二者沒有可比性，油畫注重外光，可以寫生的很寫實屬於照像寫實主義，也可以很抽像抒發內心的感受，早上，中午，黃昏三個時間畫同一個地方畫出來的效果是不同的。中國畫是平光效果，善於表達畫家內心的思想，寫實非常難，表達方式以線條為主，色彩為輔，屬於隨類賦彩。

國畫和油畫同屬於視覺藝術，強調視覺效果，但兩者給人的視覺效果都完全不一樣，這是因為國畫和油畫的藝術載體不同，國畫注重“寫意”，油畫注重“寫實”，然而在創作的過程中，它們都離不開“寫生”，那麼國畫的“寫生”與油畫的“寫生”有什麼不同的意義嗎？

我們從國畫和油畫的畫作表象來看，就容易理解了，國畫中的人物表情形態是幾乎模糊不清的，即便是形象逼真的山水、花鳥畫，都是給人一種“世外桃源”才有的仙境，很原始的自然景觀，現實世界裡是無法看到的，國畫表達的是對大自然的情懷，

所以國畫創作在整個寫生的過程中，是讓人的身心完全投入到大自然中，尋找對大自然的“感覺”簡單的說，大自然才是國畫的主體，而個人的情感只是一種陪襯，所以我們在欣賞一件國畫作品時，總會感覺自己在身臨其境，也就是國畫中的“寫意”，把畫面傳遞給欣賞者的狀態表達出來，

然而，無論哪種流派風格的油畫，其實畫作的表象都是很清晰具體的，因為油畫有很強烈的色彩效果和形象的“空間立體感”，這就是油畫的“寫實”，它豐富的色彩會傳遞給人不同的情感或者情緒，可以這樣去理解，油畫創作整個寫生的過程，就是捕捉“色彩”的過程，透過色彩來表達情感情緒，

“色彩”和“感覺”相比較，毫無疑問，“色彩”的概念要比較具體，而“感覺”的概念就比較抽象了；或許有人會說，藝術來源於生活，國畫和油畫的“寫生”都是在體驗生活，其實這樣的認知就膚淺了，已經把國畫和油畫的宗旨一概而論了，確切的說，國畫的宗旨是在表達“筆墨文化”、大自然的情懷，大自然沒有生活可言，只有原本的面貌；油畫的宗旨是在表達人們真實的情感、人文精神，這才是要真正體驗生活的，

謝謝邀請。我是學國畫山水畫的，對油畫不熟悉，因此在這裡只談談國畫的寫生的意義。上週，我有幸和中央美院李鐵生工作室的職業畫家鄧雙伍鄧老師錄製了一批教學影片，鄧老師在影片中就提到了學習國畫寫生的重要性。鄧老師一年中有大半年在外寫生，足跡遍佈全國，鄧老師在教學影片中提及，現在很多人畫太行山就是畫石頭，把樹啊什麼的全部剪掉刪掉，全是石頭，其實這是不對的，因為他沒有去過太行山，只是照著相片或者樣稿臨摹，沒有真正的到過現場寫生，現在的太行山上並非全是石頭，這樣畫出來的畫就有點行畫的味道。

鄧老師說，為什麼大家都說黃賓虹厲害，因為黃賓虹畫的畫師沒有刪減東西的，他能將畫面上所有的物象井井有條的安排在一起，想一家人一樣和和美美，這就是黃賓虹厲害的原因。只有到過現場寫生，對生活中的東西有了感觸之後，才能畫出自己的東西，畫面才豐富，否則就平淡無味，流於行畫。每處的風景都自己獨特的地方，雖然技法相同但是手法是不一樣的，只有到了現場寫生，才知道什麼風景有什麼樣的手法去表現。比方說 ，如果用畫桂林山水的手法去畫太行山的石頭，去皴皴點點，那手法明顯就是錯誤的。

就兩個畫的類別的角度講，二者從觀感上來說，似乎是區別很大的。但就從寫生上來講，其實是一樣的，造成觀感巨大差異性的原因只是因為，文化環境和意識形態的不同。

光從風景寫生來說，卻也都是同樣的方式，同樣的觀察和描繪。

油畫的方式和手法也是很多種的，就古典油畫講，精緻和立體，意在盡力表現現實

的前提下，尋求藝術價值和藝術表現力。

國畫的也分工筆和寫意，而寫意畫的藝術表現力針對非專業內人士從觀感上相對更高。

不過藝術的路走到一定的程度，還是殊途同歸的，油畫在國內的發展以冷軍為首，興起了寫實的風潮，並不是說不好，也不是說沒有藝術價值，但看國外的藝術家們，走到最後也都精簡藝術語言，返璞歸真，尋求拋除冗雜技法的藝術價值體現，獲得一種精神上的感受力，在某方面講，這和國畫寫意山水有異曲同工之妙。

