物質時代，藝術也是奢侈品，有小眾的和大眾的，藝術家的產品也是有物質價值的，對藝術的堅持，其一是對藝術產品物質價值的肯定，其二是藝術家對自己藝術產品的物質價值的希望，其三，是藝術家對藝術市場的希望。

被市場認可的藝術家，已經有了市場的回報，他們的藝術產品在藝術品市場有著很高的價值，他們每一個藝術品都可以換來不菲的物質價值，他們是成功的藝術家，對藝術的堅持就是對自己的肯定，對藝術的堅持就是不斷地提高自己，從而獲得更大的肯定，擁有更高的物質價值。

有一定水準的藝術家，藝術作品由於種種原因不被市場認可，有可能是因為理念超前，有可能是不願意把自己推向市場，將自己的藝術品定位於自我欣賞的位置，這些藝術家往往有著很高的藝術水準，習慣於默默地耕耘，但是一旦有機遇就會一飛沖天，他們可能不以藝術創作為生，但是他們往往視藝術為生命，黃秋園，陳子莊就是這樣的藝術家，黃賓虹也是如此的。

最後一種情況，是大多數藝術的業餘愛好者，有著一定的水準，但是沒有機遇或者水準不夠，一直在不斷地練習提高中，他們對藝術的堅持其實是對自己追求的一種認可，他們的作品可能一輩子都不會創造物質價值，但是，他們的堅持，正是這個社會對藝術真正的認知，就是藝術是一種修身養性的東西，不一定要追求什麼回報，自娛自樂而已。

每一個藝術家和藝術愛好者和從業者，他們的堅持有著各自的目的，正是他們各自對藝術的堅持，讓我們在這個物質時代有了各自對藝術追求的目標。

《吃飽了飯，有了精神生活才讓人覺得有拼頭》

人生需要兩種糧食，一種是物質食糧；另一種是精神食糧。這對應著人的兩大屬性：物質性與精神性。任何人也脫離不了這兩種生存資源也少不了這兩種屬性。

物質資養對人類來說是一種自然生存的基礎需要，精神世界則支撐了一個正常的生活狀態。

圖：馬斯洛需求層次揭示了人類的生存需求，初步則可以分解兩種需求，一種便是物質需求，另一種就是精神需求；

中國古譫有句話便是“倉實而知禮節”！這句哲言道出的就是物質文明所精神文明相互關係。社會因為需求而產生經濟交往，形成了人類最基本的物質生活－－經濟交往。

物質需求除了人類生活的“吃穿住用”的物質需求之外，更多的層次運行於精神需求層面。為了實現“社會交往”“尊重”“自我實現”，人們都得有某種在自己生活圈子中擁有一項或者多項的技能，因為這種技能的出現，你成為這個圈子中某種特定問題的唯一解決者。從而你被成為“被需求”的社會地位。

中國史上的大唐盛世，可能因為那個朝代的主導體更加註重社會的發展，那個時代的文化達到了一種高度。比如中華文化核心地位的“中國文字”，唐楷就成為歷史上發展頂峰。

總結：物質生活保障了人們的生存安全，但是多種多樣的精神文化藝術才讓人類世界就得豐富多彩，秩序井然。在文化的薰陶中，人們才有了更高層次的幸福感！也許這就是真實的生活動力！

首先釐清一個基本概念，在科技物質高度發達的今天，純粹藝術已經逐漸式微，但卻是應用藝術高度昌盛的時代。

以網路為代表的的資訊科技所引發的變革已經將文化藝術的傳播方式徹底改變，純粹藝術走下神壇向市場、向商業妥協，網路文學取代精英文學；多媒體藝術和綜合類藝術取代架上繪畫；流行音樂取代純粹音樂；各種DIY藝術取代嚴肅藝術……這個並非真正意義上的取而代之，而是位置上的取代或說是相互滲透和影響。

十八世紀以來世界空間迅速縮小，各種文化藝術高度融合，神學、哲學、科學、藝術逐步合流趨向混沌與綜合。觀念藝術、行為藝術、多媒體藝術、影視藝術、網路藝術……等高度糅合與綜合的藝術得到快速發展，大眾藝術、“草根藝術”呈現兩極化分離，嚴肅藝術和純粹藝術分崩離析失去銳度。

