靜物，風景，人物取景選擇得有情趣，色調得有反差特色。有粗曠的堆砌，有細膩的寫實。有選材的巧妙，有繪者手中功力。如雨中渤海大樓小景。如母親。再如沙皇伊凡雷蒂。有細膩寫實，有模糊不清。

不論畫什麼型別的繪畫，在動筆之前，要考慮的事情太多太多。比如，欲想畫國畫之前，首先要考慮會不會用筆？對所畫物象熟悉不熟悉？能不能提煉出物象的神韻，進而營造出意境？對構圖和佈局有沒有獨到之處？等等。所有這些都是建立在學習過國畫的基礎之上。

波提切利《春》

實際上，油畫跟國畫都屬於視覺藝術，都是透過畫面形象、內容、思想、趣味，來激發觀者的想象空間和審美感覺，進而得到藝術享受。在創作時，國畫和油畫需要考慮的事情大同小異，但兩者還有不同之處，油畫主要表現在：

達芬奇素描《沐浴的聖嬰》

其一，畫油畫必須要有較高的素描功底，否則，畫出的形象如同一個有肉沒骨的空架子，給人感覺沒有精氣神。

“以形傳神”是油畫的第一要素，如果連最基本的造型都畫不準確，比例失調，形象鬆散變形，在視覺關係上，首先是看不到美感的。

雷諾阿《船上的午宴》

其二，畫油畫時，要選好觀察視角，有助於增強畫面的立體感和層次感。

就拿油畫中的人物肖像來說，畫家都喜歡以45°的觀察方式，來刻畫人物的側面。因為從側面入畫，光線在人物身上的明暗關係很分明，一半明亮，一半有陰影，能突出人物在三維空間裡的表現力，以及體現人物的立體感。

梵高《花園花開》

其三，對色彩要敏感，能很容易分辨出不同色彩在不同光線下表現出的色調。

比如，同樣是紅色，紅色在亮光和暗光，甚至無光狀態下，它表現出的色調截然不同，這就需要畫家進行長期觀察後才能逐漸掌握。如果這些沒掌握準確，在油畫設色上容易出問題。

安格爾《拉斐爾與菲娜麗娜》

其四，對油畫最基礎的技法要熟練掌握，只有如此，在畫畫過程中才能得心應手。

國畫基本技法有勾、描、皴、擦、點、染，油畫創作同樣有挫、揉、拍、掃、砌、塗、刮等10多種基本技法，每種技法創造出來的畫面形式和趣味完全不同，作者根據創作需要，才臨時運用。如果對它們掌握不夠，就沒辦法下筆。

畫油畫之前要對物體和環境進行整體觀察。人民的藝術家徐悲鴻先生常說『致廣大盡精微』，辨證地告訴我們：畫油畫時怎樣觀察？觀察得好，你畫油畫時才能心中有數，才能表現得好。觀察的方法有三種：一，是整體觀察。二是區域性觀察。三是對比觀察。觀察的內容有兩部分：一部分是觀察物象結構形體比例。二部分是觀察色彩（色彩的色相，純度，明度，這些色彩的立體空間關係等）。當我們色彩形體觀察於心以後，畫前還要進行色彩的整體感覺，即：要給我們所畫的油畫定調子（是暖色調還是冷色調或是中間色調）。一副油畫的調子就象一首音樂中的和玄一樣。又象一場戰爭的戰略方針一樣。使各種色彩在對立中統一協調起來。畫色彩畫的人都知道這句話：色彩憑感覺，結構靠理解。這句話的含義。所以色彩僅憑觀察是不行的。

當人們凝眸於一幅幅精美的油畫前，在為畫面所打動真切感受藝術之美的同時，也深為歎服畫家精湛的畫技高超的表現手法和新奇的創造力想象力。而畫家創作一幅成功的油畫也殊非易事。

畫家創作一幅油畫，就如同作家創作一部小說，動筆前需要做很多的工作。

首先，要確定畫什麼題材。這是非常關健的一步，也是提綱契領的一步。而題材往往是一個很廣泛的範疇，需要畫家從很多熟悉的題材中去過濾去篩選去最後敲定，這是對畫家綜合能力素質的檢驗。只有先把畫什麼題材考慮好，才能做接下來的工作。

題材有了，接著就該考慮怎麼來表現這個題材。這就涉及到構圖、造型、用光、用色、明暗處理、結構佈局、主體和背景處理等等，這些都需要在動筆前有一個基本的思路和框架，就跟寫文章之前要先醞釀，先打腹稿一樣。胸有成竹才能畫好竹，講得就是這個意思。

