首要要考慮的是動手前你是否有了相應的準備。第一，從標題來分析是一種好方法。好多同學一拿到新曲子馬上就到琴上去彈，這是不恰當的，對於初學者應該先看一看標題，心裡先要有一個預示的音樂形象，比如說高師教材第一冊中《打夯歌》同學們一看標題就知道是與勞動有關的，有穩定的節奏，有特點的重音，音樂形象也就出來了，客觀上中國作品同學們是很容易感受到的，不管是民歌、戲曲改編的還是新創作的，學生接受理解起來都要容易一些。 第二，平時就應該查閱相關資料，做好知識儲備。我們知道，鋼琴畢竟是泊來品，國外有許多的短小的經典鋼琴作品，初學肯定會逐步接觸到一些，雖然涉及到文化和審美上有一定的差異，但對於鋼琴藝術來說確實是不能或缺的。俗話說：千里之行始於足下，萬丈高樓平地起，學習鋼琴的過程是技術和藝術的成熟過程，是見識的擴充套件過程，也是知識的積累過程；初學鋼琴的學生對有些曲名會讓感到困惑不解是很正常的，什麼練習曲、創意曲、小奏鳴曲等等，慢慢的透過查閱資料就會知道這些都是鋼琴曲的一種體裁，很多作曲家都寫了這些體裁的鋼琴曲。這樣一來了解作曲家就是很重要的事情了，這同文學作品一樣，是曹雪芹才寫得出《紅樓夢》，是蒲松齡才寫得出《聊哉誌異》，是這位作曲家才寫得出這樣風格的作品，瞭解作曲家、瞭解作曲家的個性、瞭解作曲家的生活、瞭解創作年代和創作背景是我們更深層理解音樂，表現音樂的必經之路。第三，學會傾聽音樂。現在的音響資料是很多的，可以說只要你想找，十之八九都找得到。有音響資料先聽一聽，會給學新曲帶來更容易上路的感覺，初學的同學不妨一試。比如我們聽高師鋼琴教材第二冊的《敘事曲》，先從題目上我們就可以簡單地理解，這是敘述一個故事的曲子，當然我們查閱一些文字資料，就會知道更多的知識，瞭解到敘事曲也是一種鋼琴曲的體裁，如果可以細細傾聽一些相關的音響資料，就會感受到這首《敘事曲》好像講述一個冒險的如童話般的故事，樂曲開始左手持續的整和絃好像是急切的馬蹄聲，給樂曲營造出一種緊張的氣氛，力度出現sf正是一種險象環生的感覺，中段轉到大調上，音樂給人柳暗花明之感，有多了些許的溫馨，過渡到第三段又回到那種急切的緊張氣氛之中，結尾以果斷的音響結束，又把人帶回到現實之中。如果沒有文字資料又該怎樣理解鋼琴曲的音樂形象呢？對初學者來說答案是：憑聽覺．也就是用耳朵聽，只要你覺得好聽就行，如果你能進一步地感覺到音樂有的歡快活潑的，有的是詼諧俏皮的，有的是舒展歌唱的，有的是纖細華麗的，那就更好！學會用一定的語言來表達自己所聽到的音樂也是一種必須的能力；當然，同一首曲子不同的人來聽會有不同的感受是很正常的，甚至同一個人的心境不同感受到同一首曲子的形象也有差別，音樂的藝術表現是音樂的生命，許多經典作品有很強的藝術生命力，我們只有透過不斷學習和提高才能逐步地感受和體會到。藝無止境，鋼琴的學習也是一樣，我們需要腳踏實地地搞好自己的學習，當你拿到一首鋼琴曲時請不要急於動手，不妨先做一點案頭工作，頭腦裡有了音樂的形象，有了知識準備、思想準備、情緒準備以後，上琴練習就會來得更快一些，也就是同學們常說的容易找到感覺一些。可以肯定，如果平時喜歡看一些相關書籍的話，學鋼琴也會容易理解一些，如果平時就愛欣賞一些“高雅音樂”的話，學鋼琴也會容易上手一些，“功夫在詩外”也是這個道理。