在我們這塊土地上文化失衡的現象愈演愈烈，這種兩頭大中間細的“腰鼓”狀文化藝術現象在歷史上並不多見，物質和科技對文化藝術的撞擊過於猛烈和迅猛帶來的必然是這種結果――昏鴉如是說。

在人工智慧徹底碾壓人腦後必會揭開人類智慧的最後一塊遮羞布――藝術，那時估計我們只剩下最後的一個終極問題：我們從那裡來？我們是誰？將到那裡去。

那麼，問題是當物質達到一個充分飽和的臨界點時，科技發展到百無禁忌無所不能的時候，我們的藝術是變得越來越金貴呢？還是變得一無是處或是形同“非物質文化遺產”一樣被掛起來瞻仰？

昏鴉燒腦燒毛地遐想也是有些依據的，只是給不了任何有價值的定論，摸石頭過河走一步看一步吧。

物質的時代，對藝術的堅持有何意義？

是的，現在是物慾橫流的時代，人人腦門兒上都寫得一個“錢”字，有利則想叫理想，有錢可圖叫前途。你去問問身邊的朋友們，都在忙著賺錢。這沒什麼毛病，吃穿用住行哪樣是免費的？本無可厚非，但有一點值得注意，那就是利慾薰心，人為財死，鳥為食亡……

這和藝術沾邊嗎？必須的！請問藝術是不是涉及我們的方方面面？懂藝術則在處理事情上會讓你遊刃有餘，其實體現出來的就是分寸感。分寸是什麼？天道盈而不溢，勝而不驕，勞而不持其功，這就是藝術！我在我的文章《美國蘋果公司喬布斯的藝術人生》中講到喬布斯的商業模式，功勞屬於整個團隊，不是某一個人的成功，這就是喬布斯的商業藝術。

我們做任何事情不得三思而後行嗎？從我觀察，還沒有一位藝術家不經過大腦而去創作的，所謂自己不動情如何感動觀者？

上述只是皮毛，最為重要的是藝術會讓你的人生錦上添花。每個人都不一樣，世界上沒有兩片相同的葉子。藝術史中的每位藝術家都不是平庸之輩，我們發現原來還可以這樣說話，原來這樣也可以，藝術家負責顛覆原有認識，打破常規，我們接收新的觀念，創造力由此產生。不論是喬布斯還是別的優秀人才都深諳其道。藝術不會讓你畏手畏腳，大膽前行，做你喜歡的事情。詩和遠方永遠是相隨的……

作為普通人同樣如此，說話不藝術會得罪人，舉一反三你會發現不藝術無生活，要想有遠方，那就好好學學藝術吧！做一個擁有遠見卓識和富有創造力的人！否則，錢是埋葬你的墳墓……

早些年前看到這樣一句有趣的話：和法國相比，美國的企業家只能算是暴發戶。

我愕然，何以如此妄說？要知道，世界首富的寶座，一百年來幾乎都是美華人輪流坐鎮。難道是說美國建國以來只有區區兩百多年，還沒有足夠的歷史厚度與文化底蘊來支撐這個國體？

直到後來看了北大教授孔慶東有關中國富豪是土豪一說，心裡豁然開朗。

可以說，沒有藝術的世界，是動物世界。

物質追求絕對不是人類社會的唯一目標，物質至上只是動物的屬性與思維。比如豬，它的最大願望，就是如何能吃得既飽又好。此外，你給它唱歌、跳舞、彈琴，對它來說都是災難。

話說回來，按理，美國除了經濟高度發達外，其文化藝術上的成就，放在當今世界，也是響噹噹的，緣何說美國的企業家是暴發戶？

其實，拿兩國在藝術的普及方面一比較，差距就出來了。

法國堪稱極富藝術天賦的國度，巴黎更是被稱為世界文化藝術之都，藝術的氣氛，瀰漫了國家的每一個角落。在如此濃厚的藝術氛圍下，整個國家給人的印象，便是溫馨、浪漫、祥和。人們從裡到外，都表現出了高貴、典雅的氣質。可以毫不誇張地說，法華人的人類屬性，是與動物性脫離得最為徹底的。

