生精神上形成了全面的感染力，心靈上受到強烈的震顫。

三、油畫大師冷軍的油畫作品《小唐》，所表現的是一位青春少女，面龐光潔，眼神望著前方，平靜中又帶著怯弱和戒備，若有所思，欲語又休纖毫畢現，精緻入微，其視覺的“真實感”堪比照相的效果，衣服的機理質感也印襯地分明，觀眾旁人無不歎為觀止，讓人們在欣賞中分不清這是油畫還是相片，這就是“畫得像”油畫作品的藝術魅力。

畫的像只是基本功紮實！當然也不能說寫實就不好，能從畫裡面突出時代特色、體現出個人情感、反映社會現實能激發人們對人生的思考，或者能從作品裡面讓人有無限遐想的空間體會到深遠的意境也是非常優秀的作品，這樣的作品比寫實要高一個層次，我個人認為這樣的作品才是好作品，才是藝術的終極目標，當然這也是天才大師才能辦到的！

對於這個問題，我覺得，“油畫畫的像，是好作品，但是算不得高明。”

大多數的油畫，“畫的像”是基礎，但真正能稱得上藝術品的繪畫，一定要有自己的東西在裡面，只是單純的像，站在藝術的角度沒有絲毫意義。

那為什麼又說畫的像是好作品呢？因為這世間的成熟畫者，應該分為兩類人，“畫匠和畫家”。

一般意義我們認為的畫匠，只需要完美複製出眼前的東西就可以了。他們中有的人在繪畫技法和理論上，甚至不比大師來的差，但是其地位卻與繪畫大師天差地遠。

究其原因只有一個，畫匠只有模仿的能力，也就是單純的在追求“畫的像”，對於他們來說，畫的像就很成功了。

畫匠們可能一輩子都在研究怎麼能把東西做的更像，而不是想怎樣去創造一件作品。沒有真正發自內心，又能引起別人共鳴的東西，這樣沒有內涵的作品，怎麼能稱得上藝術品？

但是話說回來，“畫的像”是繪畫修行路上的必由之地，想要在繪畫上面取得成就，就一定需要先把造型能力提上去。

蘇軾曾經說過，“論畫以形似，見與兒童鄰。”畫的像只是繪畫路上的第一步，做好這個以後，就要想辦法一點一點的跳出這個束縛，在作品中逐漸加入自己的東西，抒發自己的情感，達到真正能夠賦予作品靈魂的地步。

就像一個人長得很美，但如果沒有生機，形容呆滯，也很難讓人覺得賞心悅目，繪畫作品也是一樣的。

著名繪畫大師齊白石也曾說過，“畫貴在似與不似之間，太似為媚俗，不似為欺世。”雖然齊老先生主攻的是寫意花鳥畫，跟油畫有些差別，但是藝術有很多方面是共通的。一味地照搬照抄，那樣的畫者只不過是自然的奴隸而已。

藝術創作是一件很主觀的事情，一幅好的繪畫作品，必然是需要畫家苦心經營的，縱觀整個人類的藝術文明史，所有流芳百世的作品都一定有它獨特的內涵存在。

繪畫創作更多的是在“以物詠志”，畫面只不過是藝術家們表達自己思想感情的工具而已，如果僅僅以像不像來評判一件油畫作品的好壞是不正確的。

畫到像只是基本功，畫的很像只是技術好。

畫得像充其量只是一種樣式。

具象繪畫早已不是世界主流。

尤其是照相術發達之後，畫得像就沒有多大意義了。

我強烈的感受到，畫得像沒意思了！