經典之所以成為經典，是因為無法超越。

說到翻拍，大家也不陌生，比如金秀賢和全智賢的《來自星星的你》火遍亞洲，中國便有了《來自星星的我》；別人拍《一吻定情》，國內就有《二吻定情》版本。《西遊記》和《還珠格格》是翻拍大熱，但是拍來拍去，公眾都膩了，光是聽到要翻拍就開始跪求不要毀經典。觀眾不是反對翻拍本身，而是在無數次經典作品再現時質量不高、對經典被毀的失望。因此，翻拍似乎是一個貶義詞。

《情書》作為日本知名導演巖井俊二的代表作品之一，在剛上映時就引起廣泛關注和超高評價，一舉拿下無數獎項，成為經典作品。24年過去了，當我們再重溫《情書》，依舊會被演員的演技驚豔到，被導演的功力震撼到。按照當前國內翻拍的平均水平，中國很難將該影片的深度表現出來。

首先，《情書》的巧妙情節很難改編，觀眾在觀看翻拍版本時的代入感不強。翻拍中重要的一點就是不能照抄原影視，要對背景和細節進行本土化的修改，讓故事情節和展開方式與目標受眾的習慣相符合。《情書》的設定是女主角渡邊博子痛苦追憶登山遇難的未婚夫藤井樹，在發現藤井樹國中時期的住址後，寄了一封以為是到天國沒有回覆的信件，沒想到卻收到了回信。原來是一個同名同姓的女孩子，還是未婚夫的國中同桌。為了瞭解未婚夫的更多過去，也是自己內心的執念，她們書信來往，漸漸發現了多年前的一段純潔的暗戀。女藤井樹也是在這過程中慢慢意識到自己當時喜歡男藤井樹的，渡邊博子發現自己跟女藤井樹很相似，卻在對方的講述裡開始釋懷，重新接受自己。要將三個人聯絡起來，完成自我蛻變，這樣的情節不易改編。

其次，熒幕形象已經在觀眾腦子裡先入為主，翻拍者不易動搖。每個演員對角色的理解都不一樣，因而造成觀眾在觀看時不自覺地對比，高下立見。打個比方，我們還能記住小學一年級的課文，一開口原文就跟淌水一樣背誦出來，不是因為文章簡單，而是當時我們的大腦沒有思考過會接觸那些文章，直接在老師的灌輸下成為後來此類印象的模板，因而後來的東西我們可能會忘，但小學那幾篇文章就算過了幾十年依舊能朗朗上口。就像電影《情書》在出現以前，我們從未想過會有這樣的故事和形象，加上拍攝技巧和色彩等的配合，我們的大腦就認定:這就是經典！重拍固然能讓新一代演員展現不一樣的理解和詮釋，讓觀眾重溫經典，增加經典的關注度。但，從這麼多翻拍作品來看，後來者只能被拿來對比，能持平就不錯了，何談超越。既然預期效果不夠好，市場不夠大，為什麼要翻拍呢?

再次，保留不住原作中的精髓，一定是失敗的翻拍。《情書》的高明之處在於這不僅僅是一部愛情片，還探究了死亡、離別等。要在一個影片中把故事有深有淺地講明白，主線突出、情感到位，順便用看似很少的鏡頭去表現更加沉重的話題，這本身就很難。但巖井俊二做到了，讓人不禁感嘆“真是個有野心的導演”，且每一幕都值得深挖，細想又覺得妙極了，就連一個出場時間不到一分鐘的配角都是滿滿的故事。國內很多影視劇(還不是翻拍)有時連主線都迷糊不清，那些配角就是單純的陪襯，模式較為死板，觀眾吐槽不斷。翻拍很多都是模仿，以及誇大式的“創新”，估計原作看見這些翻拍就跟華人吐槽泰國翻拍《花千骨》、《還珠格格》等差不多一個樣子吧。

最後，光影的高度，絕對是國內導演難以做到的。看看國內的影視劇，被打call光影的不多，被吐槽只會加些亂七八糟的濾鏡的卻不少。比如，一個男生打籃球場景的濾鏡是十級柔光外加粉紅泡泡，整部劇一直是模糊的濾鏡，讓觀眾懷疑攝影是不是有抽不完的煙。這樣的例子舉不完。《情書》對用光的講究讓人感嘆：每一幀都是桌布。比如圖書館裡男藤井樹在窗簾後，Sunny和煦，他拿著本書，若隱若現，就像一幅畫；成年後的女藤井樹在圖書館裡回渡邊博子的信，夕陽又或者是室內燈灑在她的身上，她就靜靜地打字。這些畫面都讓人忘記那是電影裡的情節，深深刻入大腦，揮之不去。

綜上，要把電影背景挪到中國，由國內導演執導，不僅要保留住原作的最根本最重要的觀點，還要考量光影的使用等等，我並不看好此次翻拍。你會發現，沒有一個詞語能更好地代替經典，因為它自身沒有更高階。