個人覺得歌曲來源於生活，一首好的作品必須對生活要有所體驗，感同身受，真實反映一切，如果只是憑空想象，那這類歌曲是不會深入人心的，所以歌詞的內涵很重要，直接反映歌曲要表達的初衷和意境。歌曲的旋律要樸實無華，優美動聽，要更貼近老百姓，這樣流傳度更廣，畢竟廣大的人民群眾才是真正的評判者。演唱技巧反映對歌曲的理解和傳播，怎樣更能準確的把詞曲作者的情感傳遞給聽眾觀眾，演唱者很重要，所以每人演唱的效果都不一樣，專業的歌唱家把握拿捏得更到位，我們更能接受，演唱者要提高的是音樂的修養，對歌曲的理解，用心演唱，以情動人，並不一定是誰高音飈得有多高，一首好的歌曲就是一個美好的故事，看我們怎樣去講，有些東西是與生俱來的，不要過於去強求！個人觀點，僅供參考。

我覺得都很重要，詞作家和曲作家有時候都是需要瞬間的靈感爆發，還要根據社會環境因素去決定自己的靈動性，也要根據作者當時的心情和生活狀況來定型；而演唱者在練習的時候，要考慮的因素也很多，首先要讀懂詞典家的心裡想法，然後再根據自己的特色進行演繹，在演唱的過程中，還要考慮到聽眾是不是會接受？有沒有賣點？然後才可以定型！（拙見！請見諒！）

