當然相信。如果藝術沒有確切的定義，藝術就成為含混不清的東西。首先，藝術必須是人類創造的。大自然形成的，無論怎樣鬼斧神工都不能稱為藝術。其二，藝術有供人欣賞、玩味的功用。它是精神的娛樂品。它陶冶人的情操，給人以精神的感染。這種感染是欣賞者與創作者的心靈的溝通。其三，它是創作者表達心靈世界的一種藝術表現形式。它透過感官用藝術的語言與欣賞者對話。當然這種對話不是直白的，他會因人而異，它與欣賞者的閱歷、學識等人生軌跡相聯絡。因而對某種藝術的理解在層次上千差萬別。這就是在一百個人眼裡有一百個哈姆雷特的原因。藝術又分很多門類，各個門類都有具體的界定。這裡就不多贅述了。

藝術是有確切定義的。翻一下《辭海》，點一下百度，對藝術的定義和表述就在那裡。如果你對藝術的態度是嚴謹認真的，應該不會對此有所置疑。如果你對藝術本來就無敬畏之心，而且理解為可以任意由個人主觀解讀的概念，那就是另外一回事了。比如，現在網上流行的，見怪不怪的“醜書”，某些藉“行為”而“藝術”的藝術等等。藝術是用形象來反映現實但比現實有典型性的社會意識形態。它包括文學，繪畫，雕塑，建築，音樂，舞蹈，戲劇，電影，曲藝等。有時，對那些富有創造性的方式方法，形狀獨特而且美觀的物體，也以有藝術性和藝術價值稱許。

因為藝術的主觀性特徵，所以很容易就成為某些不懂藝術為何物的人渾水摸魚的藉口。隨便把個人對社會，對客觀世界的主觀表達和表現唐而皇之的稱為藝術。換個角度看，這也許也正是藝術的特殊魅力吧。

藝術是審美的界定。

取決於某客觀存在的奇淫技巧在操作上升華到一定的高度時而達到的以人類的認知肯定為此客觀存在的界定認知的完美標準。

藝術是感性的，是超前的，我們可以給他劃分流派，可以給他做區分，但是這些都是由少部分藝術家思想和藝術創作，藝術行為決定的，所以藝術是多變的，是在不同時代有其不同折射的，所以這個問題有待商榷，古往今來對於整個藝術領域是沒有一個確切的定義的，他是開放性的，是無窮的，我們不能狹隘的定義概括！

這個問題還真回答不好，藝術來源於生活，高於生活，藝術是現實生活中的集中表現。有時藝術是為政治服務的，如當年的一大批抗戰歌曲和戲劇，美術等。而在藝術的表現手法上他是沒有定義的，任何藝術也都在不斷的發展創新和進步。不應該有什麼條條框框，如美術現在的美術即便是國畫也都吸取了西畫的技法，音樂更是西方樂器佔居了大多數。即便是同一個題材的作品不同的作者表現的手法也不可能一樣。所以，藝術是沒有定義的，要說是有定義那就是用藝術家的眼睛發現美，再用藝術家的智慧和雙手創造出更美的作品，傳播美，藝術家就是傳播美的光榮使者。

你相信藝術有確切定義嗎？

我感覺這個是相對而言！

“藝術”是一個開放的名詞，它具有一種共同性的用意，也具有若干特殊性的用意。很難用任何準確性去界定。在各個時期，都是以分門別類的方式處理不同的藝術形式，例如有現代藝術，古典藝術，行為藝術，人體藝術，街頭藝術等......

然而，到了現代我們想給想要建立一種周全的“藝術”的定義，不只是非常困難，我感覺而且根本就不可能達成。

為什麼說藝術是不可定義的？

“藝術”最多隻是個相似概念和一個開放性的概念，不同的藝術或藝術創作之所以被稱為藝術，不是因為有一個明顯的特徵或本質為所有藝術作品和藝術活動所共有，將它們同其他非藝術的東西區分開來，而是因為它們在某些共同的生活形式中被理解為藝術，它們之間具有某些相互交叉重疊之處。

其實，決定什麼是藝術什麼不是藝術的標準也有許多種，並且所有的標準都有幾分搖擺不定，在理論上，唯一的標準便是美；實際上，思想的內涵、表現性、嚴肅性的程度、道德的正直性、個性以及非商業的目的等等的考慮，也都扮演一部分角色。

今天藝術概念的外延千千萬萬，新的形式結合了舊的形式，與物質文明和溝通媒體界限模糊。因此若要定義，必須涵蓋這整個廣泛的領域，同時兼顧其中的變化多端。

我們稱之為“藝術”的東西，像個精神分裂患者。不同的時代、不同的背景、不同的文化、不同的形式、不同的功能性、不同的動機、不同的需求……這些不確定的元素三三兩兩互動進行。

由此可見，給藝術一個確切定義是非常困難的。困難在於我們難以準確而詳細的區分出類差，無論我們採取哪一種觀點，表述起來也會是說不完的“……或……或……”

所以我感覺藝術是沒有確切的定義的......