學習新曲是令人興奮的，有些學生過於興奮就靜不下來了，急於找到音響上的感覺，這種感覺可能只是類似的、大概的，聽起來像那樣，不重視譜面的各類標記符號，結果老是在一些細節上犯錯誤，彈得似是而非。對這些同學，後面的幾條建議應該是非常有用的。力爭一次性地認準每一個音符。認準音符也就是要認準音符的音高和時值，而認錯音高的情況顯然更多些，用簡單的“不細心”三個字來批評似乎不太夠，我們得想想辦法，找找原因，從根本上來解決問題。因為有先入為主的影響，為了避免這種錯誤的影響，導致更多時間的浪費，所以我們強調一次性地認準音符。.首先要認清譜號。學生有時習慣於右手的高音譜表，左手低音譜表，對記在調號、拍號前面的譜號根本就不看，仍然憑經驗辦事，如果樂曲中間譜號變化就更“忽略”不計了，這就導致學生練琴時第一小節就出現錯音．第二是注意調號．有的學生由於對不同調的鍵盤上的位置變化不熟悉，他們有時習慣無升降號的C大調，有了黑鍵還不適應，有時因調的不同黑鍵數量和位置的變化學生還會出現搞混的情況，把多了記少了，把少的記多了，或者習慣於F調就去彈個降B鍵，習慣於G調就去彈個升F鍵．第三是要重視臨時記號．臨時的升、降、還原記號學生也常出現“沒看到”的情況，可能是注意力顧不過來，也有可能是沒有理解到臨時記號的作用，臨時記號作用於本小節內後面所有相同線間的音符．第四是要重視音符的長短時值．特別是對時值長的音符要彈夠，對休止符要有足夠的重視，要停夠時值不可匆匆而過；如果是其他的因素，比如印刷質量、版本衝突等因素，就另當別論了。對於認錯音符的原因深層次來看還是音樂綜合基本功的問題，五線譜視唱水平差，對音符的位置感不好，對音程、和絃等音群的結合圖形不敏感，手指技術上音階、琶音、和絃的基本功不夠紮實，音樂理論學習掌握不夠牢，還有聽覺上的原因，耳朵不夠積極，就不能起到監督的作用，我常建議學生當你聽起來新曲子的音響有點怪怪的時候，請再仔細一點，看看有沒有錯音，認準了再確定地練習，不要似是而非。所以，要提高學生認音符的準確性就必須從樂理、視唱練耳等方面著手，並加強鋼琴基本功的練習，這樣日積月累才可以逐步提高學生的識譜能力，又準又快地學談一首新的鋼琴曲 。第三個方面是指法。之所以把指法單列出來，的確是太多的學生不重視指法。例如：音階、琶音的指法是公認合理的，卻仍有學生不分三指和四指，跨三指、跨四指很隨便，好像覺得無所謂只要彈過去就行。要知道，指法是熟練彈奏的關鍵，對C大調隨便能彈過去的，對有升降號的調，特別是升降號較多的調就可麻煩了，彈奏一首曲子更復雜得多，很多時候的彈奏指法甚至是唯一的，這裡不排除個別的因素，因生理結構的差別有特殊的情況，但是就大多數初學者來說，指法的合理性、科學性是要首先考慮的，初學的鋼琴教材經歷無數鋼琴教師和教育專家的檢驗，已成了一種定律，學生應該端正態度，踏踏實實地按照教材的指法進行練習。從生理上來說彈鋼琴時的指法就是手指符合某種規則的運動，就像做廣播體操，學武術套路一樣，動作記憶適用於所有技術性的人類活動，熟能生巧需要的是練習的過程，需要全身心的投入練習，單從這方面來說用同樣的指法彈奏一首曲子，由於動作的記憶和慣性作用，很容易就彈熟了，但是如果你彈一首曲子每次都用不同的指法，雖然音響上是一樣（其實細聽的話也不相同）的，動作上卻是不同的了，這無形之中就像是換了一套體操，換了一套拳法一樣了，要想練熟得付出多大的代價！