攝影當然也是一種藝術，這是不容置疑的。尤其是那些通過後期再加工的攝影作品，更大程度地烘托了攝影作品在主題方面的表現力以後，無論是風光還是人文，都傳遞出一種深邃的思考和理念的時候，它就更是一種藝術了。然而，在這裡，我以為，把“高階”和“平民”作為兩個對立的表述，其實是一種偷換概念的錯誤。

“高階”，是相對於“低階”和“中級”而派生出來的概念，是反義詞，是指有一定深度、難度和複雜性的評判標準，而“平民”的概念，是泛指“普通人”，是區別於貴族和特權階層的“老百姓”，完全不同詞性的東西放在這裡類別，有些不恰當。

那麼，攝影的本來屬性，其實就是一種記錄，只要你具備了拍攝的基本功底以後，都可以完成這個記錄的功能。如果要想在做的更高階，那就是通過後期處理來實現，而無論怎樣處理，它也僅僅是各種景象的融合最終形成了新的畫面形式，傳遞出一些新構想和主題，不認為它能高階到哪裡去。“普通人”，又稱平民，該如何衡量判斷，是看他是否衣衫襤褸、不修邊幅嗎，還是以其作品來甄別？顯然是後者。

即是叫做藝術了，我覺得對攝影作品的分析，就不該是“高階”和“平民”，而是有同樣的標準來評判其高低。現如今的攝影，絕大多數是處在“平民”化階段，他們不外乎就是拍了，照了，選一些自己覺得好的作品留下來。這些，多半都不能稱之為“藝術”，如果都能稱之為“藝術”，那像每年國展，幾百萬幅攝影作品在裡面競爭，入選者寥寥可數，金獎者更鳳毛麟角，就在於很多達不到藝術的殿堂級別。

還是不要叫“高階藝術”的好。因為，這會讓很多的攝影人“情何以堪”的。

就叫“攝影藝術”吧，這樣的叫法，我們就可以把它稱為“平民藝術”了。因為，無論攝影怎樣“高”，它也真的只是一種“看見”。只是一種“看見”！

首先，攝影藝術是運用一定的機械器材去反映表現物件，記錄生活。從表現形式上，又可以細為藝術攝影作品和紀實攝影作品兩大類。儘管都是攝影作品，表現手法和反映物件存在不相同。有很多攝影家創作的作品，足以說明攝影藝術是“高階藝術”。比如，著名攝影家簡慶福的風光攝影作品，其創新和真摯的情感滲透在作品中；著名攝影家沙飛用相機記錄歷史、記錄戰地，其中拍的魯迅同年輕木刻家的談話紀實照片，成為名作。攝影家創作拍攝的大量作品，不僅是高階藝術，還是高階作品。

其次，隨著科學技術和社會的發展變化，攝影藝術步入“平民藝術”已經是不爭的事實了。當然，攝影藝術作品是有優劣之分，層次之別的，並不是誰拿起相機就可以拍出好作品。從平民攝影角度和平民攝影的“娛樂化”的現狀，評價藝術的標準應把專業和業餘分開認識，不同層面的人群，需要的攝影作品有所不同。面對人人都是“攝影師”的局面，“泛藝術”也不可迴避。大眾化的攝影群體在增加，也在進行活動討論。

所以，攝影藝術已經是多元化，從原來“精英化”走向“平民化”，經歷了許多過程，人們對照相的普及達到生活化後，攝影的神祕感便消失了。

“現代攝影之父”施蒂格利茨和他的成名作《好笑話》

1.《好笑話》是施蒂格利茨的成名作

“現代攝影之父”艾爾弗雷德·施蒂格利茨1887年拍攝的《好笑話》，由美國國家藝術館收藏。施蒂格利茨的攝影作品被收藏家視為珍品，拍賣成交價超過百萬美元的不在少數。

《好笑話》1887年1月1日拍攝於義大利貝拉吉奧。照片上，一個少婦在接水，12個孩子圍著她，她講了一個笑話把孩子們逗笑了，她自己也樂不可支。有4個孩子發現了攝影師，便朝攝影師詭祕地咯咯發笑。背景是一幢古老建築，門洞裡還一位西裝革履先生在好奇地端詳著眼前這一幕。

