現在攝影的範疇已經比突破傳統的約束，除了紀實、新聞，其他的攝影均可以後期處理加以藝術化，因此攝影者的想象能力得以拓寬。參賽作品是按主辦方的要求進行的，並不是千遍一律。關於攝影后期，是對作品藝術處理的過程，這考驗攝影者的技巧，更體驗藝術眼光和審美觀，的確對攝影前期有更多在的考量。

首先，攝影師並不像畫家，畫家一開始就必須要確定自己用什麼顏色。而攝影師往往的是透過相機記錄下畫面，既然是機器就難免會出現不滿足攝影師要求的情況發生，也就是前期色調，曝光等不理想或無法達到要求的情況，於是才有了後期調整，以達到自己滿意的情況。

其次，有很多創作是現實中無法出現的，但後期的出現讓那些畫面成為了可能，這也是藝術創造中很重要的一環，我們的天馬行空便可以具象化。

所以，加入後期的確是對攝影師的要求會變高一些，但如果沒有後期，那樣簡單的記錄畫面是不是就單調了呢？

謝邀！首先，攝影不是加了後期，而是後期本來就與攝影是一體的，如同人的肉體與靈魂的關係。而攝影師的後期技術，如同武人內練一口氣的氣，是一種必備的技能。在相機進入數碼時代之後，人們在概念上發生了潛移默化的改變，這種改變就是"後期"的問題。在膠片時代，不存在後期，因為凡是照片都要衝和洗，這就是所謂的顯影，這是攝影的一部分。而在今天，因為數碼技術的應用，使得照片即拍即看，這漸漸讓人麻木而忽略了後期的重要。但是，專業攝影師會用RAW格式來拍攝照片，因為此格式相機不會對照片產生任何處理，在電腦上開啟的話，會發現RAW格式的照片色彩灰暗，沒有任何出彩的地方，而這時候，專業攝影師就會進入"顯影"的過程，不過是在電腦裡完成，所以可控性是前所未有的強大。所以，對於職業的攝影師來說，所謂的後期是必備且必須做的一件事，因為前期拍攝是非常客觀的對現實的一個瞬間的複製而已，而後期才是讓攝影師真正對照片賦予情感與意蘊的環節。哪怕是紀實攝影，如史蒂夫邁凱瑞的阿富汗少女，也是調整了色彩與反差的，才能帶給人那震撼的眼神與情緒。而安塞爾亞當斯與愛德華韋斯頓就更不用說了，正如亞當斯說的:攝影，前期是譜曲，後期是演奏。並不是指後期有多重要，而是指後期是真正讓藝術家的創意展現的環節。可現在有很多攝影愛好者提倡所謂的"直出"，其實更多的都是用jpg格式，此格式其實並不是照片真實的樣子，而是相機預設的增加了飽和度與對比度，和他們提倡的"自然"效果早已背道而馳，這不過是緣木求魚。這其實也體現了他們對於後期技術的匱乏與創意的枯竭。我是不提倡直出的，因為數碼照片即使直出也早已失去了膠片的那種色調與質感。那該不該後期，我覺得，"如果人們買了菜，為了追求原生態而直接生吃的話，我不會反對，只會掩面而笑。而文明的人，買了菜則會用精湛的廚藝做出色香味俱全的美食，同時也在加工的過程中體現了他對於美食與生命的理解。"

愛攝影，就永遠繞不開"顯影"，你只能去戰勝它，不能去逃避它。

最後提一點建議，千萬別被器材捆綁住，讓你站在攝影之巔的不是器材，而是使用器材的你。

得於斯者，毀於斯。

不誇張地說我用5臺相機（包括大疆無人機航拍相機、大疆手持雲臺相機），圖片攝影格式都是RAW，用專業軟體處理，很方便。建議攝影愛好者朋友們，儘量用RAW格式拍。現今區分是否是專業攝影師，是不是使用RAW格式拍片，是評判標準之一。

曾經，職業攝影師需要掌握暗房技術，諸如控制顯影液配方、顯影時間長短、攪動規律等技巧，並根據個人喜好去將照片沖洗出來。現在，職業攝影師需要掌握修圖軟體的使用，透過調整明暗、飽和、反差等方式來做出最後的成片。膠片與數碼的區別可能只是膠片時代需要暗房而數碼時期需要數碼暗房，僅此而已。

所以事實上並沒有“加”了後期對攝影師要求更高的說法，因為攝影后期從攝影誕生那天起就已經一直存在。而對於普通愛好者來說，從膠片到數碼，只不過是把照片後期這種技術，從只有職業攝影師和暗房師傅手中普及到普羅大眾中罷了。

而所謂“直出”更“純粹”、“純淨”的說法，事實上也是一個謬誤。“直出”準確來說只能夠算是“機內暗房”讓使用者更快地去獲取照片罷了。而這種“機內暗房”某種程度上更像是膠片時代將後期、暗房技術交給暗房師傅一樣，成品並不一樣完全反應攝影師的想法。

為此，我一直認為前後期並不是對立而是共生。畢竟在很多情況下我們都很難單靠按下快門來獲取完美的照片，膠片時代如是，數碼時期亦如是。如果一個攝影師在拍攝的時候腦海裡對成片完全沒有概念的話，那麼我並不認為他/她算得上是一位及格的攝影師。

你的作品好不好看，並不取決於你後期與否，而是取決於你的審美。你的攝影純不純淨，並不取決於後期與否，而是你的心態。相機數碼化讓我們可控的變得更多，合理地控制好尺度，相信後期對作品來說只會有好無壞。