回答這個問題之前，想起一句話，藝術源於自然，高於自然。比如寫小說，對人物的描寫要達到偉神的地步，必須要對各種人進行深入的觀察，透過大量的觀察，積累了各種形象，下筆才能揮灑自如。人物繪畫也是同樣的道理，只有透過真實的人物觀察，創作，才能在自由作畫裡，心意想通，作品才能有生命力。

每個模特都有自己獨特的氣質和個性，一顰一笑都有自己的風味。憑想象畫，也許就千篇一律，千人一面，畫作水平難有進展。畫人畫骨難畫心，只有畫出一個人的神韻，透過外表來體現一個人的心思和想法，才是上乘佳作。畫家只有透過模特，仔仔細細地觀察模特的一舉一動，才能抓住他(或她)特有的氣質和風采，使得自己的畫作具有憾人心魄之力，也更具有美感。如齊白石畫的蝦，如果他不是長時間觀察蝦的習性，他也畫不出蝦的神韻。這蝦就是齊白石的模特！

看創作什麼題材的啦！如果是寫實的，必須看真實的模特。因為要表現自然狀態下事物的各種關係。照片和真人都是兩回事的。其它的創作可以憑想象力的。

不可以，藝術源於生活高於生活，繼承傳統，才能更好的創新，只有練好了寫生，還能隨心所欲創作，才能畫出你心中美麗的畫面。所以，模特必須要有，勤加練習哦。

美術畫畫，畫寫實必須要有模特，這樣每個細節都會展現的非常完美，我作為一名美術生，當年也被當過模特，同學之間都相互的學習，三人行必有我師。分享一下美美的寫實手繪作品，我是小小蘇，一名手繪頭像設計師。

我認為行。可我認為有什麼用呢？那些留長髮、戴歪帽的畫家藝求家們該輕地譏笑我鄙陋、不懂了。可真的需要畫模特嗎？我是說人體模。真的只有畫裸體才行嗎？

看來，文學家還是比畫家有底線。因為若是找理由，文學家肯定比畫家雄辯。

“模特”對於美術繪畫的重要性是非常大的，歐洲文藝復興時期的天才藝術家拉斐爾曾說過：“我為了創造一個完美的女性形象，不得不觀察許多美麗的婦女，然後選出其中最美的一個作為我的模特兒”，問題來了：美術創作為什麼非得要模特，憑想像創作不行嗎？

開篇簡單提到天才藝術家拉斐爾所說的話，目的就是為了說明，一幅優秀傑出的畫作，離不開模特的“功勞”，藝術家的技法再精湛，若沒有一個身材氣質絕佳的模特，創作出來的作品總是讓人感覺不夠完美，有真實的模特和藝術家一起創作，不僅多了幾分樂趣，而且描繪出來的畫中人物也更形象逼真，

當欣賞了足夠多的西方畫家的作品之後，就很容易相信：女人模特，會給畫家帶來創作的靈感，“靈感”這東西是極其微妙的，或者可以說，來去都是一瞬間，畫家要是缺乏創作靈感，拿著畫筆都無從下筆，即便下筆了，創作出來的作品都是千篇一律，甚至毫無靈魂，

不僅寫實畫派需要模特，就連抽象畫派也要模特，20世紀的“立體主義”藝術大師畢加索之所以有源源不絕的創作力，使得他的聲名久久不墜，那是因為畢加索有許多繆斯女神，他和這些女模特的每一次戀情，都帶給他豐富的靈感；當然了，也有不需要模特，只憑想象創作的畫家，比如，“現代繪畫之父”塞尚，

塞尚後期不用女性模特，所畫的許多“浴女”圖，都不是看著女模特畫出來的，大部分是幻想中湧現的輪廓，他是借這些題材來表達內心的意念。還有就是，攝影技術誕生之後，很多畫家都是直接對著攝影照片進行臨摹，這樣的創作，依靠的都是技巧，創作出來的作品，同樣也是缺乏情感，因為這過程中，沒有“畫家與模特溝通交流”的環節。

美術創作，確實需要模特，個人拙見，特別是對於人物創作而言

特別是對於創作寫實古典油畫人物的風格而言，是肯定需要模特的

西方美術史上，文藝復興時期，至新古典主義時期，繪畫題材許多都是取材於希臘羅馬神話中的諸神

神話故事中的諸神人物，是人類虛空想象出來的。

中國春秋戰國時期，哲學家韓非曾說：“畫鬼魅易，畫犬馬難。”