這幅照片構圖平衡，氣氛寧靜祥和，靜中有動，表現出普通百姓節日裡的輕鬆與快樂。

《好笑話》是鉑金印相法照片，長18.4釐米，寬12.7釐米。鉑金印相法也叫“鉑鹽攝影法”， 這種照相工藝沒有底片，直接在相紙上感光，層次分明，更具有質感，是化學性質最穩定的照片。

《好笑話》是施蒂格利茨的首張獲獎照片，它頻頻出現在德國、英國和美國的攝影雜誌上，從而成為他的成名作。

2.施蒂格利茨學的是機械工程，攝影卻成為他的終身事業

1864 年1月1日，艾爾弗雷德·施蒂格利茨（Alfred Stieglitz）出生在美國紐澤西州霍博肯的一個德國移民家庭，他父親是木材批發商，他是父母6個孩子（其中有一對雙胞胎）中的長子。

1881年，他父親為了讓孩子們受到良好的教育，把木材公司4萬美元賣掉，舉家遷居德國，當時德國在教育、科技和文化方面處於世界領先地位。施蒂格利茨在德國柏林理工大學讀機械工程。後來，他對文化藝術產生了濃厚的興趣，並自學攝影。他說：“我開始對攝影很好奇，把它當作玩具消遣；後來就喜歡上了攝影，並對它著迷。”

施蒂格利茨非攝影專業出身，他自己也反對把攝影按“專業”和“業餘”分類，他說：“幾乎所有偉大的作品都出自熱愛攝影的人之手，他們從事攝影不只是單純為了賺錢。”

1883年，19歲的施蒂格利茨開始了自己的攝影生涯，在德國、義大利、荷蘭拍攝風景和居民生活。

1884年，施蒂格利茨全家遷回美國，但他卻堅決留在德國繼續研究攝影。1887年2月，他開始在德國和英國的攝影刊物上發表關於攝影技術和攝影美學的文章。

1890年，小他一歲的妹妹在美國死於難產，他父親強迫他返回美國，26歲的施蒂格利茨便以“攝影藝術家”的身份回到美國。

3.施蒂格利茨把攝影發展成一門藝術

施蒂格利茨回到美國後，他父親買下了一家小型彩照公司讓他經營，這既滿足了他的興趣，也想讓他以此謀生。施蒂格利茨很在意自己的社會形象，他給員工的工資很高，把照片沖印得非常精美，這導致公司運營成本過高，年年虧損。

回到美國後，他的作品獲得了不少獎項，其中有波士頓攝影俱樂部獎、費城攝影家協會獎和紐約業餘攝影師協會獎、英國皇家攝影協會進步獎等。

1893年，他成為《美國業餘攝影師》雜誌的編輯，但他拒絕領取薪水。1895年，施蒂格利茨先後辭掉了彩照公司和《美國業餘攝影師》的職務，集中精力運作紐約攝影俱樂部， 他被選為俱樂部副主席，並免費為俱樂部提供辦公場所。

紐約攝影俱樂部從1897年7月開始出版《攝影評論》雜誌，在未來4年裡，施蒂格利茨通過該雜誌宣傳他對攝影藝術的理念。美國的藝術評論家薩達克奇·哈特曼寫道：“我認為，藝術攝影、紐約攝影俱樂部和施蒂格利茨這三者是一碼事，是一個事情的三個名字而已。”從這個評論可以看出，施蒂格利茨對把攝影發展成一門藝術的貢獻。

1901年12月，國家藝術俱樂部創始人查爾斯·奧古斯都·德凱邀請施蒂格利茨舉辦攝影展，施蒂格利茨用兩個月時間布展，並將其命名為“分離主義攝影”，他在展覽介紹裡寫道：“美是永恆的真實，真實就是自由。”

施蒂格利茨是個完美主義者，《攝影作品》印刷質量堪稱世界一流。在比利時布魯塞爾舉辦的分離主義攝影展上，有幾幅照片沒有按時收到，舉辦方便把《攝影作品》上的相同照片取下來布展，竟以假亂真，多數觀展者誤認為這就是原始照片。