舉簡單例子，譬如大衛霍克尼的油畫，非專業內人士從觀感上，就感覺和兒童畫無異，可那種畫給人一種感受力，那種感受力是無法在看到畫第一時間說出口的，會讓人駐足、凝視和思考。

而希施金的油畫在非專業人士的的眼中就有一種，色調漂亮，精緻，細節豐富的感覺，很具體，可以形容。

並沒有說兩者孰優孰劣，只是講藝術價值體現在技法，但並不侷限於技法，更多的，在於精神。

附上霍克尼和希施金的畫作。

這是一個很好的問題！在回答這兩者區別之前，先來強調一下寫生的重要性，寫生是直接面對物件進行徒手繪的一種繪畫方式。寫生也是繪畫專業人士常態化習作。可以根據作者的喜好或專攻題材型別自由選取物件。寫生不僅能提高創作者眼手的配合能力，同時鍛鍊了創作者的觀察、理解能力；使得創作者“理性”與“情感”，“現實”與“理想”得以個性化的“完美”體現。（藝術家一般追求完美）也為日後創作提供手邊參考資料。

一：先簡明講講國畫技法理論概述。

“什麼是中國畫技法”？中國畫的技法，實際上可以理解為中國畫家運用毛筆的方法，也就是因毛筆而產生的“用筆”、“用墨”的技法，其中墨法中包含了色彩的技法。在中國畫的發展過程中，特別是到了元代以後文人畫家的介入，中國畫的抒情意味越來越濃。中國畫的筆墨的含義，已不是簡單的技法問題，而是中國畫的代名詞。在中國畫的筆墨觀中，滲透了中國畫的精神。

總的說來，中國畫的技法是由“筆法”/“墨法”2部分組成。

（1）筆法又分為：“點、染、皴、擦、勾”5大要訣。

首先，著重介紹毛筆線條（勾）的運用，在歷來傳統中有線條是國畫中的“骨”，“水墨”和“染彩”是國畫中的“肉”之說。好的國畫功底———要求良好的書法底子！這就是為什麼要講“書求畫意，畫求書會“藝術基因”的相互融合。客觀地說國畫筆法中的 “寫” 與 “畫” 動作是有微妙區別的。比如；國畫中花鳥類的“寫蘭葉”/“畫蘭花”的通俗術語（一筆“寫”出蘭花葉子的神形，一筆“畫”出蘭花花瓣神形）再比如；畫白描寫生時，要求勾勒出的線條講究“抑揚頓挫，輕重緩急”的豐富變化。 具體用筆有；中鋒運筆、側鋒運筆、 順鋒運筆、逆鋒運筆等。

毫不誇張地說———線條是中國畫的藝術生命。勾勒線條分別在“花、鳥、蟲、魚、人物、山水”6大類別物件中具體應用是靈活多變的。大家可以看一看當下著名畫家 “範 曾” 的古人物山水畫。其勾勒人物和衣著線條非常有底蘊，頗有藝術造詣。

其它“點，擦，皴，染”幾項筆法在6大類別中也是靈活多變的，這裡就不一一詳細介紹了。

（2） 接下來再著重介紹一下中國畫“墨法”的使用。國畫“墨法”，就是利用水的作用，產生了濃、淡、幹、溼、深、淺不同的變化。

中國畫與西畫相反，主張黑白分明，“以墨為主，以色為輔”，把純黑的墨色作為統帥畫面的骨架和基調，色彩處理要在墨骨的基礎上考慮，特別是水墨畫的色彩，基本上是在墨的基調上進行，以求得單純中的變化。即使是重彩畫，也是在大塊面固有色之間以墨骨的線進行統一協調，以求得變化中的和諧。