畫人，如同畫犬馬生活中存在的實物，畫得不像容易受人批評，而畫鬼魅，是人類想象的，誰也沒見過，所以畫家可以憑空捏造，想怎麼畫就怎麼畫

那麼，創作宗教神話中的諸神人物，諸神是人類想象出來的，那麼，畫家是不是可以憑空捏造神話中的諸神？

其實不然，畫宗教神話中的諸神，同樣需要模特，為什麼？

因為，西方美術史上，其創作的傳統根基是客觀寫實

而創作人物油畫，其人體結構的複雜，人體肌肉的複雜，動態的複雜，造就了創作人物油畫的難度很高

所以人物畫的創作，必須有模特參考

但是，創作同樣需要現實生活中的模特，然後把現實生活中的模特，神化為宗教神話中的人物，賦予畫面神聖，崇高，聖潔，典雅的理想美畫面。

比如文藝復興時期美術三傑之一，拉斐爾，擅長畫聖母畫，創作了許多經典的聖母畫，如《西斯庭聖母》

《椅中聖母》，《花園中的聖母》

千萬不要以為，拉斐爾畫筆下端莊，典雅，聖潔的聖母形象，是拉斐爾憑空想象出來的，同時也沒有模特參考。

其實不然，拉斐爾畫筆下的聖母畫，是有原型的，是拉斐爾的情人弗納麗娜

19世紀中葉，拉斐爾前派畫家羅塞蒂，創作的油畫作品《帕爾塞弗涅》，同樣取材於希臘神話，畫中的帕爾塞弗涅是希臘神話中的冥後，但是，羅塞蒂畫筆下的命運女神，也不是憑空想象的，而是以妻子賽德爾為模特創作了這幅畫

所以，西方美術史上，許多畫家，創作宗教神話題材的繪畫創作，都會有模特為參考創作

由於文藝復興時期，至新古典主義時期，繪畫藝術的創作，其創作宗旨是表達高雅，聖潔，莊重的理想美，所以，自然以現實生活中的模特，然後經過畫家巧妙的藝術化處理，神化為宗教神話中的諸神人物。

現在許多畫家創作，許多名家創作寫實風格的油畫，都有自己的專屬模特

但是，也有畫家，憑著自己驚人的記憶力，平時積累練就的深厚的造型功底，靠默畫創作

比如素描大師門採爾

還有油畫家俞曉夫，畫創作全靠默畫，但是，默畫的前提是，你必須具備驚人，卓越的造型能力，需要長年累月的積累

就像工廠加工機械產品要有產品的樣板模型一樣，美術作品想要創作的有模有樣，形象逼真，形神兼備，栩栩如生，也需要有模特作參照。正如畫山要觀察山熟悉山才能畫出山的氣勢，畫水要觀察水瞭解水才能畫出水的韻律。人物畫更是這樣，要畫出人物的形貌表情神韻氣質，沒有人物模特在現場做參照是不可想象的。

在繪畫領域特別是油畫繪畫領域，人物寫實通常被認為是比較難的。不僅是因為人的形體比較複雜，如五官、身體四肢包括手足，各個部位的形狀長短胖瘦比例都是不容易描繪的，而且人的表情氣質更難靠想象描繪，更不要說每個人的情狀都不同。人不同於山水花草，也不同於很多靜物，人是有血有肉活靈活現的生命個體或群體，如果沒有模特做樣板，任憑再高的繪畫技法也是不好把握的。

人物模特實際上早在2500年前的古希臘時期就有了，那時的許多人體雕塑都是依據真人模特創作出來的。十五世紀油畫研製成功以後，其造型具象的優勢體現出來，又適逢文藝復興運動，寫實油畫應運而生。為了使油畫作品造型精準形象逼真，借鑑古希臘時期的雕塑經驗，這時的人物油畫開始普遍採用以模特為原型來參照創作，比如達芬奇的《蒙娜麗莎》、拉斐爾的《聖母瑪俐亞》、喬爾喬內的《入睡的維納斯》、魯本斯的《三美神》、安格爾的《泉》等等都是畫家根據作品要表達的主題和思想情感的需要，甄選僱請現實生活中的真人為模特創作出來的。

