音樂都是有節奏的~~同時也需要帶有樂感的表達~因此所有的樂器及聲樂的學習都能夠培養節奏感與樂感~當然如架子鼓，當然是節奏感多與樂感樂器的價格不一~個人愛好也不一樣~建議根據自己的情況選擇樂器

很多時候，我們認為樂感是天生的，是不屬於理性範疇的。這個觀點有其正確的一面，但是以此為理由而放棄對樂感的理性認識、放棄教學甚至以此來否定一個學生的音樂演奏前途卻是不可取的。以下的觀點是為樂感方面的教學提供一些依據。 樂感包括的元素： 在討論樂感之前有一個前提， 那就是演奏者必須具備正確的和基本的演奏技能。沒有這個技術的保證， 演奏什麼都不會好聽的。我把樂感在理論上歸納了幾個方面： 樂句 力度表現 音符的終結 風格的色調 這些內容有人統稱為‘表現’。但是如果把它們分成各個小問題，就更容易應對和改進一些。 樂句 樂句跟語言一樣：開始、中間段、結尾。有時大的樂句就像文章裡的段落一樣，有逗號、句號和最後的總結。很多演奏者所犯的錯誤就是在練習之前沒有分析樂句，對樂句的承上啟下沒有安排，這樣就不能夠詮釋樂句的開始、走向和目標。所以樂感的第一步就是要分清樂句。而呼吸在樂句的分配中佔有重要的因素，老師應該幫助學生根據樂句找出呼吸點，一旦確定了呼吸點，演奏時就要嚴格遵循。 力度表現 力度表現是樂感的靈魂。一旦分清了樂句，怎樣創造性地詮釋樂句就是下一步的問題。一般樂譜上都有力度標記，但是實際演奏中的力度會更豐富。演奏者一定要把一個樂句用多種方式嘗試一下，努力找到最有表現力的力度變化。一般來說有表現力的力度變化都不是劇烈的， 相反是和小心、平和的轉變和交接。特別要注意的是， 力度表現並不是隨處都要的。對於那些標明‘平靜的’的段落， 一定要簡單化處理。在巴洛克、古典和早期浪漫作品中都不易用過於戲劇性的力度變化。 音符的結尾 “生日歌”裡最後一個音是要柔和地結束，而軍樂進行曲的終結大多是鏗鏘有力的。所以知道音符在各種音樂結構裡的結尾形式是很重要的。一般來說結尾音是很柔和的漸弱。即使是強音結尾，也要控制。而在這方面常犯的錯誤就是把結尾音突然砍斷，對結尾音沒有細心地控制，音樂就此變得不連貫和愚鈍。對於結尾音的控制一定要用心去體驗，技巧上要勤於練習漸弱音的控制力。關注和解決樂句結尾音地處理，樂感就會有很大的提高。 音樂的風格和色調 這是最難描述的一個方面。總的來說， 演奏者要有一定的音樂歷史知識。克雷斯頓的《奏鳴曲》裡的‘強’就要比巴赫裡的‘強’要強烈；如果把波扎練習曲的快速用在格拉祖諾夫的《協奏曲》裡面就會破壞了典雅；演奏亨德米特的《奏鳴曲》要想象是在演奏一隻銅管樂器，音色要儘量強壯飽滿…等等。在這個方面老師的知識和啟發非常重要。 總之，如果你能夠分析樂句、安排好呼吸、體會到自然的力度變化、理解和控制好樂句的結尾音，再加上正確的風格和色調，演奏的音樂性就可以有很大的改進了。 楊誼評點： 讀完這篇文章你可能認為沒有什麼新東西，它只是把我們平時教學中在做的內容歸納起來了。但是，就是這個歸納才是上升到理論高度的東西。 老師在教學中要勤力和認真。最好不要以學生的‘樂感不好’為理由而廢了學生的演奏信心和前程。特別是對初學者，不要用‘樂感不好’這樣的評論來打擊學生，因為他們還處在技術的積累階段，還沒有完成表現音樂所需要的技術前提。 在音樂上的悟性是存在的，也因人而異。但是每個人都有自己的價值，作為老師應該儘自己的責任去幫助學生髮揮出最大的音樂潛質。

