攝影一開始，藝術家們都認為是繪畫的一個分支，只是隨著攝影技術及理論的成熟，藝術家們找到了攝影與繪畫不同的理論依據和表現方法，藝術家們才把攝影和繪畫兩門藝術分離開。但二門藝術有很多相通，相近之處。比如構圖，色彩，透視等等。攝影是用照相機來傳達攝影師情感的一門藝術。

攝影過程，是一個雙重轉化的過程。

我們來說第一重轉化，你看見了什麼？

十個攝影師在一起觀察同一景物，由於每個人的生活閱歷不同，文化素養不同，對美的欣賞理解不同，每個人看見的景象肯定會有差別。由於藝術修養的差異別人能看見的，我不一定能看見，這叫先天不足。也就是說自己還需要加強藝術方面的修養。

第二重轉化，就是照片輸出。

觀察到的影像透過攝影師大腦加工，透過照相機，及後期製作形成照片。最終的結果，可以說會產生巨大的差異。我們看著大師的照片會驚歎不已，都會說:我怎麼沒看到，我怎麼沒想到！其實這是自己文化藝術，技術等修養達不到造成的後天遺憾。

只有加強自己文化，藝術，技術方面的修養，才能不會先天不足，減少後天遺憾。努力和付出是走向成功的維一通道。

從法華人發明的達蓋爾銀版法攝影術，到英華人發明的卡羅式攝影法，攝影的誕生不足200年。如果認定攝影是藝術（有觀點認為攝影不是藝術），那麼在藝術的百花園裡，攝影這門藝術實在是太年輕了！年輕藝術向年長藝術學習借鑑和汲取營養是很自然的事情，不同門類藝術的相互啟迪碰撞，是藝術發展的巨大動能。美術，是筆與色的加法藝術。攝影，是光與影的減法藝術。美術是在一片空白的畫布和畫紙上填加造型元素構成畫作，故稱加法。攝影，是在大千世界擷取某點、是在連續運動中凝固某一瞬間，故稱減法。這是美術與攝影的一個簡單區別。攝影藝術向美術藝術學習是理當的，也是必須的！美術的構圖、色彩、色調、影調、寫實、寫意、透視、速寫、速描、寫生、造型、臨摹……，水墨畫、工筆畫、油畫、版畫、水彩畫、剪紙畫、抽象畫、年畫、雕塑……，對攝影藝術大有借鑑、大有禆益！網路時代前，欣賞美術作品一是看原作畫展，二是看印刷品，侷限性非常大，傳播面很窄。當年我是有畫展必看，無論是全國畫展還是全軍畫展，包括各行業的畫展，能看的一定要看！包括戶縣的農民畫。所以，我對很多經典畫作如數家珍。去法國、俄國、義大利旅遊時，我最喜看盧浮宮和冬宮裡的和文藝復興時的美術藏品，並買回幾十斤重的畫冊（同團旅友以異樣和不解的眼神看我）……。這是我對美術與攝影關係的一點個人想法，會有偏頗! 以下九幅照片是我受美術啟迪最大的攝影習作，很不成熟，只為配合本文用來參考。

不同門類的藝術，掌握好相關基礎知識就可以了。文化高人攝影作品糟糕透頂的我見多了去了。

不要用文化來提升藝術，文化裡和藝術相媲美的只有哲學。

幾何學，你有高中水平即可。

歷史學，簡史就好，用時知道在哪裡找即可。

文學，有詩詞愛好者水平足夠。

化學，涉及到油畫的化學知識也就不到二十個知識點，初中水平就夠了。

外語，基本用不上。

藝術領域內的文化可以深入研究，對你的藝術成長有幫助；不然即使你把四庫全書，百科大全。對你的攝影也是沒有任何影響的。

文化素養這個概念太過廣泛。這麼說吧，至少是有良好的人文學科素養的人，一般都有較好的審美能力。所謂“藝術是相通的”嘛! 一般搞美術的（畫匠和行畫作者不在此列），拍出有藝術品味的照片幾乎是信手拈來的事! 對他們而言，相機不過就是個需要熟悉和大概掌握其效能的工具! 此外也接觸過一些有文學，哲學，史學等人文學科背景的人，以及玩兒音樂的、當代的歌舞演員等，他們如果拍起照片來，一般也不會差到哪去，眼界到了嘛!

