顧名思義，就是隨律而動。古人隨著音樂的節拍“手舞之，足蹈之。”即是。不包括排練後的舞蹈動作，而是意由心生，身由意動的形體乃至面部表情的“隨律而動”，搖頭算，晃腦算，扭腰也算，自然而然。演奏者所造成的律動越熱烈，也就意味著樂曲和演奏的水平越高。以上是對聽音者而言。另外還有奏樂者本身的“隨律而動”，如演奏非洲鼓或架子鼓的鼓手的律動，吉他手的律動等等，而傑克遜隨著自己的搖滾歌曲的律動，則可算是有排練因素，也有自然因素的高階的律動了。

律動，並非單指律和動。

現代音樂以高度融合和快速變化的姿態向前發展，你很難判斷下一個興起的音樂型別是什麼，也很難指出某個正在時興的音樂形式精彩在哪裡。面對眼花繚亂的音樂作品，儘管不同的人有不同的感受和看法，但有一個衡量標準從未被拋棄，那就是律動。

如果你經常收看各類音樂綜藝，或者酷愛閱讀音樂賞析類的樂評，那麼你一定聽過一個詞，律動，英譯為Groove。

律動一詞往往會出現在下面這些人口中，音樂節目裡的導師，資深音樂製作人，功力深厚的樂手歌手，聽歌量極大的歌迷等。有時，他們甚至只是淡淡地丟出一句“律動不足”，就能輕易否定掉一首歌。

成蹊曾與不少朋友探討過律動。有人認為，律動就是扭動，是人跟著強勁的音樂嗨起來動起來。也有人說，律動單指節奏，是旋律和樂器在行進中形成的有規律的聽覺感受。還有人早就聽說過律動這一說法，但卻無法準確說出它究竟是什麼，似懂非懂一頭霧水。

先說結論，在成蹊看來，律動大抵包括兩重含義，一是因節奏而搖動，二是因韻律而感動。

因節奏而搖動比較容易理解，一些節奏明快猛烈的歌，會讓人情不自禁地搖頭、拍手、抖腿或跳舞。因韻律而感動相對略抽象，是聽者被歌裡的旋律、感情和氛圍擊中，進而引發強烈的共鳴，出現了歡喜、悲傷、自信、恐懼、平和、震驚等瞬時體驗。

你會漸漸發現，律動並不是只能用來形容快歌，也不是簡單地評價某種樂器，更不需要作品裡必須有人聲存在。看到這兒，估計有不少朋友要撓牆皮了，別急慢慢往下看。

首先，在現代音樂裡，律動是根基是主線也是靈魂。其次，律動可以出現在任意音樂中，但如果想得到大眾的持久肯定，該作品一定先要具備打動人的能力。最後，當聽歌的廣度和深度到達一定程度時，律動的內涵將不解自明。

音樂人制造律動的常見手法有哪些？作為聽眾，又該如何去發現和感知所謂的律動呢？

1. 人聲

相信有不少人會認為第一項是節奏，可我還是將人聲放在了第一位。

無論是流行歌還是搖滾樂，人聲都是當仁不讓的核心，也是聽眾們最為在意的部分。環顧周圍，許多音樂愛好者依然停留在只聽人聲或只看歌詞的階段，相信這一現象還會持續很久。

被包裹在多種樂器音色的中心，不可否認，人聲是一首歌中最亮眼的存在。有些主唱的聲線，帶有與生俱來的律動感，這是天賦，是能力，是特色，也是一種辨識度。

總之，只要他們一亮出嗓音，你就只能乖乖臣服。不一定只是飆高音才有前途，也不一定非靠頓挫感明顯的說唱來引人，僅是聲線的質感就夠了，或沙啞醇厚，或石破天驚，或溫潤似玉，或霸道專橫，如Freddie Mercury、Chester Bennington、Brett Anderson、黃家駒、羅大佑、Adele、Michael Jackson……