由此可見，物質的高度發展，離不開藝術的如影隨從，否則，金錢再多，房子再大再豪華，衣服再光鮮亮麗鮮豔奪目，也不過是金玉其外敗絮其中，富豪的別名，永遠離不開“土豪”“暴發戶”這些彆扭的名詞，更與“貴族”一稱，差之十萬八千里了。

藝術對於人類來講是很重要的，它和人類其它文化一樣，能夠對人的觀念起到一定的導向作用，影響著人類的審美觀念。對什麼是美、什麼是正確的美的感受，這是和人類的道德基準息息相關的。人類的道德在不同的時期會發生一些變化，人類的道德本身影響著人類的藝術，而藝術反過來又影響人類的道德。一個有天份的藝術家，他的作品為何會流芳百世？是因為其作品來源於一個人的好品質與豐富的社會閱歷和天生才能。

而近代出現的所謂代派藝術，放棄了對藝術所要表達的、對技法要求的準確、細膩，對明暗、結構、透視關係一定要準確這一原則。創作出的作品完全不管透視關係，明暗過渡，結構的準確。光線也是低沉、陰暗的。完全是人性頹廢的心態表現，沒有給人美的感受。

人類的藝術是神傳給人的，其真實目地是為了叫人看到神的偉大，相信善惡有報，修者會升住天堂。西方藝術的出現，開始是在教堂裡;東方的繪畫，最古老丶最早期繪畫也是畫的神。龐大的宇宙，人真的信神的時候，真的去表現神的時候，神就會給人展現的。那是最完美、最神聖丶也是人類的嚮往與最美好的歸宿。

藝術對人類來講很主要，他能夠在人類社會起到對人的觀念上的導向作用，影響人類的審美觀念，這是和人類的道德基準息息相關的。神傳給人藝術的用意，是(創)(世)(主)最後要傳宇宙大.法，救度眾生。正統的藝術能使人類的道德水平保持在一定高度，不至於過早敗壞，使人類對基本的善惡、是非，對人類最後的大事能作出正確的判斷。詳見dd，dadao。0ne

任何時代，對於藝術的堅持與熱愛，都是一件非常偉大的事。不管是物質也好，不物質也好。

但在物質的時代，純粹的藝術創作，只能是那些有著真正的藝術之心的人，才能夠堅持，對於這樣的人，我是非常的佩服的。

天下熙熙，皆為利來，天下攘攘，皆為利往。在今天這樣的物慾橫流的時代，藝術已經不再是一個特別美好的詞了。

這與藝術本身沒有關係，這是在這個物慾橫流的大時代，藝術也在這個大潮中起起伏伏，變得越來越急功近利，越來越急躁。

很多人覺得現在藝術已經在貶值了，你辛辛苦苦幾天時間創作出一件作品，還不如人家用機器分分鐘搞定，你耗費更多的時間，卻沒有人家的優勢。

物慾橫流，會讓人失去藝術的敏感，變得越來越遲鈍。不說別的，今天又有幾個人真的能夠欣賞一副畫，欣賞一件真正的工藝品呢？

向那些堅持自己夢想的人致敬！

物質的時代，對藝術的堅持有何意義？

一；堅持藝術創作創新的作品，引導更多的人去發現美，欣賞美，生活中，世界裡處處都是美，

二；堅持藝術欣賞，可以更好的品味生活，提升自己的內心修養，

三；不論是堅持藝術創作，還是堅持藝術欣賞，總之藝術可以開啟一個人的智慧之門，

舉例說明；世界上有多少著名建築都是因為藝術作品的誕生而誕生，物質的時代，對藝術的堅持有何意義？意義多的是了，藝術是把精神財富視覺化；物質的時代，發現藝術的作用比堅持藝術的意義還重要，

一水兒的回答都在鼓吹藝術的意義，讓我不禁想直接貼上鮑德里亞老爺子的《藝術的陰謀》，用老爺子的話說：藝術到底有沒有價值？它太沒有價值了以至於不可能真正地膚淺，它也太膚淺了以至於不可能真正地無價值。傳遞了一個意思，能夠回答這個問題：當代藝術不再是透過表現空洞來反對空洞的藝術，而是徹底淪為了空洞的藝術，完全失去了存在的理由。

