回答這個問題之前，我們不妨先了解一下什麼是波普藝術（見下圖文字部分），可見波普就是流行，換句話說這類似於服裝的流行風格（style）與趨勢（trends）。

提到波普藝術就一定要介紹一位藝術家——安迪沃霍以及他的波普作品《瑪麗蓮夢露》；雖然波普藝術起源於英國，但卻更適合美國的文化，安迪沃霍就是美國波普藝術的發起人。

波普藝術是一種大眾藝術，換句話說它與流行、時尚密不可分，這也是為什麼服裝、時尚等領域應用波普藝術會比較多。

他的特點是視覺衝擊力很強，但作為藝術品它的生命週期是短暫的，也就是說作為藝術品投資它是不具備市場上升潛力的。

在波普藝術中使用色彩與文字是一種經常使用的藝術表現。

綜上所述，波普與時代的流行存在著直接的關係，也就是說波普藝術創作本身就是時代產物。

如果說古典主義藝術是用眼睛來看的“美”的藝術，現代主義藝術是用大腦來思考的“觀念”的藝術，那麼波普藝術就是既要用眼睛看，又要用腦子想的“好看且深刻”的藝術。波普藝術表面上給人以強烈的視覺愉悅感，但在本質上卻有著強烈的批判意識，在現代藝術史乃至20世紀文化史上都具有極其深遠的意義和影響。

要理解波普藝術的深邃，就要挖一挖波普藝術的歷史。波普藝術（Pop Art）最早出現在二戰後的英國！對，是英國，而不是美國！做個或許不太恰當的比喻：如果說英國是波普藝術的生母，那麼美國則是波普藝術的養母，所以，波普藝術有著美國商業文化的習氣，骨子裡卻透著英式高傲的批判，並最終成為風靡全球的藝術風格！

英國藝術家理查德•漢密爾頓（1922－2011）於1956年創作的《是什麼使今天的家庭如此不同，如此有魅力？》（拼貼）被視為第一件波普藝術作品，漢密爾頓也因此被譽為“波普藝術之父”。這件作品再現了經濟逐漸復甦後中產階級的生活日益商品化，畫面上的主體是俊男、靚女和各種流行商品，裸男手中的巨大棒棒糖上的標誌“POP”被認為是“波普藝術”名稱的來源。

但是，在英國，漢密爾頓的名氣其實遠不如另一位藝術家——彼得·布萊克爵士（1932－）。布萊克成名於20世紀60年代初期， 1967年為披頭士樂隊的專輯、搖滾史上No.1 的 《Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band》設計封面，奠定了他在當代藝術領域中不可動搖的地位，被封號“波普藝術的教父”。1983年，彼得•布萊克榮獲大英帝國司令勳章（CBE），2002年獲得爵位，可見其影響力之卓絕。

還有一個怎麼也繞不過去、不得不提的英國藝術家，即大衛·霍克尼（1937－）。霍克尼很早便以波普藝術家的身份成名，至今已在世界範圍內舉辦了幾百場展覽，獲得的獎項和榮譽不可枚數，被譽為“英國最知名的在世藝術家”。但是大衛·霍克尼並不專注於一種風格，他的藝術涉獵各種媒介，繪畫、攝影、裝置、舞臺美術和利用各種高科技完成的資訊藝術。可謂只有你想不到的，沒有他做不到的。

說了那麼多英國波普，再來說說美國波普。美國是波普藝術家的溫柔鄉：從第一代的利希滕斯坦（1923－1997）、勞森伯格（1925－2008）、安迪·沃霍爾（1928－1987）、印第安納（1928－）、奧登伯格（1929－）、約翰·賈斯珀（1930－），到第二代的傑夫·昆斯（1955－）、基斯·哈林（1958－1990），單就名單便可以列出長長的一串。

他們每個人都有很明顯的個人風格，每個人的作品都是那麼的“著名”，每個人的藝術理念都可以不斷地被闡釋——學潮和性解放；種族衝突和性別歧視；拜物教和消費文化……正應了安迪·沃霍爾的那句名言：每個人都可以成為15分鐘的名人！

波普藝術不同於20世紀上半葉的現代主義諸流派，現代主義是一種新的貴族文化，本質上的精英屬性使得現代主義諸流派與廣大觀眾之間存在著難以逾越的鴻溝，而波普藝術通俗易懂的，甚至俗不可耐的具象風格十分接地氣。大名鼎鼎的布萊克爵士八十多歲高齡時還為香港文化東方酒店店慶製作巨型外牆拼貼畫，作品結合了酒店“fan”的廣告宣傳影象和酒店的名人粉絲，直觀地再現了酒店從本土發展到國際化的歷史過程。

總的來說，波普藝術雖然形態各異，卻都客觀地再現當下生活，波普藝術家們從不孤芳自賞，他們既願意承擔社會責任，也清楚地知道藝術作為一種商品可以帶來的巨大收益。他們把作品的解釋權移交給觀者，觀者依據個人經歷與學術背景會產生不同的見解，仁者見仁，智者見智。波普藝術作品多呈開放式結構，意義會不斷地生成，因此，波普藝術很快在全球範圍內形成力挽狂瀾之勢，中國的王廣義（1957）、嶽敏君（1962）等也都是重要的國際波普藝術家。

綜上，色彩和文字只是波普藝術的表象，對波普藝術的理解一定要透過現象深入本質。由於波普藝術已經發展成為世界範圍內最具影響力的藝術風格，其涉及的歷史範圍之長、領域之廣、人數之眾多，決非一篇文章所能解翻得清楚的，因此，本文僅起到拋磚引玉之作用，期待更多精彩的問題。