每一幅傲人的嗓音都是獨一無二的，他們既是表露情感的高手也是爆發力量的猛將，任你再怎麼模仿也難以做到完全相同。一樣的旋律，一樣的歌詞，一樣的配器，嗓音變了，律動感可能也就隨之消失了。

2. 節奏

萬事萬物都在不停變化，變化是永恆存在的，而節奏正是由於變化而產生的，因此節奏被稱為藝術之美的本質。

在音樂領域，節奏相當於骨架，由音符、音階和節拍的長短強弱來實現。以搖滾樂為例，鼓點是節奏的發令官和推動者，貝斯是節奏的填充者和延長線，這一點一面構成了一首歌的節奏基礎，在這個基礎之上框架之內，才有電吉他、木吉他和鍵盤等其他樂器的華麗揮灑。

有些節奏特殊的歌曲，也許只聽前奏你就能直接淪陷，或激情澎湃的riff段落，或前衛新潮的氣質，反正頃刻間就能攪動你的心。

節奏是製造律動最直接最粗暴的方式，也是多種音樂型別的生命力所在，比如搖滾、放克、雷鬼等。

3. 樂器

單獨的一種樂器能營造出超強律動麼？答案是肯定的。

想在樂器演奏層面成為大師級人物，既需要樂手本身有過硬的技術功底和音樂素養，也離不開同伴們默契的配合。比如Geddy Lee的貝斯，Joe Satriani的電吉他，John Bonham的鼓。

在樂器大師們手中，原本普通呆滯的樂器好像變得鮮活了起來，時而興奮時而惆悵。貝斯音化作充滿驚喜的汩汩氣泡，電吉他搖身一變成了心事傾訴者，聽著聽著，你的情緒也隨之律動共鳴。

4. 創意

音樂從來都不是玩套路的藝術，否則那有限的幾個音符和組合方式早就用光了。聆聽經典和新作，欣賞音樂人的創意和想法尤為重要，那些不易察覺的巧妙的小設計，其實暗藏著許多神秘的律動。

「Lost for Words」,Pink Floyd樂隊的一首關於仇恨和老友的作品，裡面用到了摔門聲、電視音以及「High Hopes」的前奏，更廣為人知的是，他們還在「Wish You Were Here」中巧妙融入了收音機來表達懷舊和思念的情緒。

Beyond有一首半純音樂，「We don"t wanna make it without you」，創作於家駒離世之後，全程只有三子的和音，主唱的部分被留白空出，又在中後段做了一次突然驟停的設計，令思念之情滿溢而洩，疼惜之意感人至深。

上述此類創意在優秀作品中非常多見，有極強的代入感和畫面感，目的正是為了情感層面的共鳴更加震撼。

5. 呼吸

一首好歌在推進中是有呼吸感的，也有人稱之為跳躍或氣口，一般由樂手之間的和諧配合來實現，比如吹奏樂和彈奏樂和鳴、管絃樂和打擊樂互補、雙吉他銜接對話等。

有這樣一種說法，聽搖滾樂、新世紀和交響樂等音樂型別，聽的就是配合。 樂手們使不同的音色在同一支作品裡交織，看似各自為政，實則互幫互襯，最終融合為一個帶著強烈美感的整體。每次變奏、加強、豐滿和填充的節點，都是值得細細品味的地方。舒服和順暢的呼吸感，能帶給聽眾深層的強律動，這非常考驗樂隊和樂手的能力。

哪怕是同一首歌，在不同的人聽來，律動點也可能不同。也許有人因為一句簡單的歌詞就高潮了，也許有人聽了多遍依然無法入耳入心，這是很正常的現象，畢竟每個人的欣賞層次和性格喜好都不盡相同。

律動，既不是玄學，也不是模稜兩可的東西，它確實真實存在，但是想發現和體會音樂世界裡的律動，需要一副有耐性的耳朵和一顆沉靜的心。我確信，這兩樣你都有。