油畫創作不同於中國畫，因為它的光色運用相對複雜，畫家在創作中一蹴而就一氣呵成的現象並不多見。這一方面可以說是油畫創作的一個優勢，即邊創作邊修改邊調整的餘地大一些，但同時也說明創作油畫是比較費時費事費力的

據說，達芬奇創作《蒙娜麗莎》從構思到成畫前後用了14年時間。著名的經典油畫《睡著的維納斯》是喬爾喬內在世時畫的最後一幅畫，但直到他去世，這幅畫也沒有畫完，畫中的藍天、白雲、土丘、房子、草坪等背景畫面是提香後來新增上去的。被世界許多國家列為人體藝術繪畫教學範本的《泉》是安格爾用了26年時間完成的。而這期間有25年他一直都在構思這幅畫怎麼表現，在最後一年才真正動筆並完成了《泉》的創作。等等。大量事例證明，畫油畫之前要思考的方面是很多的。而且還有一個前提條件，就是在多看多學多練的基礎上，使自己具備相應的繪畫技巧功底並有獨立的思考和審美判斷能力。

容餘武斷地臆設下此問題的狀語從句部分，即“畫油畫之前”，可能有三種情況，1，是毫無油畫、美術訓練的素人。2，有一定基礎，尚在此行的學生或者專業人員。3，已經技法嫻熟，被人認可的畫家。如此細想，該去思考哪些方面，便橫生出無數問題。回答也很困難。

但若拋開所有這些顧慮，其實問題的要旨在於，什麼是一幅好的油畫，什麼樣的油畫，才能讓創作者自己滿意（姑且不論市場、觀眾、官方、贊助方等欣賞水準和評判標準），我想最重要有兩方面需要去思考的，1，我要表達什麼樣的思想、故事、場景、理念、心情。2，我如何用油畫的畫具的材質，和技法來充分展示上述我需要表現的的東西。（既然這個問題限定了必須是談油畫）。

對於油畫的材質體驗，下圖的女士肖像可以做個例證， 該畫由 安託尼斯·莫爾在距離4個半世紀前所繪。如果有幸能近距離地端詳。這種體驗帶給人這麼一種感受：4個半世紀前的弗蘭德斯畫家安託尼斯·莫爾，用他的畫筆和油彩在木板上創作完成這件作品，而後幾百年的歲月依然在繼續塑造著它——油畫的顏料依然鮮豔，但因為塗抹的很薄，如今已與木板結合為一體。如果放大看這位女士的面部，你會發現隨著歲月的流逝，木板原始的紋理不經意間從顏料中顯露出來，已然與她的面龐融為一體，這些紋理使其面部神情更加豐富並具質感；兩塊木板拼接的縫隙，也經歷時間的塑造，為背景憑空增添了一種空間感，讓人物與背景有了一種戲劇性的呼應。

——這就是文藝復興時期歐洲北方藝術家們相比南方的大師所佔便宜的地方。他們用木板和油彩作畫，相比那些蛋彩畫、溼壁畫來說，更能歷久彌新，讓今天的我們依然可以不打折扣地看到畫作本來的細節，而他們正是憑這令人窒息的、精美的細節征服了當時的王公貴族們。

以上供各位參考。

恭一回答如下：

在畫油畫之前，要懂得色彩的根本是什麼？如何才能掌握色彩的根本？

色彩的根本用六個字概括：定大調、設四問。先學會用四問定大調，用四問定大色塊，用四問找大色塊變化，用四問分明暗部色彩。畫不好沒問題，主要學會方法。

如何才能掌握色彩的根本，《恭一帶你畫》小程式裡有課件詳細講解。下面把學員學課件的成果分享給大家。

該同學一直按照我的《掌握色彩的根本》課件自學色彩，每張作業都發給我看，一幅幅一點一滴的進步，日積月累色彩基本入門了。如今他能熟練的運用定大調設四問的方法推導色彩，並且能把色彩處理的溫潤舒服，這很不容易。隨著方法的掌握下一步他的色彩會更有色彩感。

他們學色彩的方法是，先熟讀課件，把理論方法理解透，然後按要求一個問題一個問題解決。

大家看看他的作業

想蓋好房子。首先要選地基，選好材料，設計好方案，找什麼人施工？如何裝修這個房子，房子建出來時給什麼人居住？

同樣畫油畫也好，畫國畫也好，任何藝術在你動筆之前首先有立意。即你想表達什麼？是表達你內心什麼樣的想法？積極的，或者是悲觀的？其次，你想透過畫人物畫，還是風景畫，或者是靜物畫才能達到你要表現的那種想法！

