我認為，對藝術而言，最看重的應該是形象思維能力。因為藝術來自於生活，但並不是生活的生搬硬套，是照相機式的記錄生活，而是生活的加工提煉和昇華。

“藝術”是我們的精神食糧，也許你認為這麼說會是站著說話不腰疼，不過他確實是，藝術的最終目標還是愉悅我們的心情。無論是現實主義還是浪漫主義都是對自己生活的歌頌與追求。作為藝術愛好者者我所追求的就是自己的感受，或是我的夢想、或是我的期許、或是我的現實生活、或是我的摯愛，也許你從我的作品裡可以讀出了，我就是我，不是別人。藝術是追求個性的，當然作為藝術工作者藝術是可以用來服務社會的。

每個人對於藝術的定位都是不同的 ，隨著時間年齡和接觸的事物的變化而變化。我所看中的是能引導我發現平凡事物的偉大的東西。你品，你細品。

看中的是藝術家的靈性。

因為藝術作品絕不是生活的影印，象宗教一樣，在思想感情的浮游中，在智慧的閃耀間出現的幻境，她彙總了藝術家某一時刻存在的痕跡，用非常人的，也不屬於習慣了的往日的再現，酸腐的老調重彈。

當然是真情實感的表達。但基本功也同樣需要紮實，這樣才能更好的表達自己內心的感覺。如我做藝術設計工作，就需要提前攻略相關資料：文化底蘊越厚，知識掌握越多，生活經歷越豐富，功課就會做的越透徹。把握的就越好，作品一定能發亮發光。學習好工具或技巧也很重要，這樣就像武功高強的人佩戴的寶劍。如攝影師不懂後期處理技能，作品就沒法凸現最好的效果。

對藝術而言我最看重的是她可以自由的表達自己的思想，自己的世界觀和方法論。

藝術是一個理想王國，自由王國。無論你生活的環境如何，政治地位如何，經濟基礎如何，都不能泯滅你的藝術思想和天賦。

貝多芬有這樣的名言，公爵過去有的是，現在也不少，將來還會有，然而貝多芬只有我一個。這就是藝術的魅力！

藝術是以自己的方式踐行著革命性和先鋒性，打破常規、形成現象與景點的時候，大家可能忘了一點，那就是創造力，年輕人無限的創造力與激情，當然它們都有枯竭的時候，他們也都有衰老的時候，但藝術的精神永遠年輕，當這種精神永續和永存的時候，人類追求真理和美的精神永遠存在。

最看重的是藝術美！藝術欣賞不是要知道那是什麼，是什麼是理性的認識，而理性的認識是科學性的——主真。欣賞藝術作品是一種感性體驗，美是感性活動的核心——主美。 ​​​

對於藝術，我最看重的是落實於“實際”。

敢說敢想敢做，這就是中國教育所欠缺的。再過去人的眼裡，90後就是垮掉的一代，可現在放眼望去，90後的所做所為怎麼不為世人所矚目。萬種創新，時代不一樣了，所有的藝術更加的落實於生活。這正是藝術的來源之根。越來越多的藝術融入普通大眾人的生活當中。國之大漆、官窯瓷器、新中式等等。這不都是，將想法藝術行為賦予實際嘛。

所以，真正的藝術，是要向世人所展現，它是引領人們精神世界與物質生活的重要組成部分。

德國文化部長莫妮卡·格魯特斯(Monika Grutters)說

“藝術家不僅不可或缺，而且至關重要，尤其是現在。”

有人說，資助藝術的錢為什麼不用來控制疫情，作為醫療資金。

政府對藝術的資金投入，這個“習慣”要追溯到20世紀20年代，美國華盛頓聯邦三角區專案中，郵政部大樓建築預算的2%劃分給了雕塑，司法部花費 28萬美元用於藝術裝飾，國家檔案館也為藝術品花費了預算的4%，這些專案開啟了“公共藝術百分比”政策的先河。

直到1982年紐約市議會通過《百分比藝術法》，規定預算在2000萬美元以內的公共工程，必須撥出不低於1%的費用作為公共藝術品的設定。自此，政府對藝術的資金支出在歐洲以及澳洲、日本、南韓等地都得到了推行，延續至今已為慣常。

百年來，政府為何要為藝術投資，為藝術家撥款？如那位讀者所言，這筆錢為何不用在別處，藝術家值得麼？藝術家的價值在哪？藝術家的價值，是否只能由Ta的作品售價決定？

我捍衛“藝術家”的頭銜。因為他們是文化的生產者、變革的推動者、有創造力的問題解決者和更美好的世界的希望。特別是那些站在社群建設、批判性思維和文化生產的前沿的藝術家們，他們的價值就更大。

但是，這是不是說，藝術家仍應該被侷限在“梵高時代”的系統裡，做“貧窮”的藝術家呢？

藝術的歷史，經過千年的洗滌後，今天的藝術家，需要分享資源、機會和認可。在這種情況下，更多的“可見性”意味著更多的價值。藝術家不再是孤獨刻板的呆在“洞穴”裡的畫家——除非有一個展覽，然後再回到洞裡，否則永遠不會出來。

藝術家，是社會的一部分，為創意經濟做出貢獻，為他人的幸福做出貢獻。藝術家有許多不同的方式來維持創造性的生活，只是有時有些藝術家不知道他們自己可以創造機會。

有一次與朋友旅行途中談到商業創意，朋友說，我說了你不要生氣，我覺得你不是個藝術家，你是個文化商人。我一點都不生氣。我認為藝術家有企業家精神，但企業家精神的最終目標是利潤最大化——僅僅為了利潤——而我們所做的遠不止這些。

我們有這種精神，我們只是沒有堅持把我們的工作作為維持我們自己生活的一種方式來出售。很多藝術家都做了很多不同的事情來維持他們的生活。

那麼有人又會問，“藝術家的定義是什麼?”