因此，中國畫的用色受著用墨的制約，用色與用墨是分不開的，關鍵在於解決好色和墨的關係。

墨法又分為：a 色墨重疊法

b 色墨對比法

c 色墨混合法

a色墨重疊法

在較為完整充實的墨稿基礎上，解決畫面調子。用透明度強的顏色（如花青、藤黃、赭石、曙紅等）在墨稿上罩染，不可能一次完成，要多次層層積染，使畫面逐步形成統一調子，或冷或暖，或青或赭。關鍵的一點是水分要充足，用色和用墨不同，要有滋潤感，不可幹塗、乾擦，把墨的韻味蓋掉，要“色不礙墨”。

b色墨對比法

在繪製墨稿時，有意識、有計劃地空出一部分（或山或樹葉部分），留待用強烈的顏色完成，以使色和墨形成強烈的對比效果。如墨的樹幹樹枝，用石青、石綠、石黃、硃砂等不透明的礦物顏色點染樹葉部分；或用墨畫山石與重色的樹相襯。這樣畫面上就會色墨互映，相得益彰。

c色墨混合法

此法花鳥畫多用，山水畫中的沒骨法也常使用。如花青或赭石調以少許淡墨畫遠山或雲水，也很別緻，色墨混融，合二而一，筆中即有微妙的色墨變化，比單用色顯得有分量，比色墨兩次罩染顯得鮮活生動。在畫沒骨山水時此法特別顯著。但初學者較難掌握，一下筆後不易更改。要“成竹在胸”然後揮毫，一氣呵成。

二：接下來簡要談談自己國畫寫生（實操經驗），寫生不同於臨摹，創作，面對的是實物，實景。在合適的時間，場地，備好畫材器具，同時深思熟慮做到“胸有成竹”，意在筆先。

（1）選擇什麼型別畫法？

小寫意/大寫意/工筆畫/白描/水墨等

（2）如何高水準的佈局謀篇（構圖）？

常見常用幾種構圖法則有：

少而精取勢法/居中取勢法/均衡取勢法/疏密取勢法/分段取勢法/滿幅取勢法等

（3）如何啟墨稿？

選畫物件是熟悉的還是不熟悉的？不熟的物件（畫工筆，白描）可以使用2B以上鉛筆或木炭條輕輕地打個簡略“隱線稿”，隱線稿輔助墨稿的正確穩定形。“隱線稿”全部掩蓋在墨稿中。畫寫生是“師法自然”而不囿於自然物件。發現美，塑造美是畫家的首要任務。

國畫墨稿的不可修改性，最直接地，考核著作者的概括，理解與表現能力，國畫寫生不應照搬生活中的物件，提煉自然物件，意到筆到概括地畫，“穩、準、狠”3字訣。儘量避免“敗筆”！

（4）畫面水分溼度適當把握很關鍵，處理不當很難把握理想化的“墨韻”效果

（5）切忌畫成“行畫”！這裡簡約地說說“行畫”的特徵，筆法基本功不夠，結構不準，理解不超脫，用純“素描”方法畫國畫等原因。

（6）國畫“意境”中有2個常用專業術語“精氣神”和“布白”。

注意虛實對比…形神兼備，氣韻生動。

（7）合理落款，中國畫講究“詩，書，畫，印”

完美結合。

三：油畫的技法理論簡述：

簡單來說油畫技法理論基礎由：造形基礎，油畫色彩，畫法風格3部分構成。

表現形式主要從造型、色彩、筆觸、肌理、空間、構圖、表達情感方面表達出來。

造型：造型上有的追求誇張。有的追求精細華麗等。

色彩：色彩是油畫的靈魂。有的色彩絢爛，有的低沉暗淡，有的明亮快感。均顯示出不同的作畫風格和個人情感。寫生時，我們看到的物體通常是“環境色”。因而對畫家肉眼識色，辨色，調色精準是一大考驗。所謂“色彩敏感”就是分得清“色相，飽和度，明暗度”。反覆比對才能接近“物像”。

筆觸：筆觸的輕重緩急可以使一幅畫表現出不同的感覺，列如梵高的火焰般的筆觸，塞尚輕鬆愜意的筆觸，雖臨摹同一副畫作卻表現出完全不同的視覺效果。

肌理：又稱作物體質感。肌理能使畫面增加厚重感。由於物體的材料不同，表面的組織、排列、構造各不相同，因而產生粗糙感、光滑感、軟硬感。肌理是理想的表面特徵。人們對肌理的感受一般是以觸覺為基礎的，但由於人們觸覺物體的長期體驗，以至不必觸控，便會在視覺上感到質地的不同。我們稱它為視覺質感。畫面越寫實質感越強。