1.Functional：Art is to provide pleasure. 只有提供了獨特的視覺、聽覺和美感的享受的事物才是「藝術」。從這個角度來說，「Everything can be seen as ART」這種說法就就是不成立的，藝術必須是帶給我們愉悅感或者其他獨特的試聽感受同時我們非常享受這個「藝術」。

Procedural：Something should only be considered art if it was made by a particular process. 持此類觀點的專家們多半是認為只有通過了某種特殊的製作過程或者專業的判定之後所產生的作品，才能稱得上是藝術。

對於「藝術」的定義其實一直在變化，在 George Dickie 的 Institutional Theory 裡面就論述了對於「藝術」定義的變化。

1974 Version：

人工製造 -「An artifact」

已經被賦予了一些社會機構地位的含義 -「Conferred upon it the status of candidate for appreciation by some person or persons acting on behalf of a certain social institution」

1984 Version：

藝術家透過自己的理解創造產生的作品；

一件藝術作品以「藝術品」的形式向公眾展示，這裡的「公眾」指的是對於某一個物品有著基本相同程度認識的一群人或者機構。

其實從以上就可以看出來，事實上藝術世界體系是一個藝術作品或者一個藝術家展現給公眾的大體框架，而「藝術界」也是「藝術家」們之間的藝術界。「Art is what the Art world say it is.」比如在畫廊裡面展示的物品通常都被人們看作是藝術品。這裡可以參考一下這個問答：藝術的本質是什麼？

但是撇開這種狹義的「藝術作品」來看藝術，單從體驗上來說，那可能遠不是這樣。

對於美麗的東西而言，它的美麗是可以讓人在意識形態裡感受到它的美的。比如：玫瑰的目的可能是大自然的一部分，但是它的顏色和紋理讓我們感受到它的美麗。

康德曾經提出過這樣一個理念：審美是主觀的部分，但它不是主觀的。在這裡他指的不是內在價值而是超越它實際存在和顯示的美感。因為審美的愉悅是可以使得別人能夠在同一時間內體驗到屬於自己的東西的。

再比如說一個公共畫廊，透過收集、展示，使得公眾能夠透過人與藝術之間的體驗來享受當代藝術，這遠遠超過了一個畫廊本身的價值。

舉個例子，拿 Tate Modern 泰特美術館來說。它的官方描述是這樣的：Shibboleth asks questions about the interaction of sculpture and space, about architecture and the values it enshrines, and about the shaky ideological foundations on which Western notions of modernity are built.

其內涵包括了種族主義透過下層社會，對西方思想利用剝削和撤銷他人基本權力的基礎來獲取進步和繁榮的批判，鼓勵人們真誠地面對自己的歷史和不舒服的真理不要自欺欺人。

泰特標誌性空間，不同於其他傳統的雕塑和裝置美術館裡直接介入地面的，顛覆了對美術館和紀念碑莊嚴的感覺。這就是一種藝術。

對於像博物館這樣的藝術形式，可能也存在著很多問題。為了迎合小眾群體，主流博物館也會刻意透過舉行小眾文化活動來吸引小眾群體。藝術博物館始終被認為是精英機構，英美資料始終沒有超過 22 %，並且這部分人都是高收入的知識分子。大多數國家藝術博物館表面表達為所有人服務，但其實更接近於一種部落美術館，各個群體都想要一個屬於自己的文化的藝術博物館。

藝術界（特別是博物館）涉及多方面的政治因素，甚至可能引起外交事件。比如說「埃爾金大理石之爭（The Elgin Marbles controversy）」：希臘政府堅持要求將其歸還雅典，因為這屬於文化盜竊，但是英國完全沒有這樣的打算。

關於「藝術機構」

前文也說到「藝術界」是一個比較特殊並且模糊的概念，它很不容易界定。這裡引入 Gordon Graham 的迴圈理論：如果一個藝術作品一定要被藝術界的系統來定義，那麼怎麼去定義這個就是由藝術品構成的藝術界呢？

影響力的社會機構應該是在一種中立的位置上。比如：犯罪就是由法律和相應的法律制度所賦予定義和確定的，這樣的機構是被當局和大眾都瞭解並且承認的。藝術界既不是一個獲取利益的企業也不處於一個無償捐贈的狀態，這迫使很多平民大眾接受藝術界對自我的評估。

