以傳統中國畫為標準，一方面是天份，另一方面體現的是綜合文化修養水平！還有一方面體現的是筆墨技術的把握與創造能力，

中國畫尚寫意，而每人對自然物象的理解各不相同，再到表現時完全看各人的理解水平與表現能力，歷代大師都是有自已獨特語言特徵，而這種特徵恰恰又是綜合修養的體現！

天才王希孟十八歲畫千里江山，放現在還是剛上本科的學生，其天才的理解力與表現後無來者！

黃公望五十始學畫，做富春山居，千古絕響。

吳昌碩五十拜任伯年為師，開近代大寫意花鳥之宗。

而這些畫家的成功最終體現的是畫家的綜合修養在藝術創造上的自然與自信！

當然勤奮也是不可缺的，因為畫畫畢竟是手藝活，熟能生巧也是必須的！

我來回答下，中國畫是中國的傳統繪畫，是民族的智慧、人文、歷史、感悟等，中國畫講究筆墨神韻，強調“以形寫神”，有著很強的思想情懷和個性特徵！它所追求的是天人合一的藝術境界，所揭示的是自我主觀精神與心靈的感悟。一幅精美的中國畫之所以給人以美的享受，除了源於風景秀麗的自然美景，藝術家要有匠心獨運的構思，高超藝術技法的運用，經過筆墨色彩的認真描繪，使雄偉壯觀，氣韻悠遠的眼中美景躍然紙上，寄託了對自然、對生命、對精神的歌頌崇敬之情。可以說，中國畫可以讓我們領略到那詩化的意境，其文學意蘊豐富了中國畫的內涵和情趣，達到了歷史與現代、形式與內容的完美統一。

歷史的需要"引經據典″

現實的，寓意的就是要作者有思想深度，觀察力，喻示和言情達意的表現技巧，和藝術語言表達方法。

可以說中國畫博大精深，包羅永珍，相較於西方屬於寫意畫法，也分大寫意和小寫意之手法。寫意嗎，就是說講究直抒胸臆，大快朵頤之快感，也就是抓住瞬間即逝的靈感像體，來傳達出大自然的神奇美妙的意向。當然這的需要作者既有深厚的文化底蘊做支撐以及手上的精益求精功夫，才能更加準確的表達出來想表達內容。有句話就體現在這兒，“只可意會不可言傳” 這是她的價值所在之處啊。

1. 既要有形式感又要傳達出作品的精神內涵。要不然作品就是個美麗的空殼。

2. 這就需要作者是建立在，傳承我們中國畫的優點，來發展創新我們現代人的精神生活追求。沒有繼承就好像無水之源，無根之木，有如空中樓閣，當然這個傳承不一定是在形式上，而更重要是在民族精神上的。這樣去拼發出作品生生不息強大的生命力來。

3. 加強學習深入體會古人的精神內涵，畢竟現代人要好好繼承他們的那種把藝術當生命的信仰去畫畫。那種對大自然的崇拜嚮往與敬畏的精神等等。並且這也是我們去研究中國畫的價值所在，現代人普遍浮躁耐不心來做事情，而這個就能解決掉，並且能讓欣賞畫的我們也能沉浸在畫中，油然升起的那種寧靜、美好，與幸福感。也是善莫大焉的偉大的作用性。

要問中國畫最終體現畫家哪些能力，我認為是藝術創作能力。一個畫家如果不進行藝術創作，一味摹仿，只能起到影印機的作用。習中國畫從臨墓入門，到技術成熟，寫生，搏覽群書，社會實踐體會，培養志趣情操，思想意境，進入藝術創作階段。最終目的是藝術創作。

個人體會不知對否。

回答這個問題之前，我們可以簡單的回顧一下中國畫的發展脈絡。

1.遠古時期

這一時期的繪畫，主要以簡單的圖形為主。如魚形圖人臉圖以及一些動物圖案等。這在一些陶罐及巖畫上可以見到。這一時期的繪畫表明瞭古代先民們，想把美的東西引入生活之中，但是表現技法還相當的粗劣幼稚。

2.秦至唐宋之前的繪畫

這一時期產生了大量的優秀藝術家。如顧愷之，吳道子，大小李將軍等。此時的繪畫，已能將自然之物精準的描繪於畫布之上。畫家們有意識地追求準確與形似，是此階段繪畫的主要特點。這一時段，畫家們的手上功夫已經非常純熟。無論繁複與簡略，都已經相當準確。如<送子天王圖>，<溪山行旅圖>，<簪花仕女圖>，<萬壑松風圖>等等皆為此一時期的代表畫作。這一時期的繪畫，畫面很少題款，作者的簽名，也隱藏於山石樹木之間，主要體現的是畫家們的繪畫能力。

3.宋代以後的繪畫

兩宋以後文人士大夫們的大量加入，產生了文人畫。文人畫不以準確為能事，更注重精神內涵的表達。詩詞歌賦，題跋大量的出現在畫面之中。此時的繪畫，不僅要求畫家們要有繪畫的能力，更要有廣博的文化知識。文人畫的出現使中國畫，卓立於世界藝術之林。王維，蘇軾，徐青藤等是代表，此時的繪畫，更能體現畫家的文化素養。

4.現代繪畫

到了現代，隨著科學技術的發展。各種繪畫材料和方法的出現，更豐富了中國畫的表現形式。現代繪畫更體現畫家的綜合能力。可以說任何知識對畫家來說都是有用的。畫家完全有可能發展為百科全書式的人物。當然，追求精神內涵，還是中國畫的永恆主題。