四：油畫寫生實操經驗

1、畫素描稿。先勾出一個設想性的草稿，用鉛筆在紙上畫出大構圖和人物大體表情，然後對照模特進行寫生。畫家在寫生時多以感性因素為主，人物的外形和神態儘可能接近物件。

2、在寫生過程中充分體味模特內在氣質，緊緊地抓住這一開啟性靈的契機加以強化。然後，畫家根據寫生稿進行加工、概括、提煉。

3、同時對區域性的內容加以充實，畫得更加肯定。

4、素描稿敲定之後，畫家以極其嚴格的方法（方格放大法）將素描稿複製到畫布上。

起素描稿是一個靈活的造型過程，它允許甚至鼓勵不斷修改和調整，所有這一切都是為了確定一個明確滿意的視覺形象。

在任何油畫的起步階段，都有理由也有必要花費大量時間來起素描稿。起素描稿並不一定上調子，可直接用線在畫布上修改、調整，也可以用簡單色來確定畫面的主體色調與色彩關係。

5、透明覆色。即用不加白色而只是被調色油稀釋的顏料進行多層次描繪。必須在每一層乾透後進行下一層上色，由於每層的顏色都較稀薄，下層的顏色能隱約透露出來，與上層的顏色形成變化微妙的色調。

例如在深紅的色層上塗罩穩重的藍色，就會產生藍中透紫即冷中寓暖的豐富效果，這往往是調色盤上無法調出的色調。這種畫法適於表現物象的質感和厚實感，尤其能惟妙惟肖地描繪出人物肌膚細膩的色彩變化，令人感到肌膚表皮之下流動著血液。

直接著色法：

在畫布上作出物象形體輪廓後，憑藉對物象的色彩感覺或對畫面色彩的構思鋪設顏色，基本上一次畫完，不正確的部位用畫刀颳去後繼續上色調整。

這種畫法中每筆所蘸的顏料比較濃厚，色彩飽和度高，筆觸也較清晰，易於表達作畫時的生動感受。19世紀中葉後的許多畫家較多采用這種畫法。

為使一次著色後達到色層飽滿的效果，必須講究筆勢的運用即塗法，常用的塗法分為平塗、散塗和厚塗。

平塗就是用單向的力度、均勻的筆勢塗繪成大面積色彩，適於在平穩、安定的構圖中塑造靜態的形體。

散塗指的是依據所畫形體的自然轉折趨勢運筆，筆觸比較鬆散、靈活。

厚塗則是全幅或區域性地厚堆顏料，有的形成高達數毫米的色層或色塊，使顏料表現出質地的趣味，形象也得到強化。

問題有點複雜，呵呵~喜歡的書友請關注給贊。

油畫與中國畫無論寫生，創作區別都很大。首先繪畫原材料的區別眾所周知，在此就不必說明了，我們針對主題來談談油畫寫生與創作，油畫藝術是屬於西方繪畫藝術的其中一種，西方繪畫藝術是建立在建築藝術的基礎上而衍生的藝術形式，固西方的傳統藝術講求科學，對造型，色彩，透視，光影，結構比例等等要求比較高，注重對景還原，這就定義了油畫寫生藝術的寫實形式。所以，油畫寫生越像越好。

而中國畫的傳統藝術形式是建立在遠古時代東方文明的生活，宗教等領域的藝術，遠古時代東方人對美好生活的嚮往，對宗教信仰的崇拜的情感抒發，遠古時代東方人透過點線面的方式在石頭，木頭，崖壁等等這些載體刻上需要表達的藝術語言形成了中國畫最早期的東方繪畫藝術。 所以，中國畫無論寫生或創作都是為了抒發情感而做，中國畫講求似是而非，在似與不似間尋找平衡點，達到最美的意境。

一切以自我情感抒發為繪畫標準，講究意境。簡單闡述瞭解中國畫的由來之後我們切入主題，中國畫的寫生就必然不會依景而做，而是抓住寫生物件的主要特徵，在表現物象特徵的基礎上，盡情發揮內心感受，在寫生的時候會乾坤大挪移，取其精華，按心中最美的畫面去完成創作過程，作品既能表現物象特徵又能給人以美好生活的期待與嚮往。

中國畫源於生活而高於生活是東方藝術的典型特徵。

中國畫的最高境界追求的一定不會是照景還原，而是融入了道家，儒家，佛家以及禪宗，哲學等美學思想而寫意創作。

以下第一幅作品是我三月份在西塘古鎮的寫生作品，請各位讀者老師多多指教。 多謝關注和分享。

以油畫風景寫生對比國畫山水寫生可以區別出：

從觀察景物的視覺方法不同。油畫以焦點透視觀察眼裡的景物，國畫卻以散點透視觀察所見到的景物。焦點透視近大遠小，遵循自然規律，散點透視根據畫面需要近可小遠可大，遵從個人主觀理念。

