說這個話的人是門外漢，視傳統寫實繪畫為大神。繪畫藝術的變化是動態的，其審美性也是受時代影響而改變，早期的寫實主義繪畫主要是為宗教服務的，具有教化作用，人物形象畫得不具體，其資訊傳遞必然受影響，如果是受私人定製的作品，則更加寫實，否則吃了上頓沒下頓。可是隨著科技的進步、照相機的發明、戰爭的爆發與傷害、命運的變化、蹉跎的歲月、哲學的思考、社會學的引入等方面的問題，其藝術的表現形態必然會改變，繪畫藝術流派的演化過程也證實這個道理。

寫實主義繪畫:

特徵

1,以古希臘,羅馬神話,歷史事件以及聖經

故事為繪畫題材,表現某種哲理觀念和社

會問題,宣揚一種理想化的崇高境界.

2,以古希臘,羅馬的雕塑和文藝復興時期大

師們的繪畫為典範,塑造一種型別化的藝

術形象.

3,技巧上,古典主義繪畫強調精確的素描技

術和柔緩微妙的明暗色調,並注重使形象

造型呈現出雕塑般的簡練和概括,追求一

種宏大的構圖形式和莊重的風格,氣魄.

寫實繪畫的基本特徵作為西方藝術中長期居於主流地位的寫實繪畫，其主要的理論來源於古希臘的哲學思想，核心問題是人（主觀）與自然（客觀）的關係（意識到人自身也是客觀世界的一部分是後來的事情）。藝術中的美來自人的心靈還是自然，古希臘哲學家有不同的看法。唯物主義哲學家亞里士多德（前384-322）認為藝術是對自然的摹仿，英國藝術理論家勞倫斯·比尼恩(Laurence Binyon)指出：“歐洲藝術理論中許多不恰當的看法，或許都由於那個根深蒂固的觀念，即認為從如此這般的意義上說，藝術就是對於現實的摹仿，是人類摹仿本能的後果。......這就是亞里士多德對於藝術的解釋。”［1］羅馬時代的唯心主義哲學普羅提諾（約204-270）反對藝術的美來自對實物的摹仿，認為它來自作家的心靈。他的著名意見是：現實是理念的影子，而摹仿現實的藝術不過是“影子”的“影子”。但他也認為藝術是自然的摹仿，他說：“藝術次於自然，它只是透過塑造不確定的、軟弱的、像玩偶一樣的形象來模仿自然，即使它在形象塑造中運用了許多能工巧匠的手段，也還是毫無價值。”［2］他認為當藝術製造出知覺範圍以外的可以理解的美的時候，藝術才有價值。寫生的自然中的美與人的心靈的美，古希臘哲學和美學中已經蘊含了西方寫實繪畫的基本特徵和基本矛盾。儘管希臘藝術中不乏理想主義的美的創造，但可以確定的是，希臘藝術是以寫實為本的，希臘人菲洛斯特拉託斯（2-3世紀）認為：“摹仿被看作是一個極為偉大的發明，它與自然有著密切的聯絡。聰慧而靈巧的人發現了摹仿，或稱之為繪畫藝術，或稱之為雕塑藝術。”［3］在這裡，摹仿成為繪畫和雕塑的同義語。真正從繪畫理論上具體地概括出寫實繪畫的基本特徵的是文藝復興早期的義大利建築家和作家阿爾貝蒂（1404-1427），在他的《論繪畫》一書的第3章中，他講述瞭如何做一個畫家，這裡將其摘引如下，［4］括號裡為我概括的要點。1、畫家的工作，無非是在牆上或畫板上，用線條和顏色勾勒出與實物類似的畫面，在一定的距離外，站在某個定點上，能產生立體的效果，看上去很像所畫的物體。（摹寫實物、定點透視、立體逼真）2、畫家首先應懂得幾何學，幾何學家很容易就能明白我們的繪畫基本原理。（寫實繪畫的基本原理和權威性來自古老的權威的幾何學，達·芬奇認為“繪畫是一門科學”）3、畫家們要發展與詩人、演說家的友好交往，他們所具有的淵博知識有助於創作敘述性作品。（寫實繪畫需要文學構思與敘述性）4、不管做什麼，在你面前總要有經過選擇的專門的模特以供對照。（必須要有經過選擇的模特-人或實物）5、（歷史）故事畫是畫家最主要的作品。（歷史題材是寫實繪畫的重點，因為它可以再現〈編造〉歷史，以情節性、戲劇性的場景和人物打動觀眾，勸善懲惡）6、創作，首先應深思熟慮，找出體現這一場面的最精彩的手法和最佳構圖，腦海中形成區域性乃至全景的概念，然後分別製作出各部分和全畫的草圖，徵求朋友們的意見。（創作要有構思，尋找最佳構圖和相應技法，要畫草圖）7、畫家作畫的目的是要給大眾以愉快的享受。（寫實繪畫的一個重要功能是要讓看畫的人愉快，寫實繪畫非常注意觀眾的接受和反應，它不否認自己的通俗性）以上所概括的寫實繪畫的基本特徵可以用來對照各類寫實繪畫，它確確實實是西方文藝復興時期以來寫實繪畫的基本規範與創作方法，並且至今仍是我們美術學院的基本準則。可不可以更為簡練地概括寫實繪畫的基本內涵？從文藝復興三位巨匠的言談中，可以概括。達?芬奇說：“鏡子為畫家之師”。米開朗基羅說：“我認為，從比例和整體關係上看，如果繪畫接近浮雕效果，就可以認為是完美的繪畫。”［5］丟勒：“如果一個人能準確地寫生，畫出的作品與生活中的模特很接近，尤其當畫出的形象是美的，他的作品自然會被承認是藝術品而受到讚揚。”［6］ 面對自然現象如實寫生，達到立體的三度空間逼真效果，這就是“寫實繪畫”在西方藝術史上最初的基本內涵。古希臘藝術和文藝復興藝術成為“以真為美”的寫實藝術的兩個高峰