況且動作是有記憶的，錯誤動作如果先入為主了，要想再來改正，那麼要付出的代價就不是一加一等於二那麼簡單了，很多時候學生老是把一首曲子彈不熟，歸根結底是指法的不合理、不科學、不固定造成的；另外，錯誤的指法還會誘匯出錯音的產生，像有的少數學生，明明都快要背熟了的一首曲子，卻在不知不覺中有的音符自己不確定了，動作模糊了，出現了錯音，細細分析檢視，原來是指法不明確導致思維不清晰造成的。這個問題我是這樣看的：亂用指法與認錯音符是同等程度不足，後者甚至更為嚴重。第四個方面是鋼琴練習中應該重視譜面上的每一個符號。第一點是明確區分開連奏與斷奏．連奏有兩個音的，有三個音的，有四個音級以上的，學生都應該注意到，連奏的動作是第一個音落下去，最後一個音提起來，力度注意到最後一個音一般稍弱些，對於短的連奏應該注意手腕的靈活和重心的轉移，對於長一些的連奏還應該注意旋律進行中動作的諧調連貫，值得一提的是如果連奏在左手，則單獨練練左手，仔細體會左手連奏，對以後鋼琴程度的加深會很有好處的；鋼琴斷奏在一些理論書上寫得很細，對初學者來說先理解斷奏，就是斷開音來進行的彈奏，就是音與音之間斷開，這實際上很好理解，然後是掌握怎麼斷奏？初學者不必考慮太多，什麼手指斷奏、手腕斷奏、小臂斷奏、大臂斷奏等等，自己感覺只要有動作協調放鬆的、思想積極有準備的、手腕相對穩定而有彈性、指尖站穩、聲音結實圓潤，那就不錯了，不過要熟練的掌握以及根據樂曲風格作適當的調整變化，還需要更深層次的學習，還需要更多的理論和實踐。有的教材並沒有標明使用連奏或斷奏，並不是說隨便彈，想連就連想斷就斷，相信這類曲子鋼琴老師會告訴你該怎麼處理的，這裡不再贅述了。第二點是強弱對比和變化．這裡有兩層意思：第一層意思是強弱的對比，在鋼琴曲的練習過程中，學生要注重音樂的表現，注重鋼琴曲的藝術性，就是練習曲也要用處理樂曲的方式來彈奏，表現出音樂的某種情緒出來，這需要學生的內心投入，強弱對比是很有效的方法之一，比如《歌劇主題變奏》就採用了很多的f和p的對比，音樂的趣味性由此而增色不少；第二層意思是強弱的變化，包括漸強漸弱，突強突弱，強後突弱等等豐富的變化，學生應該根據譜面的提示理解音樂，用心來感受音樂，用手指把音樂表現出來；不能生硬的作出音樂強弱的變化，使音樂缺乏生命力和感染力。第五個方面是關於練琴。首先了解分手練琴與雙手合練。初學鋼琴者第一次學彈一首鋼琴曲無外乎有兩種情況：分手學彈和左右手同時進行。學生應該根據自身的水平來靈活運用，一般來說視譜能力較差的學生視奏能力也不會好，如果感覺雙手彈奏練習起來很吃力，音樂過於零碎，就不要勉強了，改用單手練吧。也有很多曲子是這種情況，一個樂段認譜容易，一個樂段認譜較難，或者只有一兩個小節、一兩拍的難點，學生就該適當調整練習方式了，不必拘泥於整首曲子的單手或雙手，做好部分調整，當然有時老師會專門為學生布置練習視奏的曲子，就該按老師的要求來了，要求左手練就左手練，右手練就右手練，雙手練就雙手練，不可自作聰明，因為你要相信老師是瞭解你的，知道你該從哪兒著手，給你的練習對你鋼琴技術的提高是很有脾益的。再一點就是分聲部練琴．