從構圖佈局上不同。油畫嚴格按照眼裡所見，真實客觀反映物像，國畫則是唯心的，高遠、平遠、深遠構圖，一切為了畫面氣息的需要。

從色彩運用方法上不同。油畫顏料具有覆蓋、堆砌的效果，使用起來豐富而鮮明，國畫的色彩透明單純，一張寫生兩到三種顏色既可，無覆蓋性。

可以說，油畫寫生和國畫寫生從觀察方法、構圖佈局、繪製過程等等完全不一樣。

油畫的寫生，國畫的寫生的區別

個人拙見，從傳統意義上來說，油畫一直是客觀寫實的繪畫媒介

無論是靜物，人物，風景油畫寫生，傳統意義上說是客觀寫實，在畫布上再現一個寫實的人物，再現三維空間的風景，三維空間的寫實靜物，塑造油畫典雅的色彩氣氛

國畫，自古以來，提倡外師造化，中得心源

國畫寫生，不是油畫那般客觀寫實，國畫把自然山水，人物，花鳥，化成筆墨的趣味，經過畫家的主觀情感，對客觀物象的主觀重組，創作氣韻生動的國畫，國畫並不是單純照搬照抄自然的

但是個人拙見，雖然說油畫創作核心是寫實客觀再現物象

國畫創作是重視意象，意境，筆墨

比如油畫的空間是利用焦點透視，再現三維立體的真實空間

而國畫中的山水，是散點透視，為了營造畫面咫尺千里的博大氣勢，可以把不在同一焦點，不同立足點的山水，重組在一幅畫面上，所以國畫寫生是畫家的主觀意識營造的意境

國畫中的筆墨，構圖，筆墨，運筆，意境，色彩都是畫家藉助風景，表達自己的主觀意識，主觀情感才華的寫生

但是，千萬不能一概而論，油畫寫生，就是客觀寫實地模仿自然，全盤照搬自然

甚至照抄自然風景，模特的構圖，色彩，結構

其實不然

對於油畫寫生，特別是構圖，也是畫家主觀意識的體現

比如畫家面臨一處風景，不可能照著抄在畫布上

畫家肯定要去粗取精，主觀組織成有規律的構圖

比如營造S形構圖，風景中影響S形構圖的場景畫家一定會在畫面上去掉

所以油畫中也有畫家主觀的意識營造

比如畫家莫奈的《日出·印象》，其粗獷激情的筆觸，都是畫家莫奈主觀意識意識營造的藝術效果

現在興起的意象油畫，中國畫的元素，比如散點透視，意境，氣韻生動的中國文化意境，融入到油畫創作中，所以，油畫也可以是主觀營造的意境

如果是國畫，油畫寫生的區別

那就是色彩的不同

1 國畫，自古以來提倡素雅，淡雅的境界，所以不提倡用五彩繽紛的濃豔色彩，不然格調高雅的國畫容易落入低俗，豔俗的氛圍

國畫就算著色，也只用簡單的幾種淡雅的色調營造意境

油畫，由於油畫的靈魂是色彩，所以油畫可以表現豐富多彩的繽紛色彩

2油畫藝術特性是厚重，可以層層覆蓋，營造厚重，真實的藝術效果

國畫的藝術特性是稀薄，所以不宜層層覆蓋

雖然國畫也可以營造寫實的藝術效果，比如南海巖的國畫作品

但是國畫的稀薄特性，確實不太容易達到油畫般寫實客觀的藝術效果

油畫寫生和國畫寫生在時間上和空間上工具上有一定的區別。例如，油畫靜物寫生主要是在室內完成，靜物畫為靜止的擺設物體入畫。油畫靜物是西方繪畫中一種具有獨立審美價值和精神取向的繪畫體裁和形式。由於其形態的靜止性、光線的固定性和色彩關係可被隨意組合的調配，在寫生的過程中可以進行反覆的觀察和研究。國畫花鳥畫寫生則不一樣，花鳥畫是以動植物為主要描繪物件的中國畫傳統畫科。中國花鳥畫集中體現了華人與作為審美客體的自然生物的審美關係，具有較強的抒情性。花鳥畫雖然也寫生但大多數是半寫半默的狀態主要是描繪自然界的生長規律和變化是動態的寫生。當然隨著學院派的興起也結合了西畫的靜物寫生原理靜止的書寫和描繪。花鳥畫主要還是透過抒情的方式來表達作者的思想感情。體現出時代的一種精神面貌，間接地反映了社會生活。