經過長期的創作實踐，人物模特在人物繪畫中不可或缺的重要作用日益呈顯出來，模特成為人物繪畫作品成功的前提條件，成為人物繪畫創作的重要組成部分，甚至有人說好模特是人物繪畫成功的一半，等等，由此人物模特被納入到美術教學美術創作體系，在美術領域特別是人物繪畫領域得到了廣泛應用。

在美術創作中，世間萬物都能成為畫家的創作客體，而模特在這其中充當著不可或缺的作用。這時候有些人可能會困惑，美術創作本來就是藝術範疇，為什麼不能夠僅憑想象完成創作，一定需要模特的輔助呢？下面我將從兩個方面去分析模特的重要性。

對於美術創作來說，不管主題是什麼，任何的作品都需要靠視覺形象來反映一定的思想內容。而美術作品的作用有兩個，其中一個是美術作品所塑造的形象，把觀眾帶到了畫家想要反映的一個藝術氛圍之中，引起內心思想強烈的共鳴，進而產生精神認可。在中世紀的西方國家，想要做到這一點，想要讓觀賞者對美術作品產生精神上的認可，想要讓觀賞者在內心世界主動去接收美術創作中傳達出來的訊息，最直接的一點就是讓宗教精神在其中就充當著一個媒介作用。美術作品因為宗教精神的干預，信眾理所當然成為第一批接收者。

美術創作出來的事物，讓廣大信眾腦海中模糊的神祗形象逐漸清晰，並隨著不斷地強調，慢慢在心中形成相對穩定的形象，從而使得他們信仰的神祗有一個具體的物象，而不是空中樓閣。就這樣，美術創作出來的人體具有了權威性與可觀性。所以，在中世紀期間，美術創作的發展是被教會控制著的，不管是雕塑，還是油畫，無一不存在宗教神學的氣息。

其實，基督教發源於公元1世紀的羅馬，在基督教剛剛發展的初期經歷坎坷，基督教徒不斷受到迫害，為了躲過官方的搜查，基督教徒只能把宗教儀式轉移到一種公共地下墓窟，藝術家們就在這種墓窟的天頂和牆壁上畫滿了各種聖經題材的壁畫。後來羅馬皇帝承認了基督教的合法地位，並把這一長期遭到羅馬帝國鎮壓的新宗教為國教。地位上的改變，導致待遇的不同。此後關於宣傳宗教的壁畫、雕塑和油畫就屢見不鮮了。中世紀最著名的就是教堂藝術了，如拜占庭風格的聖索菲亞大教堂、羅馬式風格的聖塞爾南大教堂等。與此同時，祭壇畫和聖像畫也發展迅速，還出現了用於教堂裝飾的玻璃鑲嵌畫。

聖像畫的出現是意料之中，因為在宗教神權的思想裡“人體是最尊貴的”。這樣看來，貌似以前的西方人就知道自身的價值了，但是別誤會，不是誰的身體都是尊貴的，你以為他們會隨隨便便畫一個乞丐嗎？這裡所謂的聖像就是指神的形象。那時候大量的聖像廣為流傳，而畫中主角無外乎都是一些天神，如《三聖像》《彼得與保羅》《十字架上的耶穌》以及聖母瑪麗亞各種寫真，如拉斐爾的《椅中聖母》《金翅鳥聖母像》等一系列作品。聽著挺像回事的，但是仔細一看這些天神，與我等凡夫俗子有什麼差別？

這一點魯迅就有同感。魯迅說過：“描神畫鬼，毫無對證，本可以專靠了神思，所謂天馬行空似的揮寫，然而他們寫出的，也不過是三隻眼，長頸子，就是在常見的人體上，增加了眼睛一隻，增長了頸子二三尺而已。”意思是就算你想要天馬行空的進行美術創作，可是到最後呈現出來的效果不過是在普通的事物上進行改造，這一點在很多聖像畫上都有體現。

至今儲存在莫斯科特列季亞科夫畫廊裡的《三聖圖》是由俄羅斯最早的著名畫家魯布廖夫創作的，然而雖然是聖像畫，但表現出來的不是中世紀天使的體態，而是活靈活現的人。還有出生於拜占庭的格列克有生之年創作了許多壁畫和聖像畫，但是他的壁畫敢於突破傳統，注重在聖像上刻畫類似人的內心世界，具有內在的表現力。