“有很多藝術家與不同的媒體、商業合作，他們在營利性系統中創作，他們是商人嗎?” 可以這麼說。

我一直挺喜歡商人。但僅僅因為有人出售了自己的作品，Ta就是一位商人了麼。

從精神層面來講，沒有人能像藝術家一樣從失敗中振作起來。我們這樣做已經有幾個世紀了。我們可以從零開始。我們可以從許多不同的角度來看待事物。當然，這些事情有時會讓位於合作的商業方，但絕不僅僅是為了利潤。

相對於之前“米開朗基羅時代”或“梵高時代”下的藝術家，我們不需要抹掉歷史，也不需要重新定義“藝術家”這個詞，我們的歷史必須“去殖民化”，但它不需要被拋棄。但是當代的藝術家，可以用更多不同的方式去表達。

作為一個有創造力的人，我們可以跳出條條框框來思考。藝術家——即使他們選擇做一兩份工作——仍然是藝術家。藝術家們通過不同的選擇和途徑以不同的方式來維持他們的生活。

即使是“職業藝術家”，也並不意味著他除了創作藝術品什麼都不做。有很多藝術家在創作的同時仍然保留著另一份工作。有時，謀生與成為一名職業藝術家並無關聯。每個藝術家都可以有自己想要的創作和謀生方式。創造力和自由表達是我們所有人的天性，而藝術家正是這種天性的體現。

藝術家不僅為創意經濟做出了貢獻，他們也為人類的福祉做出了貢獻。藝術家創造的環境不僅是為了互動，也是為了一個能夠“自由表達的環境”。

那些認為政府應該把支援藝術文化的資金用於醫療的人，或許我們都需要看看自己的內心，看看自己的創造力和自由表達在哪裡，這樣才能把自己釋放出來；也才更清楚，有的人活著. 他已經死了，有的人死了. 他還活著。

尤其是現在，當我們看到各個政客的舉措，當我們聽那些“全球頂尖”思想家預測疫情之後的世界秩序時，我們能看到每個人都在自己的“籠子”裡掙扎。而站在文化生產前沿的藝術家，他們正在用創造力質疑，或嘗試解決問題，他們是變革的推動者。

一個更美好的世界，需要藝術家。

我最看中的有兩點：

一點是能讓人有精神追求，有精神享受，讓人不空虛，讓靈魂豐富充盈。讓人善良而自信。

另一點是不是能讓人有吃飽飯，能解決經濟問題，甚至能保障衣食無憂。

總而言之就是藝術是能讓自己安身立命的一門學問！

對藝術而言，我最看中的還是那種給人精神帶來的平靜。

美國心理學家、哈佛大學教授艾倫.溫諾（EllenWinner)認為給藝術下定義有兩種主要方式，一是形式主義，另一是情感主義。前者的代表人物是英國美學家克萊夫。貝爾，後者則以俄國文學家托爾斯泰和英國美學家R。G。科林伍德為代表。

克萊夫.貝爾認為藝術的特徵在形式而不在內容，藝術中的—些形式因素按一定的方式組合成“有意味的形式”，這種"有意味的形式”能喚起觀眾的美感。因此，他十分強調繪畫的線條。色彩、節奏等純繪畫性因素

我是一名手藝人，我對藝術的理解是，精神上，我看成是一種領域， 價值。 是藝術家的創造，模仿。還有就是藝術就是藝術品。

手藝人的活，就是把個人的思想，理念 融入到作品上，體現出更深一層的文化底蘊，這就是藝術，創作出遊精氣神的作品 也叫藝術。 迴歸自然 也叫藝術。 說話也是藝術，經理藝術 ，政治藝術，文化藝術！等等 我最為看中的就是 ，語言藝術。開心 難過 悲傷，等等都可以用語言來表達語言的魅力！

藝術欣賞的定義包括人們的感官接觸到藝術作品產生審美愉悅： 是對藝術作品的“接受”——感知、體驗、理解、想象、再創造等綜合心理活動，是人們以藝術形象為物件的通過藝術作品獲得精神滿足和情感愉悅的審美活動。大眾審美或許是將藝術拉下了神壇。不應該以對藝術欣賞的人多人少去定位藝術。有共同的審美才可以更好的交流，我們可以和一些志趣相投的人去欣賞更多的藝術品。藝術修養深的人看到作品深層次的思考與探索，藝術修養淺一些的人通過作品得到美的愉悅和引導。不必過於在意有沒有人能完全理解你的作品，每個欣賞作品的人都在自己心裡對看到的作品進行再創作，這種創作並不完全由作品的原作者控制。對於藝術我最看中的是它能給我帶來精神生活。

我比較看重創新和創意，如果說以重要性為準，按照百分比來算的話，技法只佔百分之五，剩下的百分之九十五便是創意。

對藝術而言，我最看重的是藝術作品所傳達的內容。一個作品是有故事的，每個人看到的感受也不一樣，無論是自己的作品還是別人的作品，傳達出的感受很重要，這不僅僅藝術打動我的原因，也是我表達藝術的通道。

對於藝術而言我最看中的是自由的想象力，自由的表達，可以無限的大，也可無限小，也許宇宙只是一個天體的細胞呢、或者花悟世界的一花一世界呢！

對於越小的孩子來說是隨意塗鴉，大點的是發揮想象，不要直接否定她的創作。再大點不光有想象還要有色彩的搭配，造型的美感。。。。。