《攝影作品》1917年6月因嚴重虧損停刊，共發行了50期，刊登了53位攝影家的473幅作品。停刊後，尚未出售的《攝影作品》有8000多冊，施蒂格利茨把它們買給了收廢品的。

隨著施蒂格利茨的名氣越來越大，他編輯的雜誌也進入收藏家名錄，2011年，整套《攝影作品》拍出了39.85萬美元的高價。

5.施蒂格利茨把畢加索等歐洲著名畫家介紹給美國

1905年11月24日，施蒂格利茨創辦的“分離主義攝影藝術館”正式對外開放，該藝術館位於紐約市曼哈頓第五大道第291號，第一展季展出了39位攝影家的100幅作品，展品賣了2800美元，初展獲得成功，分離主義攝影藝術館也得到了越來越多的藝術家的認可。

1908年，房東想提高房租，並要求一次交4年的租金，施蒂格利茨拿不出這麼多錢，只有把它關閉了。

1909年，在朋友的幫助下，施蒂格利茨在第五大道第293號重新開辦分離主義攝影藝術館，為利用過去的美譽度吸引顧客，藝術館的名稱就用過去的門牌號碼“291”。新開辦的藝術館的展品不再侷限於攝影作品，也展出繪畫等藝術品，同時它還是現代藝術的教育基地，是前衛藝術家的聚會場所。“291”運營8年舉辦了61場展覽，其中只有6場是攝影作品展。他給“291”的座右銘是：“給每個想對世界說點什麼的人機會，讓他們的聲音被聽到。”

施蒂格利茨為不少歐洲知名畫家在“291”舉辦畫展，把他們及他們的作品介紹給美國，如西班牙立體主義畫家巴勃羅·畢加索、法國野獸主義畫家亨利·馬蒂斯以及法國印象主義畫家保羅·塞尚等。

1911年，當畢加索在美國的首次畫展在“291”舉辦時，很多藝術評論家稱畢加索是“瘋子”，稱他的畫作是“瘋子的胡言亂語”，施蒂格利茨卻極力捍衛畢加索作品的藝術價值：“畢加索的畫如此完美，就像巴赫的賦格。”

畢加索在“291”的個人畫展有81幅作品未能賣出，施蒂格利茨想把它們賣給大都會博物館，要價2000美元。大都會博物館繪畫部主任一口回絕說：“畢加索的畫空無一物，這樣瘋狂的東西在美國永無出頭之日。”

第一次世界大戰爆發後，由於忙於戰爭和生計，人們對藝術失去了興趣，再加上施蒂格利茨是德國移民後裔，在德國有很多親戚，而當時美國與德國是敵對國，一些美中國人有意疏遠了他，導致“291”經營慘淡，1917年6月便關門大吉。

施蒂格利茨在1925年至1929年還運作過“親密藝術館”。

1929年12月15日，施蒂格利茨在紐約市創辦了“一個美中國人的地方”藝術館，並一直經營到他1946年7月13日病逝。

施蒂格利茨生命的最後20年主要運作各種展覽，上乘攝影作品並不多，也許是因為他老了，失去了創造力，他自己也說：“最偉大的攝影天才是保有童心的。”

6.施蒂格利茨被稱為“現代攝影之父”

施蒂格利茨的一句名言是“有光的地方就可以攝影”，他為攝影藝術付出了畢生的精力。又一次他說：“我為攝影藝術已奮鬥了40年，如果需要的話，我會為之奮鬥到生命的最後一息，哪怕是單槍匹馬，財力單薄。”他強調，他為之奮鬥的是攝影藝術，而不是照片和個人名望，所以，他拍攝的照片從來不簽名，也不靠賣照片賺錢。

施蒂格利茨認為“藝術的目的是自我表達”，為此，他拍攝的照片將攝影的客觀性與個人情緒聯絡起來，試圖通過抽象的造型、不同尋常的線條和顏色，傳達個人的內心感受、思想與經驗，他說：“我追求的目標就是，讓拍攝的照片越來越像照片，讓人看過一眼就永難忘懷。”