分聲部練琴主要是針對復調或者是復調性質的鋼琴曲片斷，隨著學琴程度的加深，為了解決技術上的問題或加強聽覺上的層次感，分聲部練習就會越發顯得重要了，如果說分手練習是為了解決左右手獨立熟悉曲譜，為雙手的合作作好鋪墊；分聲部練習則更重於聽覺，更重於層次的清晰感，練習鋼琴時的思維方式會有所不同，只有彈奏好獨立的聲部，才能更好地完成聲部的融合。還有很重要的一點是保證練琴時間。彈鋼琴是技術活，技術活就服從熟能生巧的原則，很顯然只有保證練琴時間，才可能將練琴的方法付諸練習實踐。對初學的學生來說練琴時間最好能每天固定，在中午、課外活動、晚自習以及平時的自習課中都可以安排時間練習，在週六週日實際上應該安排更多的時間練琴，每天最低不可以低於一個小時，而且是認真投入的。如果低於這個時間，那麼鋼琴的進步是很難保證的，對於程度深一點的同學來說，時間還會用得更多，“逆水行舟，不進則退”學習鋼琴同樣是這個道理。以上從五個方面提出了新學一首鋼琴曲的幾條溫馨提示，實際練習情況會複雜得多，學生來自不同的啟蒙老師，對音樂的理解也有很大的差異，個人生理條件也不一樣，對音樂的理解也有很大的差異，對老師講解的語言理解程度也不同，所以每位同學會有自己的長處和不足，應該考慮的是怎樣克服自身的缺點、發揚自身的優點使自己的學琴效果更好，怎樣才能在同樣時間內練琴獲得更好的練習效果，是每位學鋼琴的學生都要思考和實踐的。總的來說，只有保持嚴謹的學習態度，使用合理的學習方法才能使我們做事的效益更高。初學新鋼琴曲的美好感受是令人興奮的，但只有用科學的學習方法嚴格要求自己，用心練琴，用心體會，才能把音樂這幢流動的建築建造起來，也只有我們細心的雕琢，才能使這幢流動的建築更加美麗。
首要要考慮的是動手前你是否有了相應的準備。第一，從標題來分析是一種好方法。好多同學一拿到新曲子馬上就到琴上去彈，這是不恰當的，對於初學者應該先看一看標題，心裡先要有一個預示的音樂形象，比如說高師教材第一冊中《打夯歌》同學們一看標題就知道是與勞動有關的，有穩定的節奏，有特點的重音，音樂形象也就出來了，客觀上中國作品同學們是很容易感受到的，不管是民歌、戲曲改編的還是新創作的，學生接受理解起來都要容易一些。 第二，平時就應該查閱相關資料，做好知識儲備。我們知道，鋼琴畢竟是泊來品，國外有許多的短小的經典鋼琴作品，初學肯定會逐步接觸到一些，雖然涉及到文化和審美上有一定的差異，但對於鋼琴藝術來說確實是不能或缺的。俗話說：千里之行始於足下，萬丈高樓平地起，學習鋼琴的過程是技術和藝術的成熟過程，是見識的擴充套件過程，也是知識的積累過程；初學鋼琴的學生對有些曲名會讓感到困惑不解是很正常的，什麼練習曲、創意曲、小奏鳴曲等等，慢慢的透過查閱資料就會知道這些都是鋼琴曲的一種體裁，很多作曲家都寫了這些體裁的鋼琴曲。這樣一來了解作曲家就是很重要的事情了，這同文學作品一樣，是曹雪芹才寫得出《紅樓夢》，是蒲松齡才寫得出《聊哉誌異》，是這位作曲家才寫得出這樣風格的作品，瞭解作曲家、瞭解作曲家的個性、瞭解作曲家的生活、瞭解創作年代和創作背景是我們更深層理解音樂，表現音樂的必經之路。第三，學會傾聽音樂。現在的音響資料是很多的，可以說只要你想找，十之八九都找得到。有音響資料先聽一聽，會給學新曲帶來更容易上路的感覺，初學的同學不妨一試。