創作一首好歌曲，可以先創作出曲調爾後填入歌詞，也可以為寫好的歌詞譜曲，我們大多習慣於後者，因此，要想寫一首歌，首先接觸到的是歌詞，那麼就要對即將進行二次創作的歌詞有所認識。 一 、什麼叫歌詞？ 簡單的說就是歌曲中的詞，是由五言詩、七言詩和民間歌謠發展而成的，形成於唐代，盛行於宋代，它是一種抒情詩體，是配合曲調可以歌唱的樂府詩。它嚴格的格律和在形式上的種種特點，都是由音樂節拍、樂句長短的要求而規定的。 詞與詩不同，它要求“調有定句、句有定字、字有定聲” 押韻的位置各個詞調都有它一定的格式，詩基本上是偶句押韻的，詞的韻位則是依據曲度，即音樂上停頓決定的。每個詞調的音樂節奏不同，韻位也就不同 句式長短上，詩雖有長短句，但以五言、七言為基本句式，而詞則大量採用長短句，這是為了更能切合樂調的曲度。 再則，作詞要審音用字，以文字的聲調來配合樂譜的聲調，以求協律和好聽 二、 歌詞的分析 1、 當你閱讀一首歌詞時，你是否對它感興趣、是否被它所感動，其內容是起決定作用的，因此，首先要分析它的內容，看它講了一個什麼故事，反映一件什麼事情，說明了什麼哲理，提倡了一種什麼精神，是否健康向上等等。 2 、 看它是一種什麼情緒，從大處分有喜、怒、哀、樂四個方面，但要分得更細膩些，是偏抒情的？還是偏激情的？一定要把握住詞的基本情緒。 3 、 從人物上看，有工農兵學商各個行業，男女老少之分，要注意突出他們各自的特點。 4 、 從形式上看，一是看它的整體結構，進而決定其曲式，二是看它的格式，分析其長短句，以處理好樂句，並要進行創造性的發揮。 5 、 從風格上看，一般來講是要求歌曲既有時代感又有民族特色，但具體到一首詞就需要分析得仔細些，在設計音樂時，要考慮到是民族風格濃些好，還是淡些適宜；應該突出哪個地方的風味？同時要注意採取與詞的風格相一致的音樂風格。 6 、 要考慮到歌是寫給什麼人唱的，如果側重於歌唱家演唱就要注重聲樂技巧的運用，假如是寫給大家唱的，難度就不要過大，要容易上口，並注意歌曲的適應性。 7、 現在社會上存在著三種唱法，即：民族、美聲、通俗，要看歌詞適於哪種唱法，以便在音樂寫作上突出某種唱法的特點。 8、 特別要注意詞的質量，不然費力寫好了，因為詞有問題而把歌給否了，那是很可惜的。 9 、 根據音樂的需要，對詞要給予必要的裁剪、修飾。 下面，我再跟大家談談關於譜寫歌曲的幾個步驟和作曲時容易出現的幾個毛病。也希望廣大音樂愛好者都能集思廣益，把自己在學習中領悟到的獨特見解和遇到的問題發表出來，供大家討論、學習和參考。 作曲家創作樂曲時，經過醞釀、構思，初步明確所要達到的目標後，其寫作次序一般是：先寫好音樂主題，把頭開好；繼而予以發展；最後透過合理的曲式而完成音樂形象。這三步往往是緊密聯絡在一起的。 一、 音樂主題主題的創作和發展 音樂主題是一首樂曲最主要的樂思，常是作曲家在充滿激情的精神狀態下寫出來的。它具有鮮明的個性特點，富有較強的表現力，意義也比較完整。 樂曲一開始，往往就是音樂主題，偶爾也有經過引子才出現的，因為它是形成全曲音樂形象的基礎，很重要，因此創作音樂作品時，首先應把精力集中於此。 主題的構成，就樂句的句數來看，常由兩個樂句組成，也有由三個、四個或更多個樂句構成的，它常結束在調的主音上，（或三音、五音上）即結束在主和絃上，大調是1、3、5，小調是6、1、3，，有一種結束感、段落感。 主題核心是主題的一部分，多在開始的地方，常見的是一或兩小節，有時是一個樂句，整個主題常由此核心延展而構成。 主題的構成除調性、節拍、速度外，主題節奏、主題音調、主題的伴奏背景及主題音色、音區等是形成主題個性的重要因素。 作曲者拿到一首歌詞後，一般需要朗讀幾遍，這時不要拘泥於歌詞朗誦的節奏，也不要拘泥於歌詞中某一詞句的描繪，而應集中考慮怎樣刻畫全歌曲總的音樂形象，對歌詞所提供的意境，最深情的抒發自己的內心感受。中外許多著名的作曲家在一生中創作了大量的樂曲，僅就某一位作曲家來看，如冼星海等，他們創作的音樂主題，首先是主題節奏就沒有完全相同的，總是各具特點，極為豐富多彩。這一點十分值得重視。 主題節奏在整個作品的創作中佔有重要的位置，要突破創作上的一般化，首先應該在這方面多下功夫。為此，一是自己的思想要有深度，感情要豐富；二是向中外名曲學習、借鑑，融會貫通，勇於創造；進入創作時，在自己洶湧澎湃的感情波濤上，首先要善於在幾個小節的音樂中就刻畫出一個鮮明動人的“浮雕”--不一定複雜，但一定要有個性，進而在全曲中使它有機的貫穿著。 有的作曲者所寫的主題常還流暢，但缺乏特點，就音調方面看，原因之一是因為沒有適當壓緊的級進，因而也就沒有富有個性的跳進（所謂級進是指按音階、調式中音的自然次序，逐級上升或下降如1-2-3。跳進一般是指相隔四度以上的進行如1-5；2-6等）或是雖出現有情趣的跳進、較優美的樂匯，但沒有抓住它作為樂思發展的契機，使整個音調象流水帳一樣平鋪下去了。 初學作曲者一般多是從抒情性的歌曲入手，儘管只是一個抒情性就有千差萬別，寫好了並不容易，但仍應看到，還有其它性格的樂曲--透過各型別的音樂主題，有待自己去理解、學習和實踐。 二、 作曲的基本步驟： 1 、 選好歌詞後，要反覆朗讀，盡力挖掘其內涵和內在的節奏律動與旋律線。 2 、 選中一首歌詞後要醞釀情緒，依據詞的內容與自己的經歷、某些生活體驗進行聯想，這雖然不是機械的，但生活對於一個曲作者來說是不可缺少的，要想寫一首兒童歌曲，如果作者沒有一顆童心，那是不可想象的。當然，這是一個把對實際生活的體驗昇華為藝術形象的創作過程，否則就算是寫出作品來也不會感人的。 3 、 捕捉音樂主題①，對此每個作者都有自己的創作習慣，有的能在較短的時間內寫出，有的是當靈感的火花閃現的一瞬間及時的捕住，進而發展成全曲。 4、 勾畫草圖。每當抓住一個動機，最好是一口氣把旋律線拉出來，就象畫家勾草圖一樣，大致畫出個輪廓，儘管這樣畫出的旋律可能是粗糙的、鬆散的、無章法的、不規則的、即興式的，這都沒關係，只要把框架搭起來就是完成了重要的第一步，而且這往往是作者最衝動、最真摯、最直接的感情爆發，是從心底深處流出的音符。 5 、 寫出草稿後，要反覆哼唱、推敲、修改。然後打著拍子唱，以確定音符時值和樂曲節拍的準確程度，還要在樂器上試奏幾遍，使音高準確無誤，如果一下拿不準，就放一放，等頭腦冷靜下來再拿出來推敲、修改，千萬不要輕易定稿，也不要輕易拿出去，以免留下遺憾。 三 初學作曲是容易出現的毛病 1 、音樂語言不新，缺乏新意，總好象是“似曾相見”。 2、 故意濫用一些技巧，生搬硬套。 3、 寫的曲調過於方整，過於對襯，致使曲作刻板、呆滯，缺乏藝術感染力。 4 、沒有音域意識，音調越寫越高，漫無邊際。 5詞曲結合得不好，不注意詞語的四聲與歌詞本身的曲線美，重音安排不當，有嚴重的“倒字”現象。 6、 把握不住音樂風格，把通俗歌曲寫成嚴肅的頌歌。或者風格不統一，前後遊離，不象是一首歌。 7 、音樂形象不鮮明，把兒歌寫成了愛情歌曲。 8、 一字配一音，過於緊密；或連續多音配一字，過於鬆散，分不清句子，抒不出情感，不給演唱者留換氣的氣口等。 9 、主題不鮮明，個性不突出。即或有個主題，但得不到發展，或各樂句節奏雷同，單調呆板，或各樂句沒有聯絡，雜亂無章。 10、 過分拘泥原詞，不知重複某些詞，不會用襯字、拖腔等手法來推動旋律的展開。 11 、記譜不準確，聽覺是3/4拍子，記的是2/4或4/4拍子。 12、 歌譜抄寫不規範，如：過門不用括號，缺少連線、速度、表情、調性、力度等標記，一小節分行抄寫等等。 中國著名作曲家秦西炫說過這樣一句話：沒有激情而想寫好作品是不可想象的，而沒有技巧想寫好作品同樣是不可想象的。 創作--學習--再創作，如此迴圈不已，是不斷進步的必由之路，所以這三者缺一不可。