19世紀，攝影師習慣於把照片拍得“像畫一樣”，但施蒂格利茨很快便意識到，如果攝影像繪畫，那攝影永遠是繪畫的附屬品，無法成為一門獨立的藝術。他認為，攝影與繪畫使用的介質不同，肯定有同的東西。他通過辦攝影展和攝影雜誌，大力提升攝影的藝術地位，使人們逐步接受了“攝影是一門藝術”這一理念。

施蒂格利茨積極向美國推薦歐洲前衛藝術，是推動現代藝術發展的關鍵人物。美國畫家、攝影家喬治婭·恩格爾哈德在1947年6月《照相機》雜誌撰文，稱他是“現代攝影之父”。

7.施蒂格利茨的作品大部分捐給博物館

“現代攝影之父”施蒂格利茨一生拍攝了約3000幅照片，其中大部分捐給了博物館，他並沒有通過攝影賺到錢，一生經濟拮据，靠父親的資助和第一任妻子埃米琳·歐伯梅爾（1873年-1953年）繼承的遺產從事攝影和經營藝術館。

1924年，施蒂格利茨向波士頓美術館捐贈了27幅攝影作品，這是該博物館首次收藏照片。

1928年，施蒂格利茨向大都會博物館捐贈了22幅攝影作品，這些照片成為大都會博物館的首批館藏照片。1933年，他又捐贈了419幅畫意派攝影作品給大都會博物館，為該博物館日後的攝影作品收藏奠定了基調。1949年，施蒂格利茨的第二任妻子、美國畫家喬治婭·奧基弗（1887年-1986年）又把他的199幅攝影作品捐贈給大都會博物館。

1949年，喬治婭·奧基弗把施蒂格利茨拍攝的1317幅照片捐贈給坐落在華盛頓特區的國家藝術館。1980年，她又把施蒂格利茨拍攝她325幅人體照片捐贈給國家藝術館。

攝影藝術即是“高階藝術”同樣也是“平民藝術”，我認為，藝術是不應該用“高階和平民”藝術來區分的。

其次，攝影藝術是通過觀察，調整得來的，不同的人，對待攝影創作的不確定性，造成攝影藝術的差距，這取決於攝影的技術。攝影技術好，自己得到的照片，會有一個很好的效果，而技術不好的，拍出的照片，自然會出現很多差的照片。

總之，“高階技術”也好，還是“平民藝術”也罷，都是攝影人（攝影愛好者和攝影師等）的創作成果，只不過有的，拍攝的照片不好看，沒有達到拍攝的且的。而有的會拍攝出很美的照片，這主要是他能把拍攝的各項工作做到位，然後才去拍照。

在現在這個人人都在拍照的時代，只有拍的好不好看，拍的照片有沒有意義，拍的照片能不能感動人。

這是我的看法，有不足之處，請指正！

我想首先要說明的是，藝術門類沒有高下之分。不同門類的藝術儘管表現形態不同，但都是人類寶貴的精神財富。藝術門類沒有高下之分，藝術作品卻有優劣之分，這是由其內容、形式達到的高度決定的。一種藝術能否成為“平民藝術”，取決於它普及的外在條件和大眾的需求程度。門檻低、需求大是藝術大眾化的基本要素。

建議用攝藝朮，攝出的作品，經過繪畫專家；學者；美工；觀眾等，我想把古今一致被公認的優良各種攝影，才是高階藝朮。

平民藝朮：只是人們把繪畫，各種分類方法中的。人維定位級別說詞。請予參考，謝啦。

攝影既是高階藝術也是平民藝術。

攝影不是說隨隨便便就能夠拍出好作品的，手機攝影只能說是記錄日常生活。好作品，是需要經過一套專業的拍攝流程的。

攝影和藝術應該分開來理解，攝影，是大眾人人皆可以接受和喜愛的活動。但是攝影藝術＂高階藝術＂還是要由攝影藝術家來完成創作，不是會攝影的人就能創作出藝術作品，現在包括大部分很多中國攝影家協會會員都不能稱為攝影藝術家！所以，不是所有的攝影家都是藝術家。個人看法，僅供參考！

是高階藝術，也是平民藝術，只要心中有藝術，拿什麼照相機都可以拍出美輪美奐的照片！當然也是高階藝術，很多更高層次的照片不是一般照相機可以拍出來的，