比如我們聽高師鋼琴教材第二冊的《敘事曲》，先從題目上我們就可以簡單地理解，這是敘述一個故事的曲子，當然我們查閱一些文字資料，就會知道更多的知識，瞭解到敘事曲也是一種鋼琴曲的體裁，如果可以細細傾聽一些相關的音響資料，就會感受到這首《敘事曲》好像講述一個冒險的如童話般的故事，樂曲開始左手持續的整和絃好像是急切的馬蹄聲，給樂曲營造出一種緊張的氣氛，力度出現sf正是一種險象環生的感覺，中段轉到大調上，音樂給人柳暗花明之感，有多了些許的溫馨，過渡到第三段又回到那種急切的緊張氣氛之中，結尾以果斷的音響結束，又把人帶回到現實之中。如果沒有文字資料又該怎樣理解鋼琴曲的音樂形象呢？對初學者來說答案是：憑聽覺．也就是用耳朵聽，只要你覺得好聽就行，如果你能進一步地感覺到音樂有的歡快活潑的，有的是詼諧俏皮的，有的是舒展歌唱的，有的是纖細華麗的，那就更好！學會用一定的語言來表達自己所聽到的音樂也是一種必須的能力；當然，同一首曲子不同的人來聽會有不同的感受是很正常的，甚至同一個人的心境不同感受到同一首曲子的形象也有差別，音樂的藝術表現是音樂的生命，許多經典作品有很強的藝術生命力，我們只有透過不斷學習和提高才能逐步地感受和體會到。藝無止境，鋼琴的學習也是一樣，我們需要腳踏實地地搞好自己的學習，當你拿到一首鋼琴曲時請不要急於動手，不妨先做一點案頭工作，頭腦裡有了音樂的形象，有了知識準備、思想準備、情緒準備以後，上琴練習就會來得更快一些，也就是同學們常說的容易找到感覺一些。可以肯定，如果平時喜歡看一些相關書籍的話，學鋼琴也會容易理解一些，如果平時就愛欣賞一些“高雅音樂”的話，學鋼琴也會容易上手一些，“功夫在詩外”也是這個道理。學習新曲是令人興奮的，有些學生過於興奮就靜不下來了，急於找到音響上的感覺，這種感覺可能只是類似的、大概的，聽起來像那樣，不重視譜面的各類標記符號，結果老是在一些細節上犯錯誤，彈得似是而非。對這些同學，後面的幾條建議應該是非常有用的。力爭一次性地認準每一個音符。認準音符也就是要認準音符的音高和時值，而認錯音高的情況顯然更多些，用簡單的“不細心”三個字來批評似乎不太夠，我們得想想辦法，找找原因，從根本上來解決問題。因為有先入為主的影響，為了避免這種錯誤的影響，導致更多時間的浪費，所以我們強調一次性地認準音符。.首先要認清譜號。學生有時習慣於右手的高音譜表，左手低音譜表，對記在調號、拍號前面的譜號根本就不看，仍然憑經驗辦事，如果樂曲中間譜號變化就更“忽略”不計了，這就導致學生練琴時第一小節就出現錯音．第二是注意調號．有的學生由於對不同調的鍵盤上的位置變化不熟悉，他們有時習慣無升降號的C大調，有了黑鍵還不適應，有時因調的不同黑鍵數量和位置的變化學生還會出現搞混的情況，把多了記少了，把少的記多了，或者習慣於F調就去彈個降B鍵，習慣於G調就去彈個升F鍵．第三是要重視臨時記號．臨時的升、降、還原記號學生也常出現“沒看到”的情況，可能是注意力顧不過來，也有可能是沒有理解到臨時記號的作用，臨時記號作用於本小節內後面所有相同線間的音符．第四是要重視音符的長短時值．特別是對時值長的音符要彈夠，對休止符要有足夠的重視，要停夠時值不可匆匆而過；如果是其他的因素，比如印刷質量、版本衝突等因素，就另當別論了。