我知道很多人肯定會立刻來反駁，我為了表明更清晰的立場，則需要劃定範圍——我們要確定在討論的是90年代以後，發生在現在的藝術形式，所謂的當代藝術，因此想用古典藝術或現代藝術例子駁倒我先可以停一下，另外我也需要強調討論當代藝術的一定哲學理論基礎。——這是最無奈最讓人膈應的地方，當你想採取批判的態度——如果批判還存在的話——應對當代藝術時，你不得不採取當代藝術的權威詞彙和套路，你開口的時候已經“輸了”。批判也成了當代藝術賴以延續其死亡的血液。（這裡的申明正是最“純正”的當代藝術姿態）

·從兩個重要的藝術家說起，杜尚和沃霍爾。對於鮑德里亞而言，他們並不代表著藝術的消失，而是一次美學的飽和。杜尚把庸俗常見的東西變成了藝術品（現成品），藝術品不再創造一種超然的景觀、敘事和宏大的崇高。而沃霍爾則是將影象-符號直接轉換作了藝術品，亦不產生新的美學。

·個體不再是個體，他很難再脫離話語和評論之外獨立存在，那藝術所應該帶給觀眾的個體化結晶過程也被打破。用鮑德里亞的話說，是一種“總體的合謀”。在他之前，丹託在歷史終結觀基礎上也提出過“藝術的終結”，但當代藝術的境遇與當代歷史和政治並無二致，“奧秘不在於它們怎麼消失，而是它們怎麼繼續存在”。茁壯地存在是消亡的是一種方式，是一場關於藝術的合謀，每個人都參與到其中來，藝術家、策展人、評論家和理論家都在醞釀著一場陰謀，觀眾無意識地參與進來而不自知。

·鮑德里亞將藝術對幻覺的慾望與性關於慾望的幻覺做聯絡，二者面對的均是客體和表象。“現代性的狂歡就在於對客體和表象的興奮解構”，這是現代藝術一直以來做的事情，從後印象派、野獸派、立體主義、到抽象表現主義，極簡主義，藝術想要穿越幻覺、表徵和意義，直到純粹的抽象，剩下了純粹的形式玩味，無意義和空洞。而當代藝術則用自我宣稱無意義和空洞，試圖製造反常的審美快感，以及將平庸推向反諷的層級，然而這更是空洞的，當代藝術在堆砌空洞中延續死亡。

·整體的藝術話語在極力掩蓋當代藝術的空洞性、無意義性、無功用性，這比無意義本身帶來的虛無感更讓人討厭，它提供了虛無存在的一切理由，而藝術話語嘗試建立的語詞霸權具有封閉性，將觀者隔離開來，任何智性的懷疑都成為“無意義”的虛無中發現的“意義”。藝術家應當為觀者提供與之一起個體化的機會，然而絕大多數情況下，藝術家所做的是維護維護當代藝術的神話，採取無特殊美學價值的策略，反應生澀的現實，維護話語權以及詆譭觀眾。觀眾的個體化或去個體化過程不是個體心靈獨立完成的，而是在詞語的引導下，進入虛無的意義建構中。

·合謀的意思在於，圈內人，無論是策展人或藝術家他們意識到了自己所在的“陰謀”背景，卻依然積極地參與到陰謀的實踐當中，藝術家提出的觀念並不直接面對觀眾，而是面對大寫的、更迭的藝術話語，一個藝術觀念是否行得通，不由外界決定，而由藝術自己來決定，自己賦予合法性，白盒子是自我指涉的墳墓，觀眾們不停歇地參與著這場永恆的葬禮。

·直接飲用一段話：“我們對繪畫的崇拜乃是數世紀漫長適應過程的結果，因此與藝術或心靈無關。繪畫創造了它自己的接受者，它在根本上是一種習俗性關係。”(Combrowitz致Dubuffet)唯一的問題是：這樣一部機器在批判性幻滅和商業性狂熱之中如何繼續運作?如果它繼續如此，這樣的魔法行為還能持續多久?一百年?兩百年?假如藝術有權獲得第二次的、不確定的存在，它就會就像某些秘密部門一樣，這些部門如我們所知有時並沒有任何秘密可以偷竊或交換，但依舊從關於其有用性的終極迷信中得到滋養，鞏固它們自身的神話。”