控制音色變化好說，每種音色都有不同的演奏方法，這個聽老師講看教材多看演奏家影片即可。關鍵是提高自己的音樂修養，知道樂曲該在哪兒音色變化。不能為變化而變化。

音樂是聲音的藝術，它的一切藝術都是透過聲音來進行的，音色則是聲音的色彩，它是隨著音樂作品的內容需要而加以變化的。一首較深沉、具思的作品就應該用柔和、暗淡一些的音色來演奏，如果是一首熱情奔放的作品就必須用明亮一些的音色來演奏。 在吉他上，低音區（第4, 5, 6弦）音色淳厚、深沉，高音區（第1,2, 3弦）音色清晰明亮，同一音高的音位置有好幾個，由於弦的性質而導致音色不同;右手用不同的撥絃方法演奏，不同的角度觸弦或不同的位置彈奏，都能使音色產生微妙的變化。這樣常常能把一支譜面看上去十分儉樸的曲調演奏得色彩繽紛。

然而，在現階段大多數吉他愛好者在學琴中往往忽視了對音色的學習，這樣往往導致左手十分熟練，但右手掌握不好音色，那麼縱然你有很好的演奏技巧，但不能充分發揮樂器本身特點而大大影響演奏效果，所以本人認為在學習吉他一開始最好能先解決音色問題。發出美妙動聽的音色主要取決於以下三個方面：

二、左手：左手四指在吉他上主要負責按弦，左手不可留指甲，按弦時手指的每個關節呈自然狀態，按弦用力不可過大，以不出沙音即可，因為按弦過輕時音色會虛空，而過重時則會造成左手緊張，容易產生老繭，影響左手的觸弦感覺所以左手按弦時要做到點到為止。另外左手在按弦時不可忽視一個問題，即按弦到位(琴格下三分之一處)靠近音格，這樣既省力又可避免噪音，發音清晰，如果按弦不到位，會產生不良的音色，這樣演奏再好的樂曲也會因此大打折扣。

三、右手：琴的聲音是靠右手撥絃發生的，求得美妙動聽的聲音必須掌握正確的發音方法，所謂正確的技弦方法就在演奏時將手指放鬆，在觸弦的一利那形成第三關節發力，彈音後手指仍需放鬆。在些個右手彈奏過程中動作必領果斷，做到觸弦即彈避免噪音，保證發音飽滿的音色，為了使靠弦奏法能得到更加飽滿的音色，右手在撥絃發力時將手指往琴體方向輕壓一些，這樣便能得到一種飽滿的音色且有一種金屬敲擊之聲，我認為這是一種發音的好方法。

靠弦奏法和不靠弦奏法在撥絃時方向不同，導致音色音量不同，前者力度較強，音質純厚飽滿，後者發音清晰，動作敏捷，但音量較小，總之這兩種撥絃方法能產生不同的音樂效果。在演奏任何一首樂曲時都必須將樂曲的聲部和層次展現出來，運用這兩種方法來區分每一個聲部。如演奏名曲《愛的羅曼斯》根據靠弦奏法和不靠弦奏法的特點，樂曲的旋律部分由無名指用靠弦奏法彈奏，而內聲部(即和聲伴奏)由中指無名指用不靠弦奏法奏出，低音聲部由大拇指用靠弦奏法奏出，這樣能使樂曲中三個聲部在音質和音量產生對比，聽起來層次清楚，主次分明。

在吉他上撥絃位置不同能產生的音色也不同，在演奏中，根據樂曲的需要變動位置，以求不同的音色，表達樂曲不同的韻 味。在靠近琴橋的部位演奏可得到亮麗清脆的音色，如日本民歌《櫻花變奏曲》引子部分，在此處演奏可以模仿出日本民族樂器二十弦箏的特色，還有像魯特琴作品也很適合在此處演奏（維瓦爾第D大調協奏曲）這樣可以發揮出魯特琴樂器本身的特點清晰明亮。在音孔區撥奏出的音色柔美圓潤，如塔雷加的大霍塔》的第二十七變奏在此處演奏，可模仿出教堂裡大管風琴的效果，總之右手的位置向前移動，位置越前音質越軟，音量也隨之減弱，相反位置越靠後，音質越硬，音色越亮，音量也隨之增大，這種剛和柔、明與暗的變化在演奏中是必不可少的，也是吉他表現的重要方面，我聆聽過許多國外演奏家的演奏，他們都很喜愛這兩 種方法，運用位置的先後演奏兩個相同的樂句，如在演奏塔雷加作品《淚》第一至第二節時，在琴孔上方演奏，而第三至第四小節在琴孔偏下的方向演奏，這樣使音色一軟一硬形成對比，增加樂曲的感染力。 縱觀上述吉他的音色是千變萬化的，要想獲得良好美妙動聽的音色必須長期堅持不懈的學習，嚴格要求自己，每天的練琴過程中，聆聽起著決定性的作用，必須時刻敏銳地去聆聽發掘美好的聲音，把它的感覺藏在心裡，然後根據音樂作品的需要恰如其分地運用音色，使吉他演奏更富魅力。