對於認錯音符的原因深層次來看還是音樂綜合基本功的問題，五線譜視唱水平差，對音符的位置感不好，對音程、和絃等音群的結合圖形不敏感，手指技術上音階、琶音、和絃的基本功不夠紮實，音樂理論學習掌握不夠牢，還有聽覺上的原因，耳朵不夠積極，就不能起到監督的作用，我常建議學生當你聽起來新曲子的音響有點怪怪的時候，請再仔細一點，看看有沒有錯音，認準了再確定地練習，不要似是而非。所以，要提高學生認音符的準確性就必須從樂理、視唱練耳等方面著手，並加強鋼琴基本功的練習，這樣日積月累才可以逐步提高學生的識譜能力，又準又快地學談一首新的鋼琴曲 。第三個方面是指法。之所以把指法單列出來，的確是太多的學生不重視指法。例如：音階、琶音的指法是公認合理的，卻仍有學生不分三指和四指，跨三指、跨四指很隨便，好像覺得無所謂只要彈過去就行。要知道，指法是熟練彈奏的關鍵，對C大調隨便能彈過去的，對有升降號的調，特別是升降號較多的調就可麻煩了，彈奏一首曲子更復雜得多，很多時候的彈奏指法甚至是唯一的，這裡不排除個別的因素，因生理結構的差別有特殊的情況，但是就大多數初學者來說，指法的合理性、科學性是要首先考慮的，初學的鋼琴教材經歷無數鋼琴教師和教育專家的檢驗，已成了一種定律，學生應該端正態度，踏踏實實地按照教材的指法進行練習。從生理上來說彈鋼琴時的指法就是手指符合某種規則的運動，就像做廣播體操，學武術套路一樣，動作記憶適用於所有技術性的人類活動，熟能生巧需要的是練習的過程，需要全身心的投入練習，單從這方面來說用同樣的指法彈奏一首曲子，由於動作的記憶和慣性作用，很容易就彈熟了，但是如果你彈一首曲子每次都用不同的指法，雖然音響上是一樣（其實細聽的話也不相同）的，動作上卻是不同的了，這無形之中就像是換了一套體操，換了一套拳法一樣了，要想練熟得付出多大的代價！況且動作是有記憶的，錯誤動作如果先入為主了，要想再來改正，那麼要付出的代價就不是一加一等於二那麼簡單了，很多時候學生老是把一首曲子彈不熟，歸根結底是指法的不合理、不科學、不固定造成的；另外，錯誤的指法還會誘匯出錯音的產生，像有的少數學生，明明都快要背熟了的一首曲子，卻在不知不覺中有的音符自己不確定了，動作模糊了，出現了錯音，細細分析檢視，原來是指法不明確導致思維不清晰造成的。這個問題我是這樣看的：亂用指法與認錯音符是同等程度不足，後者甚至更為嚴重。第四個方面是鋼琴練習中應該重視譜面上的每一個符號。第一點是明確區分開連奏與斷奏．連奏有兩個音的，有三個音的，有四個音級以上的，學生都應該注意到，連奏的動作是第一個音落下去，最後一個音提起來，力度注意到最後一個音一般稍弱些，對於短的連奏應該注意手腕的靈活和重心的轉移，對於長一些的連奏還應該注意旋律進行中動作的諧調連貫，值得一提的是如果連奏在左手，則單獨練練左手，仔細體會左手連奏，對以後鋼琴程度的加深會很有好處的；鋼琴斷奏在一些理論書上寫得很細，對初學者來說先理解斷奏，就是斷開音來進行的彈奏，就是音與音之間斷開，這實際上很好理解，然後是掌握怎麼斷奏？初學者不必考慮太多，什麼手指斷奏、手腕斷奏、小臂斷奏、大臂斷奏等等，自己感覺只要有動作協調放鬆的、思想積極有準備的、手腕相對穩定而有彈性、指尖站穩、聲音結實圓潤，那就不錯了，不過要熟練的掌握以及根據樂曲風格作適當的調整變化，還需要更深層次的學習，還需要更多的理論和實踐。