文藝復興時期就有了交響曲這個說法，但當時的含義和現在完全不一樣，當時的交響曲泛指的是一切多聲部的音樂。其中包括了聲樂和器樂。 到了16至17世紀，交響曲用來稱呼歌劇和清唱劇中的序曲和間奏曲，這時聲樂已經排除在了交響曲的概念以外，“交響曲”從此成為了純粹的器樂曲。 18世紀初，序曲和間奏曲開始脫離歌劇開始在音樂會上單獨演奏。這對交響曲的發展起了重要的作用，義大利那不勒斯的作曲家斯卡拉蒂在自己的作品中為序曲奠定了“快板－慢板－快板（舞曲風格）”的三段體式，給後來的交響曲的樂章格式建立了最基本的格式。 18世紀下半葉，德國的曼海姆樂派在序曲的創作中開創了主調音樂的手法，提高了樂器的表現能力和音樂的戲劇性，並在三段式序曲的基礎上增加了快板的終曲，就形成了四樂章器樂套曲的雛形。 後來的三位音樂大師把古典交響曲發展到了最成熟的階段，他們是海頓、莫扎特和貝多芬。這三位大師把維也納樂派和古典主義發展到了顛峰的狀態，也使得交響曲進入了自己的黃金時期。貝多芬更是把交響曲的內涵和思想性發展到了一個新的境界，現代意義上的交響曲概念就在這個時期形成了。 之後歐洲的浪漫主義作曲家們在繼承了古典主義的精華後，將交響曲的內容、形、樂隊編制，乃至於標題，都進行了不同程度的創新。在這個時期，交響曲的形式更為自由，色彩更加豐富，表現手法也更多種多樣。 進入20世紀後，交響曲仍然在不停的發展著，越來越多的新元素新增到交響曲中。氣勢恢弘，感情細膩，表現力無限豐富的交響曲仍然擁有大量堅定的愛好者。