在很多時候，我們認為樂感是天生的，是不屬於理性範疇的。這個觀點有其正確的一面，但是以此為理由而放棄對樂感的理性認識、放棄教學甚至以此來否定一個學生的音樂演奏前途卻是不可取的。以下的觀點是為樂感方面的教學提供一些依據。 樂感包括的元素： 在討論樂感之前有一個前提， 那就是演奏者必須具備正確的和基本的演奏技能。沒有這個技術的保證， 演奏什麼都不會好聽的。我把樂感在理論上歸納了幾個方面： 樂句 力度表現 音符的終結 風格的色調 這些內容有人統稱為‘表現’。但是如果把它們分成各個小問題，就更容易應對和改進一些。 樂句 樂句跟語言一樣：開始、中間段、結尾。有時大的樂句就像文章裡的段落一樣，有逗號、句號和最後的總結。很多演奏者所犯的錯誤就是在練習之前沒有分析樂句，對樂句的承上啟下沒有安排，這樣就不能夠詮釋樂句的開始、走向和目標。所以樂感的第一步就是要分清樂句。而呼吸在樂句的分配中佔有重要的因素，老師應該幫助學生根據樂句找出呼吸點，一旦確定了呼吸點，演奏時就要嚴格遵循。 力度表現 力度表現是樂感的靈魂。一旦分清了樂句，怎樣創造性地詮釋樂句就是下一步的問題。一般樂譜上都有力度標記，但是實際演奏中的力度會更豐富。演奏者一定要把一個樂句用多種方式嘗試一下，努力找到最有表現力的力度變化。一般來說有表現力的力度變化都不是劇烈的， 相反是和小心、平和的轉變和交接。特別要注意的是， 力度表現並不是隨處都要的。對於那些標明‘平靜的’的段落， 一定要簡單化處理。在巴洛克、古典和早期浪漫作品中都不易用過於戲劇性的力度變化。 音符的結尾 “生日歌”裡最後一個音是要柔和地結束，而軍樂進行曲的終結大多是鏗鏘有力的。所以知道音符在各種音樂結構裡的結尾形式是很重要的。一般來說結尾音是很柔和的漸弱。即使是強音結尾，也要控制。而在這方面常犯的錯誤就是把結尾音突然砍斷，對結尾音沒有細心地控制，音樂就此變得不連貫和愚鈍。對於結尾音的控制一定要用心去體驗，技巧上要勤於練習漸弱音的控制力。關注和解決樂句結尾音地處理，樂感就會有很大的提高。 音樂的風格和色調 這是最難描述的一個方面。總的來說， 演奏者要有一定的音樂歷史知識。克雷斯頓的《奏鳴曲》裡的‘強’就要比巴赫裡的‘強’要強烈；如果把波扎練習曲的快速用在格拉祖諾夫的《協奏曲》裡面就會破壞了典雅；演奏亨德米特的《奏鳴曲》要想象是在演奏一隻銅管樂器，音色要儘量強壯飽滿…等等。在這個方面老師的知識和啟發非常重要。 總之，如果你能夠分析樂句、安排好呼吸、體會到自然的力度變化、理解和控制好樂句的結尾音，再加上正確的風格和色調，演奏的音樂性就可以有很大的改進了。 楊誼評點： 讀完這篇文章你可能認為沒有什麼新東西，它只是把我們平時教學中在做的內容歸納起來了。但是，就是這個歸納才是上升到理論高度的東西。 老師在教學中要勤力和認真。最好不要以學生的‘樂感不好’為理由而廢了學生的演奏信心和前程。特別是對初學者，不要用‘樂感不好’這樣的評論來打擊學生，因為他們還處在技術的積累階段，還沒有完成表現音樂所需要的技術前提。 在音樂上的悟性是存在的，也因人而異。但是每個人都有自己的價值，作為老師應該儘自己的責任去幫助學生髮揮出最大的音樂潛質。 剛兄也許對你有幫助採納哦！

唱歌是需要很強的節湊感和樂感，跳舞也一樣。但是有些人天生節奏感強，樂感好，有些人就需要後天來彌補了。後天怎麼彌補呢？

1.可以練習打拍子。

熟能生巧，久而久之，你的節奏感會好一點的。

2.可以多聽聽歌，找樂感。

聽歌曲的鼓點聲，每首歌的每個鼓點聲的間隔是一樣的，當然有時候中間可能沒有鼓點聲，這種情況很少。唱歌的人聲是落在鼓點上的，這樣你就能跟上節奏了。

3. 需要注意的是唱歌時的換氣也要靈活運用。

平時可以多聽聽一首歌的原唱是怎麼換氣的，在哪裡換氣的。有些歌曲裡一句歌詞很長，那你就要聽聽原唱是在哪個字中斷換氣的。這個也是很重要的。

4.學習樂器。

如果你有條件，可以去學習更多的樂器，技不壓身嘛，多學一樣，也是百利而無一害的。

下面我給大家介紹學習什麼樂器比較好呢？

1.鋼琴或電子琴

鋼琴和電子琴屬於鍵盤類樂器，學習這個比較昂貴，尤其是鋼琴，投資挺大，首先如果你有條件，可以買一架鋼琴，平時可以在家多多練習。人們常說，鋼琴不是一種樂器，而是一百種樂器，因為它能模仿各種樂器的音效和聲部，還能和聲，是非常重要的樂器，對於你練習節奏感很有幫助。當然，沒有條件，可以學習電子琴，價格也不貴。

2.吉他

吉他最大的優勢就是很便捷，方便彈唱。平時出門都可以揹著，走哪都可以練習。吉他也可以和聲，只是沒有鋼琴的聲部多，不過也是不錯的和聲樂器，像你如果出門，突然有靈感，可以編一首曲子，也是不錯的。最重要的，它的節奏感分明，是一個提高節奏感和樂感的不錯選擇。唯一不足的一點就是，吉他沒有鋼琴的音色多樣化和動聽，它比較呆板簡單。所以學習吉他也是不錯選擇，價格不貴。

3.架子鼓

架子鼓是一個節奏感強烈的組合型樂器。最重要的是節奏感非常顯著，鼓點聲很容易讓人進去節奏。這個對於你提高節奏感和樂感非常有幫助，而且學習架子鼓可以練習四肢的靈活度，還能鍛鍊身體，是個很好的選擇。價格也不是很貴。

節奏感比較強的樂器。以前，我們當地有個人拉小提琴很好聽的。後來被當地劇團招去，結果和樂隊一合，合不上拍，沒辦法，後來叫他拔大提琴，練節奏。

我首推學習架子鼓。

節奏是音樂的核心。節奏的表現在於對音樂的理解上面，練習時由於可以嘗試各種不同的音樂曲風，會帶給你意想不到的收穫。在學習的過程中會塑造你的節奏感和樂感。

以上是我個人的見解，你們覺得呢？