畫油畫之前，或者是其他藝術創作之前，首先要有想法，有想法後才有行動，這個叫做意在筆先！

畫油畫，分為創作和寫生

特別是畫一幅大型油畫創作之前，需要做大量的準備，思考的工作

1首先是從現實生活中收集素材，特別是收集對你內心有觸動，震撼你內心的素材

個人拙見，藝術創作，一定要有感而發，如果你畫自己毫無感覺的素材，你是畫不出作品的靈魂的

比如畫家列賓，之所以創作出經典畫作《伏爾加河上的縴夫》

因為，某日畫家來到涅瓦河畔遊玩，看見一群蓬頭垢面，衣衫襤褸的縴夫，套著繩索舉步維艱，艱難前行的場景，列賓自己也生活在社會底層，深感底層勞動人民的悲慘生活，所以畫家心靈深受震撼，決定借縴夫題材，真實反映俄國底層勞動人民的貧苦現狀

2構圖，思考一幅畫面的整體佈局，整體框架構造，最好畫素描草圖

素描草圖是每一個油畫家進行油畫創作之前的必要準備工作

素描草圖，是畫家進行大型創作之前，思考的畫面構圖和骨架，佈局安排，需要反覆推敲，反覆斟酌

列賓在創作《伏爾加河上的縴夫》之前，就畫了大量素描草圖，思考這幅畫的構圖，佈局，直到畫家滿意，再根據素描草圖的構圖，來創作油畫的色調

當然，也有一些畫家從來沒有畫素描草圖的習慣，比如夏俊娜，申玲，閆平等等

3思考一幅畫的色調佈局

色彩是油畫的靈魂，所以一幅油畫色彩很重要

畫面一定要有主色調，比如畫家閆平的下圖作品，畫面主色調為綠灰色，黃灰色

還有畫面必須有色彩冷暖對比，比如畫家夏俊娜的下圖油畫靜物作品，畫面大部分冷色調為主色調，水果暖色調對比

4意境，油畫意境也很重要，關係到一幅畫的內涵和靈魂

比如意象油畫家歐洋，她的油畫注重表達中國畫意境之美，所以她一改西方油畫濃郁的色調，採用清新淡雅的色調來表達中國畫超凡脫俗的意境

畫中荷葉若隱若現，筆斷意連的感覺，都是中國畫元素的意境

二如果僅僅需要畫一幅油畫寫生的話，那比大型油畫創作相對簡單

比如你只是畫一幅油畫頭像寫生，那你只需要思考構圖，頭像的結構是否準確嚴謹，刻畫是否深入，畫面色調，畫面質地對比等等

什麼是油畫的質地對比，就是畫面的處理方式一定要不一樣，不然會死板，呆板

比如畫家張利的油畫頭像，畫中頭像處理很嚴謹準確，背景，衣飾採用大塊筆觸揮灑，很鬆散奔放，所以畫面有鬆緊節奏對比

總結

1對於大型油畫創作而言，創作前最好思考對你有觸動的創作素材是什麼，然後是畫畫構圖骨架，色調，意境等等

2對於油畫寫生而言，那你只需要思考構圖，頭像的結構是否準確嚴謹，刻畫是否深入，畫面色調，畫面質地對比等等

首先畫油畫會思考兩個問題，我們畫油畫一方面是主題創作，主題創作就和那種宣傳畫一樣，這是我們運用繪畫技法完成一種設計，這種設計它是符合當下政策、環境、外在需要的那種命題式的繪畫作品。這類作品要考慮到很多因素，要收集素材才可以去完成。

另一類作品，不是停留在完全理性的去思考或者命題，是當下“你”的一個狀態，是真實的一種意識形態和你的手達到同頻的一種真實寫照，這樣子的作品它是不受外界環境影響的，你本身所流露出來的這個東西，其實它已經是創作了，是最本質的、最真實的一種創作。

它是經過冷靜的思考，找到你自身的（就是你作為藝術家本身的）一種狀態的。它是一種真實流露，是一種意識形態，繪畫之前的時候有理性的部分，包括你的繪畫的一個大的方向。因為每個藝術家都有他自己的感興趣的一個點，理性思考的一個面。但在繪畫的過程中有很多偶然性的東西——畫面。一個好的畫面，它會向你去追問，是不自覺的它就會向你索要畫面內容。

這個過程不是刻意的。你會不自覺的達到你的一個終極想要的效果，而在繪畫之前是達不到的，它是一種偶然性的東西。所以說繪畫前的思考，它絕大部分是佔有理性的部分，而繪畫本身不是一個絕對靠思考去完成的任務。

