在照相技術出現之前，油畫大多是為宮廷和王公貴族們服務的，平常百姓難得一見。那時候的繪畫風格也是以寫實為主的，色調單一，色彩也不豐富。雖然造型水準相當不錯，色彩表現力的嚴重不足還是顯而易見的。

在印象派出現之前，就算是達芬奇、拉斐爾這樣的油畫大師，也根本無法表現光的顏色，只是嫻熟地運用固有色表現出令人歎為觀止的形體和表情塑造能力。

這種情況隨著照相技術的出現發生了根本改變。印象派對於色彩表現的突破，讓油畫藝術避免了被照相技術所淘汰的尷尬處境。

其實，照相技術剛出現時，在繪畫藝術面前還是表現得很謙卑的，甚至於只是想配合繪畫藝術存在罷了。事實上，當時的確有不少畫家利用了照相技術來輔助創作，二者配合還是相當不錯的。

這種情況隨著照相裝置和技術的不斷進步逐步改變，後來照相技術也不再滿足於技術，而成為攝影藝術了。現在的攝影藝術，完全可以輕鬆表現出各種繪畫風格的效果了，一些仿油畫效果的照片達到了幾可亂真的地步。由此可見，在不少攝影師的潛意識裡，繪畫藝術還是有著更高的藝術境界，攝影藝術更多的不過是在模仿而已，多少有些底氣不足。

不知道從什麼時候開始，繪畫藝術竟然也開始以表現出照片效果為創作方向了。尤其是一些超寫實繪畫風格的畫家，對著一張高畫質照片，關在畫室裡一畫就是好幾個月，畫出來的作品同樣達到了幾可亂真的地步。

當人們習慣於拿這些繪畫作品去跟照片做比較，並歎服於畫家的寫實功力時，其實繪畫藝術已經捨本逐末，淪落到了一種很悲哀的境地。試想一下，單純利用照片來達到還原物件的目的，畫家的畫筆能跟得上高速發展的攝影裝置和技術嗎？如此下去，繪畫藝術還有存在的必要嗎？

不客氣的說，“畫家”這個行當在當代已經淪落到僅僅具有工匠的精細、認真精神。古人說：文以載道，畫見其心。可惜在功利心的驅使下，很少有藝術家能夠重視這個問題了。

現在美術專業聯考的素描考題也不再是寫生了，大家都是對著一張照片在畫。就連最具影響力的全國美展，也幾乎成了臨摹照片的專題展覽了。只能說，對那些急功近利的人來說，臨摹照片可能在迅速提高繪畫技法和獲得回報等方面都有可取之處。但是長此以往，畫家漸少而畫匠氾濫成災也就成了必然趨勢。

如果只是學畫簡單的“素描”畫的，可以用手機的素描照相功能先拍下幾張簡單的素描照片的方法，然後可以照著照片先臨摹，熟能生巧。熟息畫面的構圖。

如果想真正提高自已的繪畫水平，還是多以寫生為主。從簡單的線條和幾何體學起。逐步學畫靜態的物品。提高對物體的認識和觀察能力。最好能請個老師指導，學習的更快更好！

繪畫講究的是靈活！不是對著照片去畫！實在想臨摹哪就找優秀大師的作品臨摹！一邊畫，一邊動腦、不只光是動手！最究竟是還是要去生活中去寫生！去大自然感受讓自己感動的物件！哪樣才會讓自己有質的飛躍！

首先，“只臨摹照片”，是素描？水彩？油畫？插畫？……各個型別所需要的方式都不同。且，“很快提高”，不太容易！還是多一些耐心。

其次，繪畫技巧方面：

繪畫很重要的一方面是“觀察”。我們常常被自己的慣性思維所困擾，下意識的完成創作，會缺少新鮮感、難免會忽略事物本身的特性。所以，不要被事物“應該是怎樣”所困擾，像第一次看到它那樣去觀察、去看，投入進去，用畫筆記錄所感受到的資訊（輪廓線的起伏、色調的變化……）你會發現一開始亂糟糟的線條有了各自的脈絡。

你可以將任何事物當作圖形去處理，只去看它的線條起伏、輪廓如何。再複雜的東西也可以歸納成幾何形狀。然後像拼圖一樣聯絡起來！

除視覺感受之外，下筆和協調能力可以多加嘗試、慢慢訓練。