巴赫，舒曼，貝多芬，李斯特，莫扎特時代各種的風格都不盡相同。有的宮廷音樂有的歌劇式。演奏技巧也不一樣。看每個人的欣賞性，

宮廷音樂，規整，厚重。用文字來描述音樂，我覺得有點困難。畢竟每個人都理解不同。就跟現在所有人彈琴，都會從古典開始學習一樣，那是基本，是根基，是靈魂。

說到古典時期的鋼琴音樂，唯莫扎特和貝多芬是鋼琴世界裡的靈魂人物。

在古典時期的鋼琴音樂裡，莫扎特和貝多芬把鋼琴這一種樂器作為他們發表其思維的喉舌，遠沒有如肖邦那樣，把鋼琴音樂昇華為通靈的“傳媒”，雖說莫扎特、貝多芬的鋼琴音樂是百餘年來，演奏家和聽眾早達成默契的共同選擇，然、在“通靈”一說上卻沒有肖邦的成就，儘管肖邦的鋼琴音樂是俄羅斯五人集團不屑一聽的。

古典時期的鋼琴音樂有著鮮明的個性，美學的特徵，在整個古典音樂史上，抒寫了感人的美學情懷。

值得一提的是貝多芬的鋼琴音樂，他的鋼琴作品中打破了古典時期鋼琴音樂中各章的次序，沒有按照快-慢-快的寫法，音樂元素到他的筆下是誇張而有生氣的，正如傅雷先生所說“貝多芬給我們戰鬥的勇氣，那莫扎特給我們則是無限的信心”。

這是一個愛樂者在聽音和閱讀一些古典樂著作中所理解和看到的……對錯與否不重要，重要的是興趣所致。

這裡的古典時期指古典主義時期。

音樂界“古典主義”一詞有兩種含義。一種是普遍認為流行音樂以外的音樂，包括所有種類的嚴肅音樂。而真正的“古典主義”的是指大約1750年——1827年貝多芬逝世為止這一時期的音樂。

18世紀的歐洲爆發了啟蒙思想運動, 受此影響，人們追求“平等、自由、博愛”，崇尚自然、淳樸，反對封建傳統思想和宗教的束縛, 提倡思想自由和個性發展，湧現出了許多音樂大師以及有代表性的作品，如莫扎特的《魔笛》、貝多芬的第九交響曲等。

古典主義時期的音樂，在音樂歷史上佔有非常重要的位置，它是主調音樂的最基本的形式和傳統和聲學的最初模式（和聲走向以“主——下屬——屬——主”的方向進行伴奏, 非常規整, 很少使用和絃外音。和聲的進行和走向也非常清晰），其音樂作品結構方正，（基本是“4 + 4”的樂句結構。即四小節為一句, 第二樂句是同樣四小節的平行樂句, 八小節為一個樂段），傳承了巴洛克時期的主調音樂，又結束了不規則、多旋律、復調的音樂形式。同時，預示了對主觀感情的崇尚，對自然的熱愛和對未來充滿幻想的浪漫主義音樂形式。

鋼琴在古典主義時期的特點

古典鋼琴音樂為了體現自然平衡的原則及均衡方整的結構, 對樂曲的速度要求非常嚴格，除華彩樂段速度可以自由發揮外，其它樂段速度都明確標註，對更改、轉換速度都會在作品中清楚的註明。如貝多芬第十七奏鳴曲中速度轉換

古典鋼琴音樂都注重“對比原則”，尤其在音量上的對比非常明顯，每首作品都嚴格的規定了力度要求，從最弱ppp到最強fff，以及突強sf、漸強、漸弱等，在樂曲中運用很普遍，使得樂曲變得異常地生動，豐滿。如貝多芬第十一奏鳴曲

古典時期的鋼琴彈奏，改變了巴洛克時期僅用手指的彈奏方法，基本形成了以身體協調手臂而進行的彈奏方法。

而此前巴洛克時期巴赫的觸鍵——弗爾凱爾曾記載: “巴赫的運指方法幾乎是漫不經心地輕微動作, 無論怎樣難彈的經過句都是用那種自然的手型, 手不離開鍵盤, 只用第一關節來彈動, 即使彈奏顫音, 也只是一個手指的顫動, 而且他的手指不過是隨著微微抖動而已。身體的其他部分是完全不動的。”也是由於鋼琴製造業的發展, 槌子琴的出現，要想聲音宏大, 僅靠手指是彈不出來聲音的, 必須用全身的配合動作才行。 如海頓的奏鳴曲, 貝多芬第七奏鳴曲等。這種彈奏方法正是浪漫主義的最初階段，到了浪漫主義時期，這種彈奏方法才得以更加完善。

古典主義鋼琴音樂在彈奏時非常嚴謹，不可任意發揮，即便是裝飾音，也不能隨意加或者減，並且在速度、強弱等方面都不便隨意彈奏，這就是古典主義音樂意義所在。

古典主義時期鋼琴音樂是“理智和情感的高度統一; 深刻的思想內容與完美的藝術形式的高度統一。”在創作技法上, 繼承和發展了傳統的復調音樂的成就, 並確立了奏鳴曲曲式的結構形式（

在樂隊領域，該時期還完善了室內樂、協奏曲、交響曲等的結構形式）。使鋼琴的彈奏方法進一步發揚光大，創作了鋼琴音樂藝術史上最光輝的一頁。

時代造就音樂家。不同的時代會產生不同的音樂作品內容，也將造就不同的作曲家。這就要求我們在彈奏不同的鋼琴作品時，首先對其作品的背景和時期有所瞭解，才能更準確地彈奏出符合那個時代的作品內容。

我不會談彈鋼琴，個人覺得。古典音樂，嚴肅規整。節奏上一絲不苟，按規矩演奏，譜子怎麼寫你就怎麼來。流行或者爵士，正好相反，有很大的發揮空間。節奏也是反著來的，古典是1，3音為重音，流行和爵士是2，4為重音，古典中也有即興演奏，叫做華彩。但是也是在一定框框下演奏。而流行尤其是爵士樂的即興演奏雖然也在一定的框架下進行。但是要自由的多