就油畫藝術而言，各種“主義”用文字表達出來的話，有一連串，比如：古典主義、新古典主義、浪漫主義、寫實主義、印象主義、後印象主義、抽象主義等等，問題來了：有人說“寫實主義”是最能體現畫家創作意願和油畫藝術價值的畫派，你怎麼看？

油畫注重“寫實”，不只是侷限於將物象描繪的形象逼真，更是要傳達出作品人物的真實情感，發揮色彩代表一切情感情緒的作用，體現作品內容深層的含義，讓人們除了欣賞享受，又能深入思考，從而領悟畫家要表達的思想和社會的現實狀況，這樣的油畫作品才是傑作，

簡單瞭解一下“寫實主義”，它興起於19世紀中葉，自工業革命之後，科學實證精神變為思想主流，因此畫家開始走到戶外，提倡應把不存在的東西（如天使、神話人物等題材）全部趕出繪畫，他們批判表現理想與美化自然的古典主義和基督教文明，認為藝術必須誠實描述現實世界，

藝術家揹負著揭示社會真實面與改造社會的使命，畫筆也是一種批判的武器，這就是“寫實主義”的宗旨，這也是“寫實主義”是最能體現畫家創作意願和油畫藝術價值的畫派的原因，我們可以這樣去理解，雖然畫家可以藉助誇張的表現手法和豐富的想象力進行創作，但是畫自己親眼所見的現實情景，會來得更真實，

就好比，19世紀的法國畫家庫爾貝，他筆下的“寫實主義”畫作呈現給人的感覺是絕對真實，就如他自己說的那樣：“讓我見到天使，我才會畫天使”，他作畫從不用草描，所畫即所見，不會在繪成之後在畫面上添補想象出來的細節，畫風顯得沉穩厚重，要知道，所畫即所見，比“想象”要顯得輕鬆自然，想象某個場景是很費神的。

儘管如此，要說寫實主義繪畫風格是最能體現油畫藝術價值的畫派，還是有失偏頗，至少是值得商榷的。尤其是在數字影象技術高速發展的今天，受到衝擊最大的就是寫實風格的油畫創作。陳丹青直言傳統繪畫形式面臨著被數字影象技術淘汰的可能。就連靳尚誼先生這樣的寫實主義油畫名家，同樣認為寫實風格的油畫在攝影技術面前已經毫無優勢可言。

大家都知道，自從徐悲鴻在中央美院奠定了中國現代美術教學的體系後，寫實主義繪畫風格一直佔據著教學內容的主流地位。在這樣的教學體系下，中國的油畫家們大多是在油畫名家的指導下系統地學習並掌握傳統寫實油畫的作畫技巧和材料特性，對油畫的歷史和相關理論進行長期的梳理和鑽研。從而獲得了全面豐富的油畫素養，並具有了堅實而嚴謹的油畫基本功。