最準體現的是人生價值觀、世界觀以及人生態度。

其一體現｛對己｝，對於自我的認識，中國畫畫理強調明心見性，是一種向內的人生拷問，所謂畫如其人就是這個意思，認識欣賞一副畫就如同見到作者，對其作品的關照，就如同與作者攀談交心，作者創作一幅畫，其實就是在創造另一個世界，在畫中實現自我、超越自我。

其二體現｛對人｝，如何與你身邊的人相處是一門學問，其實也體現在畫中，例如羅中立的作品【父親】，黝黑的面板、宛如刀痕的皺紋，是滄桑歲月沉澱，也是父愛如山的註解。在生活中您如果是畫家，你與親人和朋友以及擦肩而過的陌生人、一個眼神、一次回眸，都會為您的作品注入人性的光芒。

其三體現｛對物｝，有很多畫家早年什麼都畫，既是對自己繪畫技巧的打磨，也是為了提高自己的繪畫學養，但很多畫家步入中年或晚年會對某一種物像或題材十分著迷，這也是中國畫的特點體現，託物言志，這種特定的物像或題材能充分釋放作者的情感，表達作者的思想。例如李可染好山水、齊白石晚年喜歡畫蝦。

總而言之，中國畫最終體現的就是作者對己、對人、對物的體察和關照，把對自己的尋找和對眼中所見、心中所想、所思表現在畫中，與觀者交流互動的過程。

中國畫在觀察認識、形象塑造和表現手法上，體現了中華民族傳統的哲學觀念和審美觀，在對客觀事物的觀察認識中，採取以大觀小、小中見大的方法，並在活動中去觀察和認識客觀事物，甚至可以直接參與到事物中去，而不是做局外觀，或侷限在某個固定點上。它滲透著人們的社會意識，從而使繪畫具有“千載寂寥，披圖可鑑”的認識作用，又起到“惡以誡世，善以示後”的教育作用。即使山水、花鳥等純自然的客觀物象，在觀察、認識和表現中，也自覺地與人的社會意識和審美情趣相聯絡，借景抒情，託物言志，體現了華人“天人合一”的觀念。中國畫在創作上重視構思，講求意在筆先和形象思維，注重藝術形象的主客觀統一。造型上不拘於表面的肖似，而講求“妙在似與不似之間”和“不似之似”。其形象的塑造以能傳達出物象的神態情韻和畫家的主觀情感為要旨。因而可以捨棄非本質的、或與物象特徵關聯不大的部分，而對那些能體現出神情特徵的部分，則可以採取誇張甚至變形的手法加以刻畫。在構圖上，中國畫講求經營，它不是立足於某個固定的空間或時間，而是以靈活的方式，打破時空的限制，把處於不同時空中的物象，依照畫家的主觀感受和藝術創作的法則，重新佈置，構造出一種畫家心目中的時空境界。於是，風晴雨雪、四時朝暮、古今人物可以出現在同一幅畫中。因此，在透視上它也不拘於焦點透視，而是採用多點或散點透視法，以上下或左右、前後移動的方式，觀物取景，經營構圖，具有極大的自由度和靈活性。同時在一幅畫的構圖中注重虛實對比，講求“疏可走馬”、“密不透風”，要虛中有實，實中有虛。中國畫以其特有的筆墨技巧作為狀物及傳情達意的表現手段，以點、線、面的形式描繪物件的形貌、骨法、質地、光暗及情態神韻。這裡的筆墨既是狀物、傳情的技巧，又是物件的載體，同時本身又是有意味的形式，其痕跡體現了中國書法的意趣，具有獨立的審美價值。由於並不十分追求物象表面的肖似，因此中國畫既可用全黑的水墨，也可用色彩或墨色結合來描人物畫繪物件，而越到後來，水墨所佔比重愈大，現在有人甚至稱中國畫為水墨畫。其所用墨講求墨分五色，以調入水份的多寡和運筆疾緩及筆觸的長短大小的不同，造成了筆墨技巧的千變萬化和明暗調子的豐富多變。同時墨還可以與色相互結合，而又墨不礙色，色不礙墨，形成墨色互補的多樣性。而在以色彩為主的中國畫中，講求“隨類賦彩”，注重的是物件的固有色，光源和環境色並不重要，一般不予考慮。但為了某種特殊需要，有時可大膽採用某種誇張或假定的色彩。中國畫，特別是其中的文人畫，在創作中強調書畫同源注重畫家本人的人品及素養。在具體作品中講求詩、書、畫、印的有機結合，並且透過在畫面上題寫詩文跋語，表達畫家對社會、人生及藝術的認識，既起到了深化主題的作用，又是畫面的有機組成部分。

創造力。這裡所指的創造力並不是我們通常理解的字面意思，而是藝術創作過程中所需的一種綜合性的能力，不應該單單特指靈感，它應包括觀察力，感受力，想象力和表達力。持之以恆的學習態度。這一點不管在哪個領域，應該都通用吧。

惲南田說，無筆無墨不稱為畫。黃賓虹說，中國畫舍筆墨無它。是知筆墨對中國畫的重要。然此筆墨非形而下，須從形而上求、解方可。

作者透過國畫表達自己的感情，最終體現在對大自然一種執著的創作力量，作者表現的技法也個有千秋。國畫是寫的，不是畫的，熟能生巧是構思與悟性容為一集的，一個業餘愛好的感悟。