再如，油畫風景寫生和山水畫寫其特點就更為明顯了。油畫為焦點透視取景國畫為散點透視取景。油畫風景是以自然景物為描繪物件，用油畫材料進行繪畫創作。油畫風景中的明暗就是在Sunny照射下物體所反射的光線。主要強調空間和體積，明暗對比強可以產生空間感。寫實風景油畫中吸收了多種材質的運用，畫面的效果處理明顯優於其他繪畫。印象的繪畫技巧上對光和色進行了探討，研究出用外光描寫物件的方法，並認識到色彩的變化是由光色造成的，色彩是隨著觀察位置，受光狀態的不同和環境的影響而發生變化，同時把這種科學原理運用到繪畫中去。山水畫是描寫山川自然景色為主體的繪畫。山水畫，是稟愛自然的精華，天地的秀氣，所以陰陽、晦冥、晴雨、寒暑、朝昏、晝夜有無窮的妙趣。表現上講究經營位置和表達意境。可觀可遊可賞的境界。畫家常常遊離於其中寫生是自然法則的一種感化道法自然天人合一的審美情趣。

至於人物畫油畫人物是最能體現出立體感和質感，是西方油畫家最鍾愛的體裁。由於油畫材料的特性粘稠，很適合畫立體的人物肖像，所以歐洲歷史上的油畫名作大多為油畫人物。中國的人物油畫傳統稱謂有“傳神”或“寫真”，它是以現實生活中或歷史上客觀存在的人物為描繪物件，透過以形寫神、遷想妙得等創作方法，著重刻劃人物本身特定的外形特徵和內在神韻，獲得形神兼備的效果。描繪具體人物形象的繪畫。它要求畫家對人物的容貌、體形、情態、服飾及背景等作真實生動的描繪，表現其精神特徵、身份地位、民族屬性、時代風尚和反映出畫家本人的思想感情。

狹義解讀是這樣，廣義上既有同又存異，同在什麼？藝術同源，任何一幅形式和材料有異的創作都代表著作者本人的思想或立意，至於哪種技術哪種透視只能天生歸屬哪類畫種這是偽學術爭議，古人用散點畫國畫，我們就變不了，變了就不是國面，況且多少年來啃古人的東西太多，真像一個老師教的學生。鑑於此，藝術家們要突破創新，為承載和傳承當代人文科技的發展社會時代價值，少閉門造車，用擔當精神去突破。一談及油畫就是寫實為上，再現自然客觀為上，手機當相機那還畫什麼呢？看數碼不就可以了，油畫的價值與國畫並不衝突，都是時代價值的載體。

道理和目的是一樣的，在抓取豐富素材的同時，感受大自然的魂魄和意境，這不是隻國畫的專利，誰說油畫不講意境，世界大畫種所講究的反而更多更高。不過工具不同，手法也有區別，但是，寫生就是要取回更多的元素細節，以備創作所用，越豐富越多越好。如果簡單地認為國畫寫生就是幾筆線條，那隻能是糊弄自己，將會一無所獲。

中國畫的寫生叫做“壯遊”是積累了很久的臨摹功夫，到大自然去實踐的過程！他應用散點透視法乾坤大挪移，在畫面中處理的合情合理！總之中國畫寫生以“得稿”為主，回到畫室，一氣呵成！

國畫是一種水墨畫，水彩畫，一是用線，白描等二是用點線面，三線上塗彩，一是具象二是意象三是貝象結合，等隨意結合，寫生更豐富多彩，而不是單打一，黃病洪，是側重於臨摹，年紀大了又寫生，說是寫生，實是意造，與現實千差萬別，晚年目盲，病態下的表現，一些人把他這種，，，，，，當成最高，實是風格獨特，夢遊症而矣，

寫生透過觀察、瞭解與剖析自然中的視覺物態,進行思維與主觀的取捨,是變物質形態為意識形態的創作過程。它是藝術家創作的源泉,油畫與中國傳統繪畫一樣同樣講求寫生,國畫寫生作為一種藝術傳達,透過承載對自然、文化的的深入觀照和積澱來形成自己的獨特體會,而油畫寫生在提高繪畫者的觀察力、色彩表現力的同時,還能培養自身的創作能力。可以說寫生是個人藝術經驗積累的有效途徑。