所以我們在繪畫之前要考慮到：你是命題型的繪畫（就是符合環境需要的，或者是符合一個大環境給你的一個命題性的創作），還是你自己本身真實的意識形態的流露？就和禪修/打坐一樣，你的內心和行為達到絕對同頻的時候，在“這個”時代當下的“這個”時期/眼前的“這個”時刻，真實的表達，這樣的作品才是最打動人的。

但是“命題”的作品，它有一定的宣傳作用。這樣的作品具備一定的繪畫技能，它是拿著技能和你的活躍的設計理念，去完成一張油畫作品。這類的畫一般是一些繪畫型的官方展覽更加需要這樣的作品。

更多的繪畫前的思考是“你”繪畫之外的、“你”本身的一個生活狀態，“你”的行為，“你”平時的為人處事，“你”的生活習慣等等一系列的外在的因素，才是“你”繪畫這個主體本身的一些養分的來源，所以更多的是去體會這一塊：“你”是怎樣的一個人，“你”應該畫怎樣的一個作品。然後你在進行繪畫創作的過程中，絕對不是透過思考去完成了。它是不自覺地會完成，越來越達到你那個想要的終極效果。

它是一種流露，很直接的一種流露，一種自我傾訴，無聲的傾訴。所以說它必須得真實，首先打動“我”的，那一定就會打動別人。這樣元素的繪畫作品，它更多的是在繪畫的過程中形成的。所以在繪畫之前需要很冷靜地思考“你”當下的狀態，包括“你”的人生觀的態度，“你”的哲學觀，世界觀，都是你繪畫的前期思考的很重要的部分。

你是藝術家還是設計師，在這裡就顯而易見。一個好的藝術家和一個好的設計師，他是不一樣的，他的那種感性和理性的分配是不同的。設計師他思考的更多，他有一定的設計理念；但繪畫，它是一種意識形態的更多一點，它是一種由理性到感性思維的交替，而去達到一種真實表達自我的狀態。

注意在這裡也不用去思考：“你”的技術怎麼樣，“你”的顏料好不好，“你”的畫布符不符合要求，這都是前期完成的工作，在流露的時候，“你”的技術，“你”學的造型，也許往往它的使用的度還是要可控的，它並不是把你的所有的造型因素全都得化出來，有的人他就是缺少了這種意識，他就會把一張畫照著這個實景去模仿的特別特別的像。

因為所有的繪畫物件只是傳達給你那種感覺，只有感覺才是一種相對真實，而不是物象。我們眼睛所看到的物象，往往它是不完全真實的。因為它帶給人的感受是不同的，每個人的不同的感受相對於個體來說是一種真實性現象，所以有時候要思考這個問題。所以我們不能被所創作的這個命題或者方向，或者是因為展覽而去創作，而去繪畫。畫其實是和外在因素沒有特別直接關係。

它是你本人的真實的一種和當下的環境、政治、科技等其它方面的帶給你的感覺，然後再流露出來的東西。

因此畫油畫既是一個需要去思考，同時還不能過於思考的一種狀態，這裡面怎麼合理的去分配好你的感性和理性的思維，怎麼去駕馭它，是一個簡單而複雜的問題。

著手油畫之前，應該先考慮對錶現形式的喜好取向。

如果喜歡寫實，那麼對個人的結構造型能力要有所苛求，可臨摹些西方古代寫實作品如宗教、歷史肖像、靜物等題材，按題材喜好選擇高品質的印刷品臨摹。不建議臨摹“電子顯像圖”。

如果不喜歡寫實，可以臨摹近代印象、抽象類作品。不建議臨摹“電子顯像圖”。

設計構成表我會先做。在上小色稿。覺得味道對了在起稿。

人物類我傾向表情，狀態的表達。

風景我喜歡動景與靜景對比。

景物可能選擇斜陽類，逆光類。個人喜歡恬靜的景物共鳴。

畫前個人喜歡多看，根據感受改變一下。畫的時候其實我堅信手比腦聰明。不喜歡改變太多自然的感受。

畫油畫之前應考慮哪些方面？對一個只畫油畫的人可以這樣問。但是，對一個不僅僅是畫油畫的人而言，應該問的應該是創作之前應考慮什麼？因為藝術作品除了抄襲、摹仿，就是創作。而創作呢？應分為給定主題創作、自定主題創作和隨機創作。但不管是什麼創作，都離不開“主題”——即你想透過你的作品表達什麼？就繪畫而言，就是你應該畫什麼、怎麼畫，才能激發觀賞者的共鳴和聯想。當你構思清晰了以後，你就可以根據你的構思要求，確定畫作應該使用的材料、幅面大小和表現技法，從而創咋出你預期的作品。若要展開細述，篇幅會很長，只好就此打住。