有的教材並沒有標明使用連奏或斷奏，並不是說隨便彈，想連就連想斷就斷，相信這類曲子鋼琴老師會告訴你該怎麼處理的，這裡不再贅述了。第二點是強弱對比和變化．這裡有兩層意思：第一層意思是強弱的對比，在鋼琴曲的練習過程中，學生要注重音樂的表現，注重鋼琴曲的藝術性，就是練習曲也要用處理樂曲的方式來彈奏，表現出音樂的某種情緒出來，這需要學生的內心投入，強弱對比是很有效的方法之一，比如《歌劇主題變奏》就採用了很多的f和p的對比，音樂的趣味性由此而增色不少；第二層意思是強弱的變化，包括漸強漸弱，突強突弱，強後突弱等等豐富的變化，學生應該根據譜面的提示理解音樂，用心來感受音樂，用手指把音樂表現出來；不能生硬的作出音樂強弱的變化，使音樂缺乏生命力和感染力。第五個方面是關於練琴。首先了解分手練琴與雙手合練。初學鋼琴者第一次學彈一首鋼琴曲無外乎有兩種情況：分手學彈和左右手同時進行。學生應該根據自身的水平來靈活運用，一般來說視譜能力較差的學生視奏能力也不會好，如果感覺雙手彈奏練習起來很吃力，音樂過於零碎，就不要勉強了，改用單手練吧。也有很多曲子是這種情況，一個樂段認譜容易，一個樂段認譜較難，或者只有一兩個小節、一兩拍的難點，學生就該適當調整練習方式了，不必拘泥於整首曲子的單手或雙手，做好部分調整，當然有時老師會專門為學生布置練習視奏的曲子，就該按老師的要求來了，要求左手練就左手練，右手練就右手練，雙手練就雙手練，不可自作聰明，因為你要相信老師是瞭解你的，知道你該從哪兒著手，給你的練習對你鋼琴技術的提高是很有脾益的。再一點就是分聲部練琴．分聲部練琴主要是針對復調或者是復調性質的鋼琴曲片斷，隨著學琴程度的加深，為了解決技術上的問題或加強聽覺上的層次感，分聲部練習就會越發顯得重要了，如果說分手練習是為了解決左右手獨立熟悉曲譜，為雙手的合作作好鋪墊；分聲部練習則更重於聽覺，更重於層次的清晰感，練習鋼琴時的思維方式會有所不同，只有彈奏好獨立的聲部，才能更好地完成聲部的融合。還有很重要的一點是保證練琴時間。彈鋼琴是技術活，技術活就服從熟能生巧的原則，很顯然只有保證練琴時間，才可能將練琴的方法付諸練習實踐。對初學的學生來說練琴時間最好能每天固定，在中午、課外活動、晚自習以及平時的自習課中都可以安排時間練習，在週六週日實際上應該安排更多的時間練琴，每天最低不可以低於一個小時，而且是認真投入的。如果低於這個時間，那麼鋼琴的進步是很難保證的，對於程度深一點的同學來說，時間還會用得更多，“逆水行舟，不進則退”學習鋼琴同樣是這個道理。以上從五個方面提出了新學一首鋼琴曲的幾條溫馨提示，實際練習情況會複雜得多，學生來自不同的啟蒙老師，對音樂的理解也有很大的差異，個人生理條件也不一樣，對音樂的理解也有很大的差異，對老師講解的語言理解程度也不同，所以每位同學會有自己的長處和不足，應該考慮的是怎樣克服自身的缺點、發揚自身的優點使自己的學琴效果更好，怎樣才能在同樣時間內練琴獲得更好的練習效果，是每位學鋼琴的學生都要思考和實踐的。總的來說，只有保持嚴謹的學習態度，使用合理的學習方法才能使我們做事的效益更高。初學新鋼琴曲的美好感受是令人興奮的，但只有用科學的學習方法嚴格要求自己，用心練琴，用心體會，才能把音樂這幢流動的建築建造起來，也只有我們細心的雕琢，才能使這幢流動的建築更加美麗。