在寫實主義油畫領域，徐悲鴻之後的吳作人、靳尚誼、全山石、楊飛雲、艾軒、冷軍等人，基本都是中國油畫界的領軍人物。艾軒甚至有過這樣的觀點：中國高水平的寫實主義油畫其實已經站在了世界的巔峰。

先不說艾軒的說法是不是有過譽之嫌，就算真是如此，也很難改變寫實主義油畫風格所面臨的尷尬處境。

對於堅持寫實主義繪畫風格的油畫家來說，他們不希望被世相充斥的假象所欺騙，所以努力尋求用自己的視覺找回屬於自己的真實世界。但是，這樣的時代，顯然不再屬於寫實主義油畫世界了。靳尚誼先生建議年輕人應該更多地去學習國畫，顯然是意識到了寫實油畫所面臨的衝擊，就算真被數字影象技術所淘汰也絕非沒有可能。

如此說來，像趙無極先生那樣的抽象主義油畫作品，或者會有更好的發展前景。趙無極生前的好友——建築大師貝聿銘曾在趙無極畫展的前言中寫道：“他的油畫和石版畫十分迷人，使我同時想起克利繪畫的神秘和倪瓚山水的簡練，我可以毫不誇張地說，趙無極是當今畫壇最偉大的藝術家之一。”

就目前來說，能看懂抽象主義油畫的人並不太多，普通大眾仍然用“畫得像”來當作評判一幅畫藝術價值的標準。其實，這是美學思維和審美能力的欠缺，並不能左右藝術發展的規律。

說到底，寫實主義油畫也好，抽象主義油畫也罷，都一樣有空間、結構、光線和顏色的問題。具象和抽象之間有共通的道理，重要的是獲得新的觀念。只有明白了這個道理，才能去感受到油畫藝術真正的價值所在。

任何形式的藝術有一個重要的前題：一定是適合自己的就是最要的！因為別人的東西只是用來借鑑的！所以要有意識的形成自己的風格！不管是“寫實主義風格”還是“寫意風格”只要是自己的分格就是最好的！縱觀流傳千古的作品都是每個畫家自己風格的才會讓每個觀者感動！讓人一眼就能知道是誰畫的作品！

客觀地說，從十五世紀油畫產生到十九世紀上半葉，在長達近500年的時間裡，以古典主義為代表的“寫實主義”油畫一直是油畫發展的主流，也是最能體現畫家創作意願和油畫藝術價值的畫派。這一點我們從文藝復興時期的達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾、喬爾喬內、提香、丁託內託等，到十七世紀的魯本斯、倫勃朗等，到十八世紀的戈雅、柯里爾、維安等，到十九世紀的安格爾、庫爾貝、德拉克羅瓦、布格羅等等歷代油畫大師流傳下來的大量經典的寫實油畫作品中可以得到充分的印證。

但是，當十九世紀照像技術發明並應用，隨之印象主義油畫抽象主義油畫相繼產生以後，寫實油畫長期以來“一統天下”的格局被打破了，從此油畫藝術進入了寫實、印象、抽象並行發展的多元化時代。“寫實主義”不再是唯一的油畫創作主流，也不能說“寫實主義”是最能體現畫家創作意願和油畫藝術價值的畫派，只能說寫實主義是油畫的一種重要表現形式或者說是油畫的一個重要流派。

藝術是動態的，是發展的，藝術從來都不是一成不變的。藝術總是隨著社會和時代的發展而發展，隨著社會和時代的變化而變化的，藝術家的創作意願和藝術價值的體現也是緊隨社會和時代的。在當今，傳統的“寫實主義”油畫可以體現畫家的創作意願，體現油畫藝術的價值，抽象主義油畫以及非傳統的現代油畫同樣可以體現畫家的創作意願和油畫的藝術價值。比如說達芬奇的《蒙娜麗莎》安格爾的《泉》是經典的寫實油畫，充分體現了畫家的創作意願和油畫的藝術價值，而畢加索的《格爾尼卡》、蒙克的《吶喊》作為經典的抽象油畫和現代油畫，同樣的充分體現出畫家的創作意願，也體現出了油畫的藝術價值。