就我個人經歷來看，美術基礎對攝影的作用分來三個時期：

1、初期。美術對攝影的構圖幫助巨大，因為美術中的構圖幾乎可以輕鬆移到攝影中來。像點線面、黑白灰、空間、形體、虛實、透視、色彩、光線。。。

2、中期。攝影是一門視覺藝術，與美術中的表現形式還是有區別的。像美術中的繪畫，以平面形式、抽象形式居多；攝影則注重現實的記錄，記錄時空關係、視覺溫度等。

3、後期。美術中的靈感與創意，還是會從各過層面，各個細節中，在攝影裡面體現出來。

另外，攝影者的文化素養，會在攝影者掌握其基本技能之後，對攝影作品的檔次，起決定性的作用。因為攝影展現出來的是美，而美，就是作者的高階情感。

攝影在19世紀的時候方興未艾，那個時候攝影的構圖原則大多參考繪畫規則，並且在這個基本上有所發展，但是，現在有很多攝影師很少再關注繪畫作品和這些作品的構圖原則，實際上，攝影師可以從繪畫構圖中，汲取很多經驗

實際上，攝影和電影，美術及音樂，文學等藝術是相通的，攝影不只是在自已的獨立王國中執行，在視覺藝術這個領域中，有放之四海而皆準的構圖原則，構圖這個概念在很多的藝術形式中都有廣泛的應用，它用來描述畫面中各種元素的組織關係，透過這種關係，可以傳達思想和感情，在視覺藝術這個大的語境下理解構圖，會讓你對構圖及攝影有更深入的瞭解，畫家，建築師和平面設計師應用的構圖原則，在攝影構圖中同樣是相通的

我們拍攝照片的時候，為什麼要進行構圖呢？傳統的觀點認為，構圖是一個形式，這個形式把很多並列的元素，在美學原則的指導下，用賞心悅目的方式排列好，這個構圖概念的前提是，你剛開始是在一張白紙上進行創作的，攝影與此不同之處在於，你拍攝照片的時候，畫面的元素已經各就各位了，因此，對於一個攝影來說構圖原則就是，當我們拍下這張照片的時候，是什麼東西打動了我們，這就意味著，當你透過取景器觀察這個世界的時候，你需要謹慎地選擇各種元素，你要確定你的視覺表達能夠傳達資訊和感情。

我們參觀畫廊或者只是瀏覽一下畫冊的封面，可以激發我們構圖的靈感，多看一些突破我們視覺極限的照片，吸取經驗

構圖是非常重要的，你拍攝的照片，不管技術上如何完美，如果沒有理想的構圖，照片就缺乏視覺主體和清晰的佈局，構圖的終極目的是引導觀賞者的視線，讓他們關注你認為重要的主體

文化素養高不一定你拍的有多好，至少你會看的更遠，想的更深，如果你創作的話會有更多思路。也會看到別人不一定看到的那個美。

攝影是造型藝術，它是透過畫面的構圖等藝術手段，抒發自己的思想情感，給人以獨特的審美感受。攝影又是瞬間的時空藝術，它所表現的人物、事件和環境具有強烈的真實性和可信性。

攝影師拍攝的攝影作品，藝術水平的高低取決於攝影師的思想、技法、藝術素養等。攝影師創作的作品是否有藝術性的審美價值，透過攝影作品的展現就能反映出來。攝影師從事攝影作品的創作，必須掌握繪畫、雕塑、建築、文學等藝術知識與才能；具有豐富的社會生活經驗，廣博的文化綜合知識，嫻熟的攝影技術等。

攝影作品的美感是反映時代的召喚，是教育人們和啟迪人們對攝影藝術的審美追求。攝影師要不斷地學習綜合知識，深入社會生活中去，觀察、體驗各種生活形式，積累大量的有用素材，用自己的攝影技術拍攝出審美藝術的作品。

攝影一開始，藝術家們都認為是繪畫的一個分支，只是隨著攝影技術及理論的成熟，藝術家們找到了攝影與繪畫不同的理論依據和表現方法，藝術家們才把攝影和繪畫兩門藝術分離開。但二門藝術有很多相通，相近之處。比如構圖，色彩，透視等等。攝影是用照相機來傳達攝影師情感的一門藝術。

攝影過程，是一個雙重轉化的過程。

我們來說第一重轉化，你看見了什麼？

十個攝影師在一起觀察同一景物，由於每個人的生活閱歷不同，文化素養不同，對美的欣賞理解不同，每個人看見的景象肯定會有差別。由於藝術修養的差異別人能看見的，我不一定能看見，這叫先天不足。也就是說自己還需要加強藝術方面的修養。

第二重轉化，就是照片輸出。

觀察到的影像透過攝影師大腦加工，透過照相機，及後期製作形成照片。最終的結果，可以說會產生巨大的差異。我們看著大師的照片會驚歎不已，都會說:我怎麼沒看到，我怎麼沒想到！其實這是自己文化藝術，技術等修養達不到造成的後天遺憾。

只有加強自己文化，藝術，技術方面的修養，才能不會先天不足，減少後天遺憾。努力和付出是走向成功的維一通道。