而也正因為這個特殊的性質，大多數人總是十分懷疑藝術作品的真正價值。

對於當今世界級專業的藝術培訓機構（如圖），也可以參考一下：藝術教育能否培育出“藝術家”？ 的答案，其優劣姑且不論，但確實存在著不可調和的矛盾。

作為中國現代美術教育的領導機構中央美院（CAFA：Central Academy of Fine Arts），其官方的解說大意為「為那些想學習經驗並從事創意的學生提供一個好的平臺」，但事實上對於每一個學生而言，要變得更好還是更差：取決於你和誰相處，CAFA 能夠讓年輕人和真正的大家接觸，得到提升。學校的每年會篩選掉超過 90% 的學生，但是它的畢業生中是出了很多知名大家的。

中國藝術品市場越來越大，每年申請的學生越來越多。但是教師的工資很低，他們手上的金貴的畫布卻可能產生巨大的利益。比如劉小東，央美畢業生，一副巨大的三峽畫賣出了 270 萬美元。加上中國教育環境裡「藝術生」的特殊性，像四川美院，每年能大約也能收到超過 64000 份的申請，但只招收 1600 人（前兩年的資料）。

事實上，很多的機構也可能會受到經濟利益的影響，也正因如此，這些機構會驅動藝術界新的經濟模式。

很多時候政府可能會在「藝術界」裡起一個很重要的作用，特別是創意產業，比如在英國非常有名的創意地圖產業：「The Creative Industries Mapping Document, produced by the UK DCMS in 1998, identified the creative industries as constituting a large and growing component of the UK economy, employing 1.4 million people and generating an estimated £60 billion a year in economic value added, or about 5 per cent of total UK national income.」在這個過程中，地圖繪測部門成為了一個政府與測量有關的工具，而事實上卻是在利用「文化」二字在拉動經濟。這樣的過程產生的問題就很明顯：

有些關鍵地區會被排除（畫廊，圖書館，檔案館，博物館等）；

不少從事非創意工作的人（會計）卻很有創意的人被排除在外。

因為藝術的特殊性質，很多大家都會對「機械複製」嚴加抵制。基於此，創意產業的 Model 其實是很難進行推廣和本地化的。傳播大家 Stallabrass 對這種 Creative Industries Model 更是堅決反對。

與此同時，許多藝術性質的獎勵都是按照政府對藝術的定義為基礎的（比如 The Turner Prize：頒給 50 歲以下的在過去的 12 個月裡對當代藝術發展的巨大貢獻英國藝術家。）

可以這樣說，所謂的「藝術市場」是不自由的，藝術市場在某些程度上會對投資者和特定的藝術家傾斜，在某些程度上對投資者和特定的藝術家傾斜。因此，很難說到底是不是真的有那樣一個很確切的機構可以「判定藝術」。但是發現美的眼睛，是無處不在的。正如康德那句「審美本身是一件主觀的事情。」

應該相信 天地造物鬼斧神工 人類造物靠的神通 所謂神 就是思想與專注 通就是通達 非是如此才能達到境界 產生美 繼而昇華至藝術 既有型韻又有神韻 為人生與現實發展都可起一定作用

我深信“藝術”是源自對生活事件、對社會環境現象的觀察。是表達個人或群體對美好向往、對苦難申述、對罪惡譴責的一種“行為語言”。

“藝術”需要虔誠。

藝術源自於生活、高於生活；生活隨時代改變而改變，藝術同樣也隨之改變而改變。如何定位藝術，除了專業人士給出的定義；同時，也無法脫離時代的背景、並為社會所普遍認同、接受，藝術的實際意義才成立。如只囿於小圈子，因所謂的專業人士，給出藝術定義而藝術的，就必然存在很大的不確定性。故此，藝術的確切定義，將會因時、因事、因人而異，具有相對不確切的定義。

是的，這裡的定義，不一定是普世的某種定義，而是作者站在某個角度的的話語，觀眾不一定能看懂，不一定欣賞，但是這本身就已經是藝術了，相反，很多畫展，我看了，我覺得很多名家的作品只能稱作工藝品，不能稱作藝術品，因為他們缺少了藝術最核心的東西，他們把同樣的話說了太多遍太多遍。這是無意義的事情。除非你是百年一遇的奇才，一畫開天，一筆奪天工，正是那樣的話，那你本身就已經是上帝的藝術品了。

藝術可以是宏觀概念也可以是個體現象，是透過捕捉與挖掘、感受與分析、整合與運用（形體的組合過程、生物的生命過程、故事的發展過程）等方式對客觀或主觀物件進行感知、意識、思維、操作、表達等活動的過程，或是透過感受（看、聽、嗅、觸碰）得到的形式展示出來的階段性結果

藝術在進入實體和各行各業的時候是不可能有確切的定義，無法去定義，每個都可能是藝術同時也會有人去推翻這個藝術！如果說在大腦裡去定義確切的藝術！個人理解為做不管什麼行業在思考問題時，他的大腦裡想事情的方式應該呈現出流水線和拋物線式的