眾所周知，藝術伴隨著人類自身社會的一路發展的走到今天，由於世界各地域之間文化不同，藝術也產生不同類別，但說到底，藝術是來源於人類生產生活中，沒有哪一項成熟的藝術門類會跨域生活而登上藝術殿堂。即便有，也是沒有理論基礎和上層建築作為依託的，也註定不會藝術長河中留下印記。

   所以，所有的藝術作品皆可找到似曾相識或感同身受的影子。

   寫實主義藝術具有著群體意識，往往代表或象徵著一群人或某一個公知現象，是一種社會“肖像”，某一型別或門派，某一時代的同批作品雖由不同人創作而成，但一定可以從中找到這個時代的共同記憶。

  說到底，寫實主義藝術容易收到客觀事實的影響，在由主觀意識進行藝術改造，呈現了最終的效果。很多藝術家的作品非常抽象，非常無意識化，但我們如果從創作點和背景來試圖理解藝術作品，那麼我們會過的與藝術家創作之初的意識觸碰。慢慢地會變成了一個巨大容器、一條寬闊的河流，成為了一個藝術家可以追溯的關於時間和空間的場域，變成了跟著藝術家的、不斷髮展、不斷更迭的載體。

就油畫藝術而言，各種“主義”用文字表達出來的話，有一連串，比如：古典主義、新古典主義、浪漫主義、寫實主義、印象主義、後印象主義、抽象主義等等，問題來了：有人說“寫實主義”是最能體現畫家創作意願和油畫藝術價值的畫派，油畫注重“寫實”，不只是侷限於將物象描繪的形象逼真，更是要傳達出作品人物的真實情感，發揮色彩代表一切情感情緒的作用，體現作品內容深層的含義，讓人們除了欣賞享受，又能深入思考，從而領悟畫家要表達的思想和社會的現實狀況，這樣的油畫作品才是傑作。

大家都知道，自從徐悲鴻在中央美院奠定了中國現代美術教學的體系後，寫實主義繪畫風格一直佔據著教學內容的主流地位。在這樣的教學體系下，中國的油畫家們大多是在油畫名家的指導下系統地學習並掌握傳統寫實油畫的作畫技巧和材料特性，對油畫的歷史和相關理論進行長期的梳理和鑽研。從而獲得了全面豐富的油畫素養，並具有了堅實而嚴謹的油畫基本功。在寫實主義油畫領域，徐悲鴻之後的吳作人、靳尚誼、全山石、楊飛雲、艾軒、冷軍等人，基本都是中國油畫界的領軍人物。艾軒甚至有過這樣的觀點：中國高水平的寫實主義油畫其實已經站在了世界的巔峰。

我是寫實主義忠實擁護者，不過還在堅持學習中…我覺得畫畫是一生最長情的陪伴！他像一個朋友，陪你走過快樂與憂傷；他又像一位老師，教我做人與做事；她更像一位戀人，一生與我不離不棄！歲月悠悠，唯畫畫靜好！ 

寫實主義又稱現實主義，只不過是不同人翻譯而至，寫實主義翻譯在前，現實主義翻譯在後，意思相同。廣義的寫實主義便包含了不同文明中的許多藝術思潮。在視覺藝術和文學裡，現實主義是一個19世紀的一場運動，起源於法國。

一、寫實主義屬於造型藝術尤其是繪畫和雕塑的範疇。 無論是面對真實存在的物體，還是想象出來的物件，繪畫者總是在描述一個真實存在的物質而不是抽象的符號。這樣的創作被統稱為寫實。

二、寫實主義畫家庫爾貝，他的繪畫作品，最能體他的創作意願和油畫的藝術價值，其繪畫作品是反映底層人民的生活，礦工艱辛勞動的場面，如繪畫作品《碎石工》。他有一句名言:"我不會畫天使，因為我從沒有見過他。"

三、巴比松畫派，是風景畫中的寫實主義的代表，米勒是寫實主義繪畫的重要人物，他滿懷同情地在創作中，描繪農民的生活和勞動。米勒以滿腔的熱情，用油畫藝術描繪農村中的農民在田野上耕作、播種、收穫，雄壯而艱辛的勞動畫面。米勒用繪畫表現農民的偉大，又表達對農民的疾苦、艱辛、忙碌生活的深厚情感和讚美歌。