重要的不是作詞作曲和演唱，而是聽眾觀眾。一些很優秀的歌曲，是不符合當時聽眾觀眾的心境，這些歌曲也會被埋沒。

大眾的欣賞口味是比較偏俗的，為很多高大上的歌曲，不一定能得到，廣泛的傳唱和普遍的流傳。

比如汪峰的春天裡，居然有多少人認為汪峰是被，旭日陽剛唱紅的。現實往往是知道真理的人懶得說，而那些不懂的人卻喜歡嚷嚷

本人認為一首好歌當然是曲子最重要，為什麼這麼說呢？因為很多的純音樂曲調沒有歌詞依然好聽至醉!

一首好歌，旋律曲調是第一位的，因為優美的旋律最能入耳遂心打動人，比如我們走在大街上，忽然某處輕輕傳來了一首歌，這歌旋律優美立馬產生共鳴，儘管你不清楚這歌詞唱的是什麼，但優美的旋律能自動帶給聽眾以畫面感並讓你觸音生情，此時你的腦海會呈現出最遂你心願的故事，你的內心情感會瞬間勾起或抒發，這種感覺是妙不可言的，由此可見旋律魅力感染力的強悍！

當然了，一首好歌歌詞也重要，歌詞是為曲調服務的，是為曲調做更好的定位與講解並加渲染，其目的是讓聽眾產生共鳴，好曲配好詞那自然是相得益彰猶如畫龍點睛。

有了好的旋律歌詞後，最後就看演唱者的發揮了，這就好比那些名牌大學的畢業生，走入社會後大多數都混得可以，當然也有極少數混得差的，如果是這樣的話那就太對不起你的文憑(詞曲)了！

首先必須明確一個最基本的事實，一首好的歌曲是“創作”出來的，而不是“演唱”出來的？！

因此，在一首好歌的練成中，與“演唱”沒有半毛錢的關係！

這可以從歌曲的構成中看出來！

歌曲由歌詞和為歌詞譜寫的曲譜構成，明顯沒有演唱的份！

因此，那些認為在一首好歌的練成中，演唱是如何如何重要的觀點是站不住腳的！

事實上，當曲作者創作完歌曲的最後一個音符時，無需歌手的演唱，一首歌曲的好與不好就已經確定了！

至於歌曲的“演唱”，那是屬於歌曲的推廣應用範疇的問題了，與歌曲的練成，是兩個根本不同的概念！

硬要把毫不相干的二者混為一談，只會從邏輯關係上製造混亂。

坊間曾經廣為流傳所謂“演唱是二次創作”的說法。

假如這一說法能夠成立，那麼問題來了！

歌曲的作者創作的成果叫“作品”，而作為“二次創作”的歌手的演唱成果，卻只能叫“演唱”而不能叫“作品”？！

為什麼同樣叫“創作”，其成果的叫法卻截然不同呢？

而且這種所謂的“二次創作”，究竟有多大的創作空間？能夠脫離開曲作者創作的曲譜嗎？

由此可見，這種所謂的“二次創作”，不過僅僅是一種坊間傳聞，從理論上講就站不住腳。

至於為什麼演唱的作用被不適當的誇大，則是因為公眾中有一定的人群不識譜，對這部分人而言，離開了歌手的演唱，他們將無法接觸音樂作品。

因此，歌手的作用被不適當的無限誇大了。

其實，歌手的作用，不過是起到把曲作者譜寫的抽象的音符，轉變成具有一定音高與時值的具體聲音而已。

因此，在一首好歌的練成中，最重要的是作曲！