這些聖像畫說白了就是以人類為模特的，換句話說，每個人都可能是聖像畫的參照模板。只因為在信奉宗教的人們心中，作品中的天神就是美的化身，不管長相如何，都是帶著崇拜濾鏡的，是他們心目中的權威，沒有任何質疑的餘地。他們甚至不敢相信上面的人其實長得跟他們差不多。

哪裡有什麼天神呢？我們每個人都可以成為天神的參照物！那些數以萬計的聖像畫中，只不過盛裝著人類的面容。

正所謂， 藝術源於生活高於生活，藝術家們就是透過自己的畫筆“發現美並且展現美“。你可以覺得這些美術創作都是來自生活，來自人間。就算是畫家，他們也不過是普通的人類，縱使想象力比一般人豐富，他們想象的空間也無法脫離地球，他們創作出來的作品還是與這個世界有關。之所以有模特，就是讓其成為靈感繆斯，激發更多的創作可能。

美術作品有一個作用是觀賞者根據自己的生活體驗來認識和豐富了作品的內涵。就算是對同一幅油畫進行解讀，不同的人能理解的深度也是不一樣的，它同觀賞者的素質條件審美水平有著很大的聯絡。因此我們不能只把眼光只放在作品客體實際的美醜之上，還要走進人物的內心，去了解更豐富的內容。

比如最為人所知的《蒙娜麗莎的微笑》。千百年來，儘管大家都很好奇畫中的女子是誰，但人們更在乎的是她神秘的微笑。毫無疑問，這個女子曾經真實存在過，可是畫家以她為模特，創作出更讓人著迷的事物——笑容。你可以說，這個神情本來就是模特表現出來的，但是畫家的偉大之處就是捕捉到這轉瞬即的一抹微笑，從而使作品成為經典。

在達·芬奇的代表作中有一幅叫做《最後的晚餐》。《最後的晚餐》是基督教新約聖經記載的最重要的事件之一，幾乎被所有宗教畫家描繪過，但只有達芬奇的作品傳世至今，為人稱道。那是因為達芬奇對人的形象和心理作過深入的觀察和研究，能從人物的動作、姿態、表情中洞察人物微妙的心理活動並表現出來。

當時達芬奇因為不知道怎麼下筆畫背叛者猶大的形象而停筆好幾天，當時達·芬奇的酬金是按時支付的，這樣遲遲不動筆，讓米蘭格雷契寺院食堂的院長十分惱火，還讓總管通知達芬奇打算扣工資的想法。達芬奇一聽說這個決定，就馬上想到了該怎樣畫猶大。他以院長為模特，將院長的頭像畫成猶大。後來米蘭大公來看這幅畫像，立馬就認出了坐在猶大位置上的院長。達·芬奇會用院長作模特，並非是出自個人的洩慾，而是院長和猶大本質上有個共通點，他們都很貪婪金錢。

從這兩幅畫中，我們可以看出模特對藝術創作的重要性。畫家需要模特，不是因為需要這個人的面容，而是這個人身上其他的東西，畢竟人是複雜的，有喜怒哀樂，也有怨嗔痴。畫家透過他們，捕捉自己想要的靈感。而觀賞者也可以從作品中解讀出他們熟悉的內容，從而被帶入畫境，產生審美愉悅！

你的觀點首先沒有問題，沒有說是非得要模特，美術創作根據不同的領域創作和風格題材創作的不同來論要不要模特的重要性，比如畢加索的創作多數憑空想象，但是對於一些人物寫實的創作題材，那麼這個時候模特的重要性就來了，寫生模特更容易感受模特的氣質、質感和性格特徵！

你的觀點首先沒有問題，沒有說是非得要模特，美術創作根據不同的領域創作和風格題材創作的不同來論要不要模特的重要性，比如畢加索的創作多數憑空想象，但是對於一些人物寫實的創作題材，那麼這個時候模特的重要性就來了，寫生模特更容易感受模特的氣質、質感和性格特徵！

造型藝術當中的任何形式，都需要基於客觀現象，透過肉眼觀察所獲取的資訊，將個人情感進行提煉。

不論寫實具象或抽象，不論繪畫還是雕塑，一旦脫離客觀現象的觀察條件，那麼所謂的